Мария Васильева (1884–1957) – училась в Петербурге и в Париже, с 1907 года фактически жила во Франции. Работала в основном как скульптор, была автором кубистических скульптур и гротескных кукол, изображавших знаменитых художников и прочих представителей богемы. Участвовала во многих авангардистских выставках в Петербурге и в Москве. Позднее работала в стиле декоративного неопримитивизма.
МАРИАННА ВЕРЕВКИНА. ОСЕНЬ. ШКОЛА. ОК. 1907
Марианна Веревкина (1860–1938) – училась в Москве у Прянишникова и Поленова и в Петербурге у И. Е. Репина, затем переехала в Мюнхен, была участницей выставки объединения «Бубновый валет» в 1910–1911 гг., входила в объединение «Синий всадник» вместе с В. Кандинским. Была замужем за А. Г. Явленским – художником и единомышленником В. Кандинского и П. Клее. Жила в Германии, где организовала собственную художественную группу «Большой медведь». После начала Первой мировой войны перебралась в Швейцарию.
Наталья Гончарова (1881–1962) – училась в Московском училище живописи, ваяния и зодчества как вольнослушатель. Была одним из организаторов и наиболее активных участников выставок художников-авангардистов, работала в жанре примитивизма и «лучизма», оформляла спектакли для «Русских сезонов» С. Дягилева. С 1915 года жила в Париже, где в основном работала для театра и иллюстрировала книги. По отцовской линии приходится правнучкой А. С. Пушкину. Была женой М. Ф. Ларионова, также художника-авангардиста, создателя «лучизма».
Елена Гуро (1877–1913) – училась в частных художественных студиях в Петербурге, начала выставляться с 1909 года. Считается одной из основоположников кубофутуризма. Была женой М. В. Матюшина, художника и музыканта, представителя кубизма и абстракционизма в живописи и футуризма в музыке.
Софья Дымшиц-Толстая (1884–1963) – училась в частных студиях Петербурга, в том числе у М. Добужинского и Л. Бакста, затем в Париже. С 1912 года участвовала в выставках «Бубнового валета» и др. В основном работала в жанре натюрморта. В 1910-х годах была женой писателя А. Н. Толстого. После 1917 года работала в Наркомпросе, исполняла агитплакаты и картины на современные темы.
Любовь Попова (1889–1924) – училась в России в частных студиях К. Юона и С. Жуковского, а также в Париже. Была представительницей кубофутуризма, после революции сделала несколько художественных проектов под общим названием «Пространственно-силовые построения», создавала костюмы и декорации для Театра им. Вс. Мейерхольда и работала в Институте художественной культуры вместе с В. Кандинским. Умерла от скарлатины.
Ольга Розанова (1886–1918) – училась в Москве, в частных студиях, с 1911 года активная участница большинства авангардистских объединений и выставок, работала в стиле кубофутуризма, затем супрематизма, а позднее изобрела собственный стиль, так называемую цветопись, которая стала новым этапом в русском абстракционизме. Была замужем за А. Е. Крученых, известным поэтом и художником-футуристом. Умерла от дифтерита.
Антонина Софронова (1892–1966) – училась в Москве, в школе Ф. Рерберга и в студии И. Машкова, участвовала в выставке «Бубнового валета», а затем работала в стиле конструктивизма. В советское время помимо живописи занималась иллюстрированием книг.
Надежда Удальцова (1886–1961) – получила образование в частных студиях Москвы и в академии «Ля Палетт» в Париже, затем работала в мастерской В. Татлина. Участвовала в выставках «Бубновый валет» (1912–1913), «Магазин» (1916), входила в группу «Супремус». С 1920 года была членом Института художественной культуры, занималась преподаванием. С середины 1940-х годов писала только натюрморты. Была женой художника А. Д. Древина, репрессированного в 1938 году.
Александра Экстер (1882–1949) – училась в Киеве, затем с 1908 года часто бывала за границей. Участница многих выставок и художественных объединений. В собственном художественном стиле соединила идеи кубизма, конструктивизма и модерна. С 1910-х годов много работала как театральный художник, сотрудничала с Камерным театром в Москве. В 1921–1923 годах занималась преподаванием, работала как модельер. В 1924 году уехала в Париж, где оформляла балетные постановки, иллюстрировала книги, создавала декоративные панно.
21
Что гениального в «Джоконде»?
Гениально то, что она улыбается как живая.
Творческое наследие Леонардо да Винчи не очень велико, всего сохранилось около тридцати работ, которые с большей или меньшей степенью вероятности принадлежат его кисти. «Мона Лиза», или «Джоконда», стоит в этом ряду особняком. Вероятно, для нас это самая известная картина Леонардо, и она, безусловно, была написана им. Более того, известно, что он не расставался с этим портретом до конца жизни.
Высказывалась масса предположений о том, кто же изображен на портрете, хотя его название прямо указывает на то, что это изображение женщины по имени Лиза Герардини, которая в 1495 году вышла замуж за флорентийского торговца и политического деятеля Франческо дель Джокондо, бывшего близким другом Леонардо да Винчи. Но хотя известно, что Леонардо писал портрет Лизы Герардини, в источниках, разумеется, нельзя найти точной и однозначной привязки этого портрета к тому изображению, которое мы знаем сегодня как «Джоконду». И естественно, это дает определенный простор для фантазии и оригинального творчества некоторых исследователей.
Во всяком случае, высказывались предположения, что на самом деле «Джоконда» – это или портрет матери Леонардо да Винчи, или изображение одной из выдающихся женщин той эпохи (например, Изабеллы д'Эсте), или просто неизвестной, но привлекательной дамы. Кое-кто видел на портрете вместо женщины юношу в женском одеянии (это сторонники теорий о гомосексуализме Леонардо) и даже автопортрет самого художника. Все эти теории, несмотря на их занимательность, не имеют никаких реальных доказательств. Умозрительные конструкции, построенные их авторами, базируются исключительно на домыслах и догадках.
ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ. МОНА ЛИЗА. 1503—1506 ИЛИ 1514
В знаменитом монументальном труде Джорджио Вазари есть сведения о том, как Леонардо работал над картиной. Известно, что художник писал портрет в течение четырех лет, и, чтобы модель во время сеансов позирования не скучала, в мастерскую приглашались шуты и музыканты, развлекавшие молодую женщину. Предполагается также, что Леонардо был настолько привязан к этой картине, что не отдал портрет заказчикам, а всегда возил его с собой и только в конце жизни продал французскому королю Франциску I.
Как бы там ни было, портрет Моны Лизы искусствоведы считают практически совершенным как с технической, так и с художественной точки зрения.
Картина написана на тополиной доске масляными красками, ее размер не слишком велик – 77х53 см, а краски сейчас сильно потемнели от времени. Кроме того, картина была обрезана по бокам, где первоначально изображались колонны балкона, на котором сидит Мона Лиза. Кто и когда это сделал – до сих пор неизвестно, но сегодня мы можем судить о том, какой картина была изначально, только по многочисленным копиям, сделанным учениками Леонардо или теми художниками, кто видел портрет в XVI–XVIII веках.
Леонардо использовал многослойную живопись, когда сначала пишется фон картины и ее основные детали, а затем краска разводится скипидаром и мастер уже более тщательно прописывает самые важные места, например лицо и руки. Для работы в такой технике художник должен обладать не только большим опытом и мастерством, но и огромным терпением, а Леонардо использовал ее просто гениально.
В композиции портрета Леонардо применил свое излюбленное пирамидальное построение, а саму фигуру героини разместил по принципу контрапоста, когда тело Моны Лизы повернуто под углом относительно плоскости картины, а ее голова и взгляд направлены на зрителя. Это позволило придать фигуре Джоконды объем и движение.
Новаторским можно назвать и фон, который изобразил Леонардо за спиной у своей модели. Обычно подобные портреты писались на однородном темном или черном фоне, но художник изобразил за спиной героини великолепный горный пейзаж. Причем соотношение фигуры и пейзажа таково, что Мона Лиза на этом фоне кажется еще более монументальной.
Портретный жанр, по крайней мере в эпоху Возрождения, не считался таким значимым, как многофигурные композиции на религиозные, мифологические или исторические темы. Но «Мона Лиза» Леонардо доказывает, что мастерство художника может поднять даже камерный портрет на уровень великого произведения искусства. Живописными приемами да Винчи раскрывает внутренний мир модели, ее характер, интеллект. А знаменитая улыбка и не менее знаменитая дымка сфумато, окутывающая лицо и фигуру героини, придают образу ощущение изменчивости и глубины. В общем, если как следует приглядеться, то на картине можно увидеть лицо живой женщины, которое меняется в зависимости от того, как меняются ее мысли и чувства. Поэтому «Джоконда» завораживала и продолжает завораживать зрителя уже несколько веков.
22
А неужели правда, что в XVII веке женщины дрались на дуэли, как мушкетеры? И из-за чего?
Редко, но такие случаи действительно бывали. А дрались дамы, естественно, из-за мужчин.
Хосе де Рибера. Женская дуэль. 1636 г.
Те, кто считает, что только в наше время дамы порой проявляют себя столь активно, что сражаются за мужчин всеми доступными современному миру способами, вплоть до обращения к киллерам, глубоко ошибаются. Подобные истории случались и прежде, причем способом битвы за привлекательного кавалера подчас становилась дуэль.
Именно та самая дуэль, о которой мы читали в ром