Перед тем как начать создавать новое художественное направление, художники-импрессионисты четко очертили круг своих задач и определили пути их решения. Это случилось впервые в истории искусства. Прежде всего их интересовали свет и цвет в окружающем мире и возможности их передачи на холсте. Импрессионисты изучали не только новые живописные формы и приемы, но также и свойства восприятия человеческого глаза, и особенности нового вида искусства – фотографии. Все это они активно обсуждали в своем кругу.
Импрессионисты полагали, что основная задача художника – остановить и зафиксировать мгновение, момент жизни так же, как это делают фотографы. Они начали активно работать на пленэре, то есть писать картины не в мастерской, а прямо на природе, на городских улицах, запечатлевая не реконструкцию событий, а подлинную жизнь. И самым главным новаторским приемом было то, что они писали свои полотна, не смешивая краски, а кладя на холст мелкие мазки чистых тонов, поскольку в целую картину эти цветные точки должен свести сам человеческий глаз. Они не использовали черный цвет, так как в природе он никогда не бывает чисто черным, а складывается из множества других оттенков.
Картины импрессионистов всегда полны жизни, света, воздуха, движения и нравятся почти всем, кто их видит. Восприятие людей второй половины XIX века было несколько иным, многие были не способны увидеть в работах импрессионистов цельные образы, а видели только хаотичные пятна краски. Впрочем, за более чем сто лет взгляды людей на искусство, так же как и восприятие, изменились, и теперь работы импрессионистов уже сами считаются классикой, несколько консервативной, но довольно приятной.
Хотя элементы импрессионизма появились впоследствии в работах очень многих европейских и американских художников, импрессионизм – это французский художественный стиль, который зародился на французской почве и воспевал Францию, ее природу, ее города, особенно Париж, ее людей. Импрессионизм в чистом виде существовал всего около двадцати лет, с 1860-х по 1880-е годы, но влияние, которое он оказал на дальнейшее развитие искусства, трудно переоценить.
65
Часто говорят про литературу «серебряного века». А в искусстве он был?
«Серебряный век» русского искусства был, хотя так его не называли.
Термин «серебряный век» применяют только по отношению к русской литературе конца XIX – начала XX века. Русское искусство этого времени называется просто искусством рубежа веков. Но это нисколько не умаляет значения этих двадцати лет для истории русского искусства и русской художественной жизни.
В эти два с небольшим десятилетия (с 1890 по 1917) насыщенность художественной жизни в России была просто феноменальной. Неудивительно, что историки искусства особо выделяют этот период и относятся к нему как к настоящей эпохе в истории русского искусства. Действительно, должна была пройти целая эпоха, чтобы реалистическое искусство XIX века преобразилось в авангардное, присущее XX веку. Но именно это и произошло в России на рубеже XIX–XX веков.
Одним из главных достижений русского искусства в это время было то, что оно включилось в европейский художественный процесс, стало его частью, и не только русские художники оказались восприимчивы ко всем европейским новациям, но и европейцы стали понемногу открывать для себя художественный мир России.
Рубеж XIX–XX веков для Европы и Америки – это время расцвета художественного стиля модерн, последнего большого стиля в искусстве, как иногда о нем говорят. И наконец-то Россия не отстает от Европы на полвека, а строит особняки и доходные дома, разрабатывает интерьеры, пишет картины, создает вещи и книги в новом стиле, параллельно с европейскими художниками и архитекторами.
Главной идеей, которая легла в основу модерна, была уверенность некоторых теоретиков и художников (Уильяма Морриса, Хенри Ван де Велде), что преобразовать окружающий мир можно с помощью красоты, а вернее, искусства. Идея, разумеется, утопическая, но она вполне соответствовала духу времени. Ее авторы даже и не думали о том, что таким образом это самое новое искусство они делают практически недоступным для большинства обычных людей.
Впрочем, философский контекст преобразования мира посредством прекрасного широкую публику и не интересовал. Но зато всем понравились новые изящные формы предметов, текучие контуры зданий, уподобляемых живым организмам, растительные мотивы в декоративном оформлении интерьеров, книг, ювелирных украшений или фарфора. И новая утонченная эстетика все же проникла в массовое сознание, но не в виде штучной красоты, спасающей мир, а с вещами серийного производства, с рекламными плакатами, с картинками на грани с китчем.
ШЕХТЕЛЬ. ИНТЕРЬЕР ОСОБНЯКА РЯБУШИНСКОГО
К стилю модерн еще относят произведения, выполненные в неорусском стилях, также вошедших в моду на рубеже XIX–XX веков.
В России наиболее рьяными пропагандистами стиля модерн были художники творческого объединения «Мир искусства», к модерну относятся работы архитектора Шехтеля, ювелирные изделия фирмы Фаберже, скульптура Голубкиной и Коненкова.
Помимо почитателей модерна в России появляются и приверженцы иных художественных направлений, таких как символизм и авангард. Символисты представляли себе искусство как знак неких непознаваемых сущностей, отражение мира видений и грез. Художники-символисты пытались передать в своем творчестве неуловимые смысловые оттенки и психические состояния. Многие из них оказывались последователями многочисленных мистических и спиритуалистических учений, весьма распространенных в это время не только на Западе, но и в России.
Символизм в России был представлен творчеством М. Врубеля, В. Борисова-Мусатова, а также художников, участвовавших в выставке «Голубой розы».
ШЕХТЕЛЬ. ЯРОСЛАВСКИЙ ВОКЗАЛ В МОСКВЕ
Русское авангардное искусство объединяло художников, которые вели поиск новых форм и способов выражения в искусстве. В западном искусстве новые течения и направления живописи в начале XX века очень быстро сменяли друг друга. На первый план постоянно выходили новые группировки художников: фовисты, кубисты, экспрессионисты, футуристы, абстракционисты и, наконец, дадаисты и сюрреалисты. Русские авангардисты отдали дань большинству из этих направлений, но старались вносить в эти новации традиции русского классического и народного искусства.
Вообще, этому времени была свойственна исключительно бурная художественная жизнь. Знаковые выставки регулярно сменяли одна другую, широкая публика открывала для себя то русский усадебный портрет, то иконопись как художественное явление. Миру были явлены рафинированная эстетика «Мира искусства», символизм Борисова-Мусатова и художников «Голубой розы», буйство красок и грубоватые формы «Бубнового валета», преемственность передвижнических традиций «Союза русских художников».
Эпоха рубежа веков заложила основы для дальнейшего и очень интересного развития русского искусства, которое включило в себя не только революционные идеи художественного плана, но и общие идеи революции 1917 года.
66
Почему говорят «русский авангард»? Он что, был только в России?
Здесь Россия оказалась в лидерах мирового художественного процесса.
Понятие «авангард» используют в истории искусства для определения экспериментальных, подчеркнуто необычных художественных поисков, которые вели художники с начала XX века. Естественно, этот процесс происходил не только в России. Но русское искусство, которое обычно следовало за западными образцами, здесь пошло по своему пути и стало использовать в качестве основы для творчества собственные художественные традиции: народное и городское примитивное искусство.
До начала XX века в русском искусстве содержательная сторона чаще всего доминировала над художественными поисками. И публика, даже самая просвещенная, искала в произведениях живописи прежде всего содержание, желательно социальный пафос. Именно поэтому новаторство даже импрессионистов, которые для этого времени уже стали анахронизмом, в России казалось непонятным и подвергалось осуждению.
Художники-авангардисты начали движение в совершенно ином направлении, сосредоточившись на поисках новых художественных форм, но вовсе не на изобретении новой актуальной тематики.
Датой возникновения русского авангарда можно считать 25 апреля 1908 года, когда усилиями Николая Кульбина (1868–1917), врача-психиатра по образованию, а также художника и теоретика искусства, была организована выставка под названием «Современные течения в искусстве». Она открылась в Санкт-Петербурге, в «Пассаже» на Невском. На этой выставке были представлены работы самого Кульбина, братьев Бурлюк, Александры Экстер, Аристарха Лентулова, с которыми мирно соседствовали полотна мирискусников Л. Бакста, А. Бенуа, И. Билибина. Выставка вызвала большой ажиотаж.
Несколько позднее усилиями М. Матюшина, Е. Гуро, И. Школьника создается ставший впоследствии знаменитым «Союз молодежи». В марте 1910 года проходит его первая выставка, в которой участвуют Бурлюки, М. Ларионов, Н. Гончарова, И. Школьник, А. Экстер и др. В дальнейшем «Союз молодежи» провел еще шесть выставок, последняя из которых состоялась уже в 1917 году.
В декабре 1909 года происходит еще одно знаковое событие в культурной жизни России: из Одессы в Петербург и далее в Ригу прибывает так называемый «Салон Издебского». Это передвижная выставка, которая знакомит русскую публику с лучшими образцами современного западного искусства и с новейшими достижениями искусства русского.
Владимир Издебский (1882–1965), организатор выставки, был известным одесским скульптором и художником. Некоторое время он являлся членом «Нового объединения художников, Мюнхен», председателем которого до 1911 года был В. Кандинский. Он впервые показал широкой публике в России работы А. Марке, Ж. Брака, М. Вламинка, К. Ван Донгена, А. Матисса, А. Руссо, Ж. Метценже, Дж. Балла, а также А. Явленского и В. Кандинского. На выставке были представлены также авангардные работы Н. Гончаровой и М. Ларионова.