Александр III и его время — страница 22 из 37

1. ЛИТЕРАТУРА

Литература — язык, выражающий всё, что страна думает, чего желает, что она знает и чего хочет и должна знать.

И. Гончаров

Несмотря на усиление правительственной и общественной реакции, в рассматриваемый нами период, русская литература продолжала оставаться ведущей сферой культурной жизни страны. Она развивалась в тесном взаимодействии со всей мировой литературой, выражая идеи, мысли и эмоции общества. Ведущими темами русских писателей были обличение существующих порядков, борьба с невежеством, грубостью и пошлостью. В то же время под влиянием общественно-политической атмосферы в стране ряд деятелей отходил от острой обличительности, переключаясь на общечеловеческие, философские и нравственно-психологические проблемы.

В журналистике первенствуют в этот период либеральные народники. Ежедневная литературно-политическая газета «Неделя» значительно правеет, ведущие публицисты её проповедуют тихую культурную работу («Теория малых дел» Я. В. Абрамова) и опрощение (М. О. Меньшиков). Научный, литературный и политический журнал «Русское богатство», куда после закрытия «Отечественных записок» перешли Н. К. Михайловский, В. Г. Короленко и Г. И. Успенский, приобретает большую популярность и становится фактически центром легального народничества в Петербурге. В 1894-1895 гг. журнал небезуспешно вёл теоретическую борьбу с марксистами. Сочувственно относится к народничеству и аналогичный журнал «Русская мысль», издававшийся в Москве В. М. Лавровым. После 1884 г. в журнале начали печататься В. Г. Короленко, В. М. Гаршин, А. Н. Плещеев, А. П. Чехов и М. Горький. Солидным органом либералов становится ежемесячный журнал «Вестник Европы», издававшийся в Петербурге М. М. Стасюлевичем. Преимущественное внимание в этом органе уделялось истории и политике. В нём сотрудничали И. С. Тургенев, И. А. Гончаров, А. Н. Островский, М. Е. Салтыков-Щедрин, участвовали крупнейшие учёные К. А. Тимирязев, И. М. Сеченов, И. И. Мечников, А. Ф. Кони и др. В 80-е гг. наблюдается расцвет юмористической журналистики во вкусе мещан и обывателей, «поглощённых мелочами повседневного быта». Семь лет Чехов сотрудничает в юмористических журналах «Стрекоза», «Осколки», «Будильник», «Зритель», «Свет и тени» и некоторых других.

Заметно возрастает сеть консервативных изданий, пользующихся поддержкой властей. Главными столпами ортодоксального консерватизма являлись издания М. Н. Каткова — «Московские ведомости», «Русский вестник» и «Гражданин» В. П. Мещерского. После 1 марта 1881 г. Катков вновь занял пост «сторожевого пса» самодержавия, как сам определил его в одном из писем царю. Издания Каткова критиковали реформы 60-70-х гг., всесословность, приветствовали назначение графа Д. А. Толстого на пост министра внутренних дел, резко выступали против министра финансов Н. X. Бунге и министра иностранных дел Н. К. Гирса. Сумев сохранить за собой право обращаться непосредственно к царю, дарованное ему ещё Александром II, Катков неоднократно пользовался им. Случалось, когда Катков переступал границу, допустимую в отношениях с властями. Так в 1887 г. он вызвал гнев Александра III статьями по внешней политике. Монарх увидел в них прямое вмешательство в дела правительства. Только благодаря Победоносцеву Катков избежал наказания, получив дружеское словесное внушение через своего же ставленника Е. М. Феоктистова. Ещё более крайнюю ретроградную позицию занимал «Гражданин» Мещерского, который был возобновлён в 1882 г. при непосредственном содействии Александра III, желавшего иметь в столице «настоящую консервативную газету» и выделившего на её издание 100 тыс. руб. В либеральной печати Мещерского называли «князем Точкой», поскольку в одной из первых статей своей газеты он настаивал «поставить точку» ко всем реформам в стране. «Гражданин» боролся не только с революционными, но и с либеральными органами печати. С 1884 г. Мещерский, стараясь как-то помочь царю, регулярно передавал через доверенных лиц особый рукописный «Дневник», помещая туда «и мысли, и слухи, и толки, и сплетни», которые по соображениям цензуры не решался печатать на страницах «Гражданина».

Одной из популярных и влиятельных газет являлась «Новое время», в которой сотрудничали А. П. Чехов, В. П. Буренин, М. О. Меньшиков, В. В. Розанов. К сожалению, добиваясь массового успеха и расположения властей, этот орган отличался циничной всеядностью, за что получил от Салтыкова-Щедрина кличку «Чего изволите?». Предприимчивый редактор-издатель газеты А. С. Суворин основал книжный магазин и издательскую фирму, занявшую одно из первых мест в русской книжной торговле. Особого признания среди его многочисленных изданий заслуживает «Дешёвая библиотека», выпустившая около трёхсот книжек классических произведений отечественных и зарубежных писателей.

Центральное место в литературе рассматриваемого периода прочно удерживает творчество Л. Н. Толстого (1828-1910). Он создаёт философско-религиозные, эстетические и публицистические работы («Исповедь», «Власть тьмы», «Смерть Ивана Ильича», «Крейцерова соната», «Воскресение»), в которых проповедует нравственное совершенствование человека, его «воскресение», идею непротивления злу насилием, смирение личной гордыни. Писатель резко порицает все формы социального неравенства.

В эти же годы в полной мере раскрывается талант замечательного беллетриста и драматурга А. П. Чехова. За свою короткую жизнь в своих рассказах, новеллах и повестях он показал почти все стороны российской действительности 80—90-х гг. XIX в. Персонажи рассказов «Хамелеон», «Унтер Пришибеев», «Человек в футляре» стали нарицательными в нашей повседневности. Главными действующими лицами в большинстве повествований Чехова служат простые обыватели, разночинцы, интеллигенты. Писатель восставал против мира пошлости, духовной спячки, равнодушия («Анна на шее», «Крыжовник», «Учитель словесности», «Ионыч»), мечтал о светлой жизни и прекрасной личности человека. Крылатое выражение Л. Толстого «Чехов — это Пушкин в прозе», пожалуй, наиболее весомо и точно характеризует творчество гениального писателя.

В 80-е гг. своей вершины достигло критическое творчество М. Е. Салтыкова-Щедрина («Современная идиллия», «Письма к тётеньке», «Мелочи жизни», «Пошехонская старина»), «Непременным предметом моей литературной деятельности, — утверждал он, — был протест против произвола, лганья, хищничества, предательства, пустомелия и т. д. Ройтесь сколько хотите во всей массе мною написанной, — ручаюсь, ничего другого не найдёте». Критическая патетика усиливается в творчестве В. Г. Короленко и Д. Н. Мамина-Сибиряка. Активный борец за справедливость и человеческие права Короленко в 80-х — начале 90-х гг. создаёт свои яркие художественные и публицистические произведения: «Сон Макара», «Слепой музыкант», «Павловские очерки», «Лес шумит», «Река играет» и др.

В 80—90-е гг. во всю ширь раскрывается своеобразие творчества Мамина-Сибиряка. В романах «Приваловские миллионы», «Горное гнездо», «Золото», «Дикое счастье» он мастерски освещает новую для русской литературы тему развития капиталистических отношений на горнозаводском Урале. В своих очерках, рассказах и романах автор показал на фоне «царства огня и железа» колоритные судьбы «хозяев» жизни, магнатов, золотопромышленников, львиц местного общества, а также бесправие, темноту и приниженность заводского населения.

В эти годы Н. С. Лесков был верен, как он пишет в одном из писем, «святому влечению служить родине словом правды и истины», создаёт свои лучшие произведения. Он резко оценивает действительность в «Заметках неизвестного», «Полуночниках», «Загоне», «Зимнем дне», «Человеке на часах», во «Вдохновенных бродягах».

Одной из особенностей литературы того периода является поиск новой тематики, новых жанров, сюжетов, действующих лиц.

В критике тогда всё чаще стали употреблять термины о реализме и натурализме, критерием чего служила «жизненная правда», изображение действительности такой, какая она есть на самом деле. Сюда, пожалуй, можно было бы отнести большинство вышеназванных писателей. Кроме них множилась целая плеяда литераторов, которые фотографически точно, натурально, протокольно пытались изображать действительность (В. Буренин, И. Н. Потапенко, А. Амфитеатров, Н. А. Лейкин, П. Д. Боборыкин). Демократические тенденции наблюдаются в творчестве К. М. Станюковича, А. И. Эртеля, поэтов К. М. Фофанова и С. Я. Надсона. Всё больше появляется тем о влиянии капитала, о людях умственного труда, учителях, врачах, представителях земства. Цикл очерков и рассказов о духовном искании русской интеллигенции создаёт Г. И. Успенский («Без определённых занятий», «Волей-неволей»), Часть писателей обращается к миру падших людей, босяков, обитателей ночлежек (очерки В. А. Гиляровского, С. Каронина, А. И. Свирского).

В начале 90-х гг. вступает в литературу А. М. Горький. Традиции русского романтизма продолжают поэты «чистого искусства» — А. А. Фет, А. Н. Майков, Я. П. Полонский. К этому «поэтическому триумвирату» близко примыкали А. Н. Апухтин и А. А. Голенищев-Кутузов. Лиричностью и музыкальностью отличается поэзия К. Р. — великого князя К. К. Романова. Его перу принадлежат переводы В. Гюго, И. В. Гёте, В. Шекспира, А. де Мюссе и др.

Начинает оформляться русский символизм (Н. Минский, Д. С. Мережковский, 3. Н. Гиппиус). Для символистов внутренний мир личности являлся показателем общего трагического состояния мира.

2. ТЕАТР

Ум человеческий никогда и ничего благороднее и полезнее театральных зрелищ не изобрёл, как для усовершенствования, так и для очищения нравов…

Вольтер

В пореформенное время господствующую роль в жизни русского театра играли так называемые императорские театры в С. — Петербурге и Москве. Стержневой задачей их было обслуживание двора и высшего общества. Репертуар театров был засорён в основном малохудожественными произведениями. Многие выдающиеся творения мировой и отечественной драматургии не допускались на сцену, а из других тщательно вытравливались все политически острые моменты и сюжеты. Постановочная часть находилась в примитивном состоянии. Стремление одарённых театральных деятелей внести свежую струю наталкивалось на бюрократическую косность придворных чиновников. Положение актёров было тяжёлым. Известно, что лучшим зарубежным артистам платили в год по 30 тыс. руб., а своим — всего 1400 руб. Частные и общественные театры разрешались только в провинции. Основанные на чисто капиталистических началах, они редко стояли на должной художественной высоте. Актёры подвергались беспощадной эксплуатации.

В 1882 г. благодаря усилиям творческой интеллигенции была отменена монополия дирекции императорских театров на деятельность театров С. — Петербурга и Москвы. Частные театры появились в столицах. Интересно, что ещё до отмены монополии императорских театров разрешалась организация развлекательных частных театров, балаганов, клубных и любительских представлений. В Москве в 1865-1883 гг. создавались спектакли Артистического кружка — общественно-художественной организации, возникшей по инициативе видных литературно-художественных деятелей во главе с А. Н. Островским, Н. Г. Рубинштейном, В. Ф. Одоевским и др. Ценным начинанием явился Народный театр, организованный при Всероссийской политехнической выставке в Москве (1872) под руководством артиста, режиссёра и драматурга А. Ф. Федотова. В 1873-1876 гг. в здании Народного театра на Варварской площади работал Общедоступный театр Ф. М. Урусова и С. В. Танеева.

Почётное место в истории театральной культуры занимает московский театр (1880-1882) Анны Бренко. Молодая актриса Малого театра, тяготившаяся «императорской неволей», положила основание частному (отчасти товарищескому) театральному предприятию, известному под названием Пушкинского (по месту нахождения близ открытого перед тем памятника Пушкину). В репертуаре театра широко был представлен Островский. С успехом шли «Горькая судьбина» А. Ф. Писемского и лермонтовский «Маскарад». Исполнялись также пьесы Шекспира, Мольера, Шиллера. По воспоминаниям современников, в театре Бренко звучал народнический протест.

Место закрывшегося из-за финансовых трудностей Пушкинского театра в 1882 г. занял Русский драматический театр. Организовали его ведущие артисты Пушкинского театра во главе с М. И. Писаревым и В. Н. Андреевым-Бурлаком, пригласив распорядителем Ф. А. Корша. Театр открылся 30 августа 1882 г. в Камергерском переулке (ныне в этом здании находится МХАТ им. Чехова) спектаклем «Ревизор» Гоголя. В 1883 г. антрепренёр Корш вытеснил Писарева и Андреева-Бурлака и стал хозяином дела. Наряду с пьесами развлекательного характера, западно-европейскими модными новинками, он ставил русскую классическую и современную драматургию, первым воплотил на сцене в 1887 г. пьесу А. П. Чехова «Иванов». Театр оказался самым долговечным из частных театров, дожив до первых лет советской власти. Расцвет реалистической драматургии (особенно творчества А. Н. Островского, этого настоящего русского Шекспира) явился мощным стимулом для утверждения отечественного сценического реализма.

Ведущую роль в развитии театрального искусства играл Малый театр в Москве, история которого начинается с 1756 г., когда была создана драматическая труппа при Московском университете. Официально театр открылся 14 октября 1824 г. В том году драматические спектакли были перенесены в здание, построенное архитектором О. И. Бове, из частного дома на Петровскую площадь (ныне Театральная площадь) и получившее название Малого театра (в отличие от Большого, открытого в 1825 г.). В этом храме искусства реалистические традиции были особенно сильны, а бюрократический надзор и влияние придворно-дворянских кругов оказывались слабее.

В рассматриваемый нами период генеральное направление театра наряду с произведениями Островского определяла драматургия А. Пушкина, Н. Гоголя, А. Грибоедова, Д. Фонвизина, Л. Толстого, Ф. Шиллера, У. Шекспира, В. Гюго. Это был театр высокой идейности и гражданской обличительной силы, выраженной актёрами, несмотря на все цензурные, чиновничьи и полицейские препоны. Он являлся поэтому своего рода рупором передовой русской интеллигенции. В блестящем творческом коллективе Малого театра особенно замечательны представители пореформенного поколения актёров — Г. Н. Федотова, Ф. П. Горев, К. Н. Рыбаков, М. Н. Ермолова, А. П. Ленский и А. И. Южин.

Свыше 40 лет, с начала 60-х гг., провела на сцене этого театра Гликерия Николаевна Федотова (Познякова). Воспитывалась у помещицы Позняковой (под её фамилией играла на сцене до выхода замуж за А. Ф. Федотова в 1863 г.). Проявила себя как замечательная актриса высокой комедии, одновременно драмы и трагедии. Её игра отличалась эмоциональной насыщенностью, яркостью и эффектностью сценического рисунка. Создала вдохновенные образы в пьесах Шекспира, Мольера и Шиллера и во всей русской драматургии от Грибоедова до Льва Толстого. Специально для Федотовой Островский написал роли Снегурочки («Снегурочка») и Василисы Мелентьевой («Василиса Мелентьева»).

Крупнейшей трагедийной актрисой конца XIX в. стала Мария Николаевна Ермолова. Дочь суфлёра Малого театра, она росла в атмосфере страстного почитания национальной сцены. Девяти лет поступила в балетный класс Московского театрального училища (драматических классов тогда ещё не было). Но вскоре в ней проснулось сильное влечение к драме, и она стала со своими подругами разыгрывать сцены из современных драм. Однако известный драматический педагог И. В. Самарин не захотел продолжить актёрские занятия с юной ученицей. Позже она признавалась: «Несмотря ни на что, во мне всегда жила непоколебимая уверенность, что я буду первой актрисой… Эта уверенность никогда не покидала меня» (329, т. 7, с. 106). В Малом театре она дебютировала 16 лет в роли Эмилии Галотти («Эмилия Галотги» Г. Лессинга), сыгранной ею ярко, эмоционально и правдиво. «Безвестная ученица штурмом взяла Москву» — так прокомментировали тогда её дебют в театральной среде. Несмотря на успех, она вынуждена была играть несколько лет ничтожные роли. И только самоотверженный труд и упорная настойчивость позволили Ермоловой завоевать себе положение. На сцене она сыграла более 300 ролей. Наибольшей успех ей сопутствовал в героико-романтических ролях — Гюльнары («Корсиканка» Л. Гуальтьери), Лауренсии («Овечий источник» Лопе де Веги) и Жанны д’Арк («Орлеанская дева» Шиллера). Последнюю роль она играла в течение 18 лет. В этот образ актриса вложила весь талант своей души: величайшую трагедийную силу, могучие порывы, героический пафос. Из-за большого числа желающих попасть на этот спектакль представления «Орлеанской девы» с 1893 г. были перенесены на сцену Большого театра. Неслучайно биограф Ермоловой Н. Е. Эфрос очень точно назвал её «Жанной д’Арк русского театра». Более 20 ролей Ермолова сыграла в пьесах Островского. Особенно дороги для неё были образы, раскрывающие нравственную красоту русской женщины, способность её к самопожертвованию. Среди её работ выделяются роли Негиной («Таланты и поклонники»), Евлалии («Невольницы»), Олены («Воевода»), Людмилы («Поздняя любовь»), В 80—90-е гг. актриса создала галерею женских образов, преимущественно современниц, получивших нарицательное название «ермоловских женщин». Каждый спектакль с участием Ермоловой вызывал немалый общественный резонанс. К. С. Станиславский, очарованный актрисой, восторженно писал: «Её данные были исключительны. У неё была гениальная чуткость, вдохновенный темперамент, большая нервность, неисчерпаемые душевные глубины… Внешние данные Марии Николаевны были не менее замечательны. У неё было превосходное лицо с вдохновенными глазами, сложение Венеры, глубокий грудной тёплый голос, пластичность, гармоничность, ритмичность даже в метании и порывах, беспредельное обаяние и сценичность, благодаря которым самые её недостатки обращались в достоинства». Этот словесный образ довольно точно подтверждает портрет М. Н. Ермоловой, созданный В. Серовым в 1905 г. В связи с 50-летием работы в Малом театре Ермолова первой получила звание народной артистки республики в 1920 г. Имя Ермоловой носит один из московских театров.

Вторым важнейшим центром русской театральной культуры был Александринский театр в Петербурге. Он зародился по указу императрицы Елизаветы Петровны 30 августа 1756 г. как русский театр для представления трагедий и комедий. Первоначально он размещался на Васильевском острове. В 1828-1832 гг. архитектор К. И. Росси в глубине Невского проспекта возвёл новое здание театра, получившее название Александринского в честь супруги императора Николая I Александры Фёдоровны. Питерцы с тех пор стали величать театр Александринкой. В сравнении с Малым театром тенденция демократического реализма здесь была выражена менее отчётливо. Её сковывали придворно-бюрократическое окружение и подбор театральной дирекции, особенно сильной в Петербурге. Засорённость репертуара весьма посредственными пьесами, угодными придворным кругам, и постановочная безыдейность тормозили творческий рост театра. Тем не менее и здесь выдвинулся ряд замечательных мастеров сценического искусства. Таковы в особенности В. В. Самойлов, К. А. Варламов, М. Г. Савина, В. Н. Давыдов, П. А. Стрепетова. В 1874 г. в Александринский театр была приглашена Мария Гавриловна Савина (1854-1915). Наделённая трезвым умом, сильной волей и (при слабом здоровье) высокой работоспособностью, с первых дней она завоевала лидирующее положение среди женского персонала труппы и сохранила его на всём протяжении своей сорокалетней карьеры в театре (1874-1915). Актриса пользовалась громадным авторитетом, начальство с ней весьма считалось, успех у публики был чрезвычайно велик. Савина прекрасно осознавала свою силу. Как заметил актёр Ю. А. Юрьев, она «царила на сцене, любила царить и умела царить». Никто из актёров Петербурга и Москвы не обладал такой властью в театре. Она прославилась и как великая комедийная актриса, и как исполнительница многих драматических ролей. Особое место в творчестве Савиной занимал И. С. Тургенев, которого она пленила образом Верочки («Месяц в деревне»), после чего сыграла Машу («Холостяк»), Машу («Вечер в Сорренто»), Дарью Ивановну («Провинциалка»), Лизу Капитану («Дворянское гнездо»). Ярко проявился талант Савиной также в пьесах Гоголя, Островского, Л. Толстого и Чехова. В 1899 г. Марии Гавриловне было присуждено звание заслуженной артистки Императорских театров. Гастроли Савиной в Берлине и Праге (1899) способствовали популяризации русского сценического искусства за рубежом. Савина проявила себя и как общественная деятельница. Она была одним из организаторов и руководителей Русского театрального общества (1883-1884), входила в число инициаторов 1-го Всероссийского съезда сценических деятелей, в 1896 г. создала убежище для престарелых артистов, получившее впоследствии её имя. Она является автором книги «Горести и скитания» (Л., 1983). Савина оставила яркий след в истории русского театра. Неслучайно К. С. Станиславский включил её имя в список великих актёров, оказавших на него влияние и служивших ему образом.

В 1881 г. в Александринский театр поступила крупнейшая провинциальная актриса Пелагея Антипьевна Стрепетова (1850-1903). Она не отличалась яркими внешними данными: невысокого роста, сутуловата, непропорционально длинными казались её руки. Но природный талант, темперамент трагической актрисы, высокий профессионализм потрясали сердца зрителей. Дарования Стрепетовой наиболее ярко проявились в образах Степаниды — героини драмы В. Крылова «Около денег», поставленной по одноимённому роману А. Потехина, Юлии Тугиной в «Последней жатве», Марьи Андреевны в «Бедной невесте» А. Островского, Сарры в «Иванове» А. Чехова. Самыми серьёзными победами актрисы стали роли Кручининой «Без вины виноватые», Лизаветы в «Горькой судьбине» и Катерины в «Грозе». А. Островский, видя в ней явление феноменальное, отмечал: «Её среда — женщина низшего и среднего классов общества; её пафос — простые, сильные страсти». Несмотря на общепризнанный успех, положение Стрепетовой в театре было трудным. Она вынуждена была покинуть сцену Александринки и отправиться на гастроли по российским провинциям. Умерла Стрепетова в полном забвении в 1903 г., в предсмертные часы, подводя жизненные итоги, актриса сказала: «Я служила народу…» В этих словах — великая правда.

Наряду с главными драматическими театрами страны — Малым и Александрийским возникало множество провинциальных театров (в Киеве, Одессе, Нижнем Новгороде, Харькове, Саратове, Казани, Астрахани, Иркутске и других городах). Театральный репертуар составляли пьесы Островского, Л. Н. Толстого, Шекспира, Мольера, Шиллера, Гюго. Популярными артистами провинции были Н. X. Рыбаков, В. Н. Андреев-Бурлак, М. Т. Иванов-Козельский, Н. П. Рощин-Инсаров, Е. Я. Неделин и др.

3. МУЗЫКА

Музыка — это разум, воплощённый в прекрасных звуках.

И. С. Тургенев

Вторая половина XIX в. ознаменована расцветом русского музыкального искусства. На смену М. И. Глинке, А. Н. Верстовскому, А. Л. Гурилеву и др. пришла целая плеяда замечательных музыкантов, утверждавших реализм, народность, демократизм, гражданственность и высокие общественные идеалы. В числе их стали композиторы «Могучей кучки» («Новой русской музыкальной школы», Балакиревского кружка, «Пятёрки») — М. А. Балакирев, А. П. Бородин, Ц. А. Кюи, М. П. Мусоргский, Н. А. Римский-Корсаков. Главой этого великолепного композиторского квинтета, возникшего в конце 1850-х и просуществовавшего до середины 1870-х гг., стал Милий Алексеевич Балакирев. «Более опытный музыкант, чем его юные товарищи, — писал о нём критик Г. Тимофеев, — очень начитанный в музыкальной литературе, обладавший уже большими практическими знаниями, необыкновенной музыкальной памятью, критической способностью, оригинальным творческим даром, проницательным умом и сильной волей» (329, т, 2, с. 63). Идейным вдохновителем содружества был художественный и музыкальный критик В. В. Стасов, давший ей образное наименование «Могучая кучка». Он же по-своему оценил каждого из этой «Пятёрки»: Балакирев — самый темпераментный, Кюи — самый изящный, Римский-Корсаков — самый учёный, Бородин — самый глубокий и Мусоргский — самый талантливый» (165, с. 122). Девизом молодых композиторов стали слова Мусоргского «К новым берегам», означавшие призыв к смелым новаторским поискам в музыкальном творчестве». «Кучкисты» выступили против академической рутины, боролись за народность, правдивость, содержательность, национальное направление в русской музыке. Развивая художественные традиции М. И. Глинки, А. С. Даргомыжского и достижения западноевропейских композиторов-романтиков, члены «Могучей кучки» обогатили мировую музыкальную классику, создали выдающиеся образцы оперного, симфонического и камерно-вокального жанров. Сюжеты большинства их музыкальных произведений взяты из русской истории или навеяны образами русской поэзии и сказки. Серьёзное внимание они придавали русской народной песне и фольклору других народов. Талантливо обрабатывали украинские, сербские, чешские, польские, испанские народные темы, тонко улавливая подлинный дух национальных культур. Особенно богат в музыке «Пятёрки», как и вообще в русской музыке, восточный колорит. В 1862 г. под руководством М. А. Балакирева и хорового дирижёра Г. Я. Ломакина в Петербурге начала функционировать бесплатная музыкальная школа, просуществовавшая до 1917 г.

В 1859 г. по инициативе А. Г. Рубинштейна и других музыкальных общественных деятелей, при активном участии и финансовой поддержке великой княгини Елены Павловны в С. — Петербурге основано Императорское Русское музыкальное общество для «развития музыкального образования и вкуса к музыке в России и поощрения отечественных талантов». Существовало до 1917 г. Устраивало в обеих столицах симфонические и камерные концерты, в которых принимали участие выдающиеся пианисты Антон и Николай Рубинштейны, М. А. Балакирев, скрипачи Л. Ауэр и Н. Бродский, виолончелист К. Ю. Давыдов, дирижёр Э. Ф. Направник и ряд первоклассных певцов. Отделения общества постепенно возникали в Москве (1860), Киеве, Харькове, Одессе, Тифлисе и др. городах. При музыкальном обществе были открыты первые консерватории: в Петербурге (в 1862 г., родоначальник А. Г. Рубинштейн, также при значительной материальной поддержке великой княгини Елены Павловны), в Москве (в 1866 г., основатель Н. Г. Рубинштейн) и музыкальные классы в некоторых губернских городах. Уже в начальный период консерватории подготовили немало музыкантов-профессионалов, композиторов, педагогов, критиков, нёсших музыкальную культуру в широкие слои общества. В числе воспитанников обеих консерваторий были П. И. Чайковский, С. И. Танеев, А. К. Лядов, А. С. Аренский, М. М. Ипполитов-Иванов, А. Н. Скрябин, С. В. Рахманинов и многие другие.

Для вовлечения широких слоёв населения в музыкальную жизнь в 1872 г. в Петербурге образовано Общество камерной музыки, а в 1880 г. в Первопрестольной — Московское филармоническое общество. В 1882 г. в северной столице создаётся постоянный симфонический оркестр — Придворный музыкантский хор (с 1897 г. — Придворный оркестр). В 1885 г. группой музыкантов во главе с Римским-Корсаковым здесь сложился Беляевский кружок, в состав которого входили композиторы А. Глазунов, А. Лядов, Я. Витол, С. и Ф. Блуменфельды, Н. Соколов и др. Кружок считался преемником «Могучей кучки». Назван был по имени любителя музыки М. П. Беляева, финансировавшего кружок, основавшего нотное издательство и организовавшего для пропаганды отечественной музыки Русские симфонические концерты» (1885) и Русские квартетные вечера (1891). В 1884 г. Беляев учредил Глинкинские премии.

* * *

В 80—90-е гг. русские композиторы продолжали лучшие традиции отечественной музыкальной школы.

Превосходные романсы, фортепианные и симфонические произведения М. А. Балакирева были удачным опытом практической реализации принципов «Могучей кучки» и навсегда вошли в сокровищницу русского искусства. Значительны его заслуги в деле пропаганды русской музыки среди демократических кругов общества. Пережив творческий кризис в 1872 г., он возвращается к музыкальной деятельности в 1881 г., вновь возглавив Бесплатную музыкальную школу. С 1883 по 1894 г. он управляющий Придворной певческой капеллы. Центральная тема творчества Балакирева — народные образы, картины русской жизни, природы — проходит через большинство его сочинений. Для него также характерен интерес к теме Востока. Его симфоническая поэма «Тамара» (1882) принадлежит к лучшим образцам симфонического творчества. Звуки оркестра рисуют картину Дарьяльского ущелья, а томный лирический напев характеризует прекрасную и коварную царицу Тамару. Музыка Балакирева относится к шедеврам мировой музыкальной культуры. С его именем связано рождение жанра русской эпической симфонии. В этом жанре он работал последние годы своей жизни.

Музыкальное новаторство, демократизм и гражданственность «Могучей кучки» с наибольшей силой проявились в творчестве М. П. Мусоргского Его оперы «Борис Годунов», «Хованщина», «Сорочинская ярмарка» представляют собой совершенно исключительное явление в истории музыки по правдивости и силе изображения народной жизни, по глубине психологической характеристики и по тонкости проникновения в дух эпохи. Впервые на оперной сцене народ был показан как действенная сила истории. По словам В. В. Стасова, его романсы дают «такие глубоко правдивые представления о народной жизни, каких вовсе не знало русское искусство», композитор «развернул новые горизонты перед русским, а значит, и перед европейским искусством». К сожалению, материальная необеспеченность и неудачи на композиторском поприще преследовали Мусоргского. Его опера «Борис Годунов» надолго была снята с репертуара, другие его сочинения долго игнорировались артистами и публикой (329, т. 10, с. 415).

Мусоргский не успел закончить свою музыкальную драму «Хованщина». Мучительная болезнь и смерть помешали этому. «Хованщина» была завершена после его смерти Римским-Корсаковым. Над «Сорочинской ярмаркой» работали А. К. Лядов, Ц. А. Кюи и др. В 1896 г. Римским-Корсаковым была сделана новая редакция «Бориса Годунова». В советское время Д. Д. Шостаковичем заново отредактированы и оркестрованы «Борис Годунов» и «Хованщина» (1959). Самостоятельный вариант завершения «Сорочинской ярмарки» принадлежит В. Я. Шебалину (1930).

Редкие и полярные дарования композитора и учёного-химика сочетал в себе А. П. Бородин. В 80-е гг. он продолжал работать в жанре вокальной миниатюры, а увлёкшись восточной тематикой, написал симфоническую картину «В Средней Азии». Он также настойчиво работал лад оперой «Князь Игорь», построенной на материале «Слова о полку Игореве», специально изучал русские народные песни, а также подлинные венгерские и половецкие напевы. Из-за большой занятости создание многих произведений длилось очень долго, а некоторые из них остались незавершёнными. Его оперу закончили и отредактировали Н. А. Римский-Корсаков и А. К. Глазунов. Премьера оперы «Князь Игорь» состоялась 4 ноября 1890 г. в Петербурге и вскоре стала одним из любимейших репертуарных произведений концертных залов всего мира.

Устои «Могучей кучки» в 80—90-е гг. продолжал и Ц. А. Кюи, с 1880 г. профессор, с 1891 г. заслуженный профессор Военно-инженерной академии в Петербурге, инженер-генерал (1904), специалист в области фортификации. В рассматриваемые нами годы он выступал как композитор и музыкальный критик: постоянный сотрудник редакции журнала «Музыкальное обозрение» (1885-1888), участвовал в работе музыкального отдела журнала «Артист» (1889-1895), печатался во многих периодических изданиях. В 1896-1904 гг. был одним из директоров Петербургского отделения Русского музыкального общества. Своей критической деятельностью способствовал утверждению прогрессивных идейно-художественных принципов «Могучей кучки», раскрытию исторического значения творчества М. И. Глинки, А. С. Даргомыжского, пропаганде творческих начинаний А. П. Бородина, М. П. Мусоргского, Н. А. Римского-Корсакова. В то же время ему была присуща некоторая ограниченность суждений, проявившаяся в отрицании музыкальной классики XVIII в., творчества Р. Вагнера, Дж. Верди и др., непонимании творчества П. И. Чайковского, а также ряда произведений Мусоргского и Бородина. В его творческом капитале 14 опер, несколько циклов музыки для детей и др., работы по завершению опер «Каменный гость» Даргомыжского (совместно с Римским-Корсаковым), и «Сорочинская ярмарка» Мусоргского.

Необыкновенно разнообразно и продуктивно творчество Н. А. Римского-Корсакова. В музыке опер его тонко и выпукло переданы и героика народного движения («Псковитянка», 1873 г., окончательная редакция 1894 г.), и драматические коллизии прошлого («Царская невеста», 1899 г.), и любовная лирика («Снегурочка», 1882 г.), и былинный эпос («Садко», 1897 г.), и с особенной силой — сказочно-фантастический дух народного творчества («Майская ночь», 1880 г.; «Сказка о царе Салтане», 1899 г.; «Кощей Бессмертный», 1902 г.; «Золотой петушок», 1909 г.). В 1887 г., заинтересовавшись сборником испанских песен, Римский-Корсаков пишет «Испанское каприччо» — одно из самых блистательных произведений для оркестра. Почти сразу же за ним создаётся симфоническая сюита «Шахерезада» (1888). Пышная экзотика востока, безбрежные картины морских просторов и сказочные образы зримо оживают в этой гениальной музыке. Композитор не оставляет свою дирижёрскую деятельность и в 1889 г. едет за границу, где успешно выступает с двумя концертами на Всемирной выставке в Париже. По возвращении в Петербург он активно принимается за создание новых произведений. Появляется большое число романсов и др. Последние годы жизни Римский-Корсаков трудился над книгой своих воспоминаний, назвав её «Летопись моих воспоминаний».

Одним из величайших гениев русской и мировой музыки является П. И. Чайковский. Он стал первым русским композитором, получившим не только европейское (особенно в Германии, Франции, Англии), но и мировое признание. В 1885 г. избирается руководителем Московского отделения Русского музыкального общества и директором Московской консерватории. С этого же года он постоянно жил в Подмосковье — в окрестностях г. Клина (Майданово, Фроловское), с 1892 г. — в самом Клину. Неутомимый в своих творческих исканиях, он сумел сказать новое, решающее слово во всех музыкальных жанрах. В истории симфонии, оперы, балетной и камерной музыки деятельность его ознаменовала новый, плодотворный этап. Расцвет творчества композитора наступает уже в 1866-1877 гг. (московский период). В это время им созданы 3 симфонии, в том числе «Зимние грёзы», 3 струнных квартета, оперы «Воевода» (1868), «Ундина» (1869), «Опричник» (1872), «Кузнец Вакула» (1874), 2-я редакция — «Черевички» (1885), балет «Лебединое озеро» (1876), цикл «Времена года» (1876), романсы и др.

В 1885-1893 гг. Чайковский создаёт ряд музыкальных шедевров, чередуя трагедийные полотна (оперы «Чародейка», 1887 г.; «Пиковая дама», 1890 г.; программная симфония «Манфред», 1885 г.; 5-я симфония, 1888 г.; 6-я «Патетическая» симфония, 1893 г.) с партитурами, в которых торжествуют свет и радость (балеты «Спящая красавица», 1889 г.; «Щелкунчик», 1892 г.; опера «Иоланта», 1891 г.; оркестровая сюита «Моцартиана», 1887 г.).

Среди десяти опер Чайковского вершинами являются «Евгений Онегин» с его лирическими сценами и музыкальная трагедия «Пиковая дама». Первое представление «Евгения Онегина» состоялось в Московской консерватории 17 марта 1879 г. Успех был средний. По всей видимости, причиной тому было отчасти и исполнение учеников. В апреле 1883 г. опера была исполнена в Петербурге в музыкально-драматическом кружке под управлением К. К. Зике и имела несомненный успех. На императорской сцене в Петербурге «Евгений Онегин» шёл в первый раз 19 октября 1884 г. С каждым последующим спектаклем возрастала любовь публики к этому лучшему произведению композитора. Репутация Чайковского резко возросла с «Пиковой дамой», поставленной в Петербурге в первый раз 7 декабря 1890 г. Не сходящая со сцены, эта опера по своей популярности не уступает «Евгению Онегину». Она обошла, как и последняя, все сцены России. Обе оперы проникли за границу, где им сопутствовал большой успех. Последняя опера Чайковского «Иоланта» была поставлена в Мариинском театре в Петербурге 6 декабря 1892 г., вместе с его же балетом «Щелкунчик».

Содержание музыки Чайковского многогранно. Его увлекали шедевры Данте и У. Шекспира, А. С. Пушкина и Дж. Байрона, Н. В. Гоголя и А. Н. Островского. В его произведениях нашли отражение философские раздумья, события и колорит различных исторических эпох, картины народной жизни, утончённо воспроизведены разнохарактерные персонажи, образы родной природы, сказочные романтические сюжеты, детские грёзы. Чуткий лирик-психолог, он талантливо раскрывает духовный мир своих героев. Тему остроконфликтной борьбы человека за счастье Чайковский сделал главной в своём творчестве, поднявшись до подлинно трагедийных высот. Он один из выдающихся в мировой музыке симфонистов, автор семи симфоний (включая ненумерованную симфонию «Манфред»), симфонических поэм «Ромео и Джульетта», «Франческа да Римини», нескольких сюит и инструментальных концертов, 106 пьес для фортепиано, в числе которых 12 характеристических картин «Времена года». В каталоге сочинений Чайковского также 104 романса, каждый из которых представляет небольшую драматическую пьесу. В романсах, как писал в своё время Р. М. Глиэр, Чайковский «раскрыл душу» ряда русских и переводных поэтических сочинений и сделал многие из них «в подлинном смысле народными». Один из музыковедов XIX в. говорил, что «один романс Чайковского по глубине и масштабности содержания может быть равен целому вокальному циклу европейских романтиков». Чего стоят такие романсы, как «Средь шумного бала», «Ночи безумные», «То было раннею весной». В целом, каких бы сторон музыки ни касался Чайковский, «всюду он приносил обаятельный, чрезвычайной красоты мелодический элемент». Композитор был необычайно трудолюбив, трудился постоянно, ежедневно. «Вдохновение, — признавался он, — это такая гостья, которая не любит посещать ленивых». Его музыка была плодом трудных исканий, мук и раздумий. Творческое самозабвенное служение искусству в продолжение страстной, энергичной 28-летней деятельности практически не прерывалось. С одной стороны, одиночество было для него счастьем, так как давало возможность полностью отдаваться любимому делу. В то же время, «судя по письмам, — отмечает музыкальный критик Н. Ф. Соловьёв, — Чайковский был крайне впечатлителен и глубоко несчастлив. Ни материальные условия, ни переменчивость успеха, не были, по-видимому, причиной тяжкого его душевного состояния. Какая была причина безысходной тоски, преследовавшей Чайковского, — этот вопрос не разъяснён». Известно, что 1868 г. принёс ему и радость творчества, и горечь разочарования. В этом году состоялась с большим успехом премьера Первой симфонии Чайковского, которую он назвал «Зимние грёзы». В тот же год Пётр Ильич впервые услышал известную французскую певицу (меццо-сопрано) Маргерит Арто, которая приехала в Москву на итальянский сезон и пела в опере Дж. Россини «Отелло». Она целиком завладела его сердцем. Чайковский посвятил ей «Романс» для фортепьяно и 6 романсов для голоса с фортепьяно на тексты французских поэтов. Пётр Ильич делает Арто предложение руки и сердца, и она принимает его. Но друзья Чайковского категорически выступают против этого брака, опасаясь, что Пётр Ильич перестанет заниматься музыкой, сопровождая жену во время гастролей. Конечно, избалованная вниманием знаменитая певица и не помышляла оставаться в России. Неизвестно, что стало причиной неожиданного решения Арто, но она расторгла помолвку и вышла замуж за испанского певца М. Падилья-и-Рамос. Чайковский был потрясён этим известием и ещё больше погрузился в работу.

Его тяготила постоянная нужда в деньгах, а также преподавательская работа в консерватории, которая отнимала «самое драгоценное в жизни» — время для собственного творчества. В сентябре 1877 г. он решает изменить свою жизнь и неожиданно для всех женится на А. И. Милюковой, совершенно чуждой ему женщине и по характеру, и по духу. Этот необдуманный поступок едва не закончился трагедией. Вскоре после женитьбы, в том же месяце композитор в состоянии «близком к безумию» уезжает с братом за границу. А уже в начале 1878 г. он пишет: «Я покоен, здоров, счастлив…»

В 1878 г. разрешилась наконец и другая проблема. После 12 лет преподавательской работы он уходит из консерватории. Это решение Чайковский принял по настоянию Надежды Филаретовны фон Мекк, своего «лучшего друга», как он всегда называл её. Их необычную дружбу называют «романом в письмах». Они ни разу не встретились и общались только в письмах, начиная с конца 1876 г. Н. Ф. фон Мекк, вдова железнодорожного предпринимателя, одна из богатейших женщин Москвы, была страстной поклонницей музыки Чайковского, предложившая ему ежегодную субсидию в 6 тыс. рублей. Сохранилось более 1200 писем их переписки. Она также оказывала поддержку Московской консерватории и Русскому музыкальному обществу. Александр III в 1888 г. назначил Чайковскому пенсию в 3 тыс. рублей. У общительного и доброго Чайковского было много друзей, в том числе и среди композиторов. В числе близких ему людей были А. Г. и Н. Г. Рубинштейны (особенно последний, который был не только строгим судьёй сочинений Чайковского, но и самым энергичным их пропагандистом), а также П. И. Юргенсон, бескорыстный издатель произведений композитора, брат Чайковского Модест, его верный сотрудник во многих оперных произведениях, сестра его А. И. Давыдова. По своему характеру Чайковский не мог подолгу оставаться на одном месте, с 1877 г. вёл кочевую жизнь. Он совершил множество поездок по России и за границу (Германия, Франция, Англия, Америка), дирижируя операми и концертами, составленными из его произведений.

Концертные поездки укрепили творческие и дружеские связи Чайковского с западно-европейскими музыкантами (X. фон Бюлов, Э. Григ, А. Дворжак, Г. Малер, А. Никиш, К. Сен-Санс и др.). Концерт 16 октября 1893 г. в Петербурге, где он дирижировал в первый раз своей Шестой симфонией, стал его лебединой песней. Там он скоропостижно скончался 25 октября от холеры и похоронен в Александро-Невской лавре.

В 1880-1890-е гг. формируется творчество А. К. Глазунова, С. И. Танеева, А. К. Лядова, А. С. Аренского, Вас. С. Калинникова, М. М. Ипполитова-Иванова, А. Т. Гречанинова, С. М. Лядова и др.

Выдающиеся достижения отечественных композиторов на поприще создания новых опер оказали глубокое влияние на развитие оперной сцены. Они значительно расширили жанровые и тематические рамки русской оперы, обогатили её образный строй и круг драматически-выразительных средств. «При многообразии творческих индивидуальностей, — писал музыковед Ю. В. Келдыш, — общей основой их творчества являются народность и реализм. Русские композиторы искали пути обновления оперного жанра прежде всего в обращении к живой человеческой речи, интонациям народной и бытовой музыки». Широко используются в русской опере народно-хоровые сцены, которые играют важную роль в музыкальной драматургии («Борис Годунов», «Хованщина» Мусоргского, «Князь Игорь» Бородина, «Снегурочка», «Садко» Римского-Корсакова). Для опер Чайковского характерен тонкий психологизм, раскрытие душевного мира человека («Евгений Онегин», «Чародейка», «Пиковая дама»). Композитор разрабатывал также и историко-патриотические темы («Орлеанская дева», «Мазепа») и народно-бытовые («Черевички»), Новые страницы в оперном искусстве открыли сочинения С. И. Танеева («Орестея») и С. В. Рахманинова («Алеко»).

Под давление общественности в 1882 г. была проведена театральная реформа, которая способствовала более свободному доступу русской музыки на сцены театров. В том же году в С. — Петербурге прекратилась постоянная деятельность итальянской оперы. Она стала приезжать только на гастроли. Московский Большой театр занял равноправное положение с Мариинским и превратился в крупнейший центр передовой русской оперной культуры. Средоточием передовых тенденций в оперном искусстве с 1885 г. явилась Московская частная русская опера С. И. Мамонтова.

В 80—90-е гг. на подмостках казённых и частных театров выступали артистические силы национальной оперы, не уступавшие первоклассным итальянским мастерам. С именами Ф. И. Стравинского, И. А. Мельникова, П. А. Хохлова, Д. М. Леоновой, Е. А. Лавровской, Б. Б. Корсова, А. Е. Ростовцевой, Е. Я. Цветковой неразрывно связаны упрочение русского классического репертуара, становление единства музыкального и драматического начал, создание цельного, жизненно убедительного психологического образа. В эти годы оперное искусство прочно утверждается в провинции. Расширяют свой репертуар «оперные города» Киев, Одесса, Харьков, Тифлис, Казань, Саратов, Рига, Вильна.

Наряду с оперой в изучаемые нами годы развивался и балет. Лучшие представители эстетической мысли в сфере балета отстаивали понятие о нём как хореографической драме и настаивали, чтобы художественные средства балета служили выражением характеров, мыслей и чувств, чтобы балет стремился к правде и простоте. Совершенствованию балета способствовала деятельность выдающихся русских композиторов, создававших прекрасные образцы танцевальной музыки в виде танцевальных номеров в операх или специальных концертных пьес. Качественно новый этап в развитии балетного искусства связан с творчеством Чайковского, который внёс в музыку балета глубокое образное содержание, принципы симфонического развития и конфликтной драматургии. Балеты его «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» (последние два созданы в тесном содружестве с балетмейстерами М. И. Петипа и Л. И. Ивановым) значительно обогащали танцевальную лексику и драматургию. Традиции симфонизации балета были продолжены Глазуновым («Раймонда», «Времена года»). Следует отметить, что многое сделал для русского балета уроженец Франции М. И. Петипа, который сочинил и поставил на нашей сцене до 50 балетов. Носил звание солиста двора Его Величества. Рядом с Петипа проходило творчество Л. И. Иванова (в 1885-1901 гг. второй балетмейстер Мариинского театра). Обладая феноменальными музыкальными способностями, Иванов особенно большое значение придавал музыке, видя в ней источник хореографической образности. Среди его постановок выделялись «Половецкие пляски» в опере «Князь Игорь» Бородина. Шедеврами танцевального симфонизма Иванова стали «Танец снежных хлопьев» («Щелкунчик», 1892 г.), 2-я картина балета Чайковского «Лебединое озеро» (1894). На балетной сцене Петербурга раскрылись таланты замечательных танцовщиц Е. О. Вазем, М. Н. Горшенковой, В. А. Никитиной, Е. П. Соколовой, в Москве блистали балерина Л. Н. Гейтен, артисты В. Ф. Гельцер, В. Ваннер и др.

80—90-е гг. сыграли важную роль в формировании русской школы инструментального исполнительства. Крупный исполнительский талант проявили видные композиторы-пианисты A. Рубинштейн, Танеев, Рахманинов. Выдающейся пианисткой была воспитанница Петербургской консерватории, а потом её профессор А. Н. Есипова. Одним из самых прославленных скрипачей своего времени был Л. С. Ауэр, создавший в Петербургской консерватории скрипичную школу мирового значения. Среди виолончелистов мира не имел соперников преподаватель этой же консерватории К. Ю. Давыдов.

Особым, самостоятельно развивающимся направлением в русской музыке в рассматриваемый период, как и на протяжении веков, была музыка духовная. Известно, что в конце XVIII — начале XIX вв. русское церковное пение испытало на себе западное влияние. Сочинялись произведения и в итальянском стиле, и в стиле протестантских хоралов. Идея возвращения к национальным основам, поисков своей, русской гармонии и своего контрапункта получила сначала теоретическое обоснование в трудах B. Ф. Одоевского, протоиерея Д. В. Разумовского и других авторов, преимущественно связанных с Москвой как хранительницей древних традиций. Затем эта идея рассматривалась в творческих опытах М. И. Глинки, а начиная с рубежа 1880-х гг. — в сочинениях и переложениях Чайковского, Римского-Корсакова, Лядова, Балакирева, Танеева и др. Деятельность выдающихся русских композиторов оказала непосредственное влияние на подъём музыкального театра.

Всё большее место в репертуаре Большого и Мариинского театров занимали русские оперы и балеты. К 1893 г. относится начало выступлений на оперной сцене великого певца Ф. И. Шаляпина.

Таким образом, рассматриваемый период был временем дальнейшего могучего расцвета русской музыки, как и всего русского искусства. Доступность музыкального образования привела к тому, что в России появилась целая плеяда талантливых профессиональных композиторов и исполнителей. Русская музыка, богатая и самобытная, вышла за пределы нашей страны и была признана во всём мире.

Александр III по воспоминаниям графа Шереметева «очень любил музыку, но без всяких предвзятых, партийных мыслей, без всяких претензий на музыкальность» (411, с. 494).

Он постоянно интересовался новинками, знакомился со всеми новыми произведениями, был осторожен с отзывами, «никогда не судил… по первому впечатлению». Обожал Чайковского. Однажды, в 1893 г. глава государства «был как-то особенно музыкально настроен и потребовал, чтобы сыграли одну из пьес Чайковского. Хор (вероятно, оркестр. — Е. Т.) играл в этот день особенно хорошо, и впечатление было сильное. Государь пожелал повторения и слушал с видимым наслаждением… Все разошлись несколько позднее обыкновенного и под чудным настроением, а на другой день узнали, что в то самое время, когда это происходило в Гатчине, умирал Чайковский». «Казалось, — отмечает Шереметев, — мы слышали его лебединую песнь. И тот, кто слушал её так внимательно и так наслаждался ею, недолго пережил его. Мог ли кто из нас тогда это предчувствовать? В этот день государь меня особенно поразил. Он слушал как-то особенно задумчиво и грустно, дивная гармония была ему доступна, и весь он был проникнут красотою этих звуков, весь отдался этому чувству и ясно было, как сильно в нём самом сказалось художественное чутьё» (там же).

Царь «восторгался Глинкой и знал многие его романсы. Особенно любил он: «В крови горит огонь желанья». Рубинштейна он не переваривал как человека, его коробило его самомнение и самоуверенность. Раз даже он передавал свой разговор с ним и ответы Рубинштейна, не замечавшего тонкой иронии государя. К Балакиреву относился сочувственно и снисходительно к его невменяемости». Римского-Корсакова Александр III ценил не столько как композитора, а как знатока оркестровой части. Из зарубежных композиторов симпатизировал сочинениям Вагнера и вальсам Штрауса. Очень любил монарх церковную музыку. Ценил Бортнянского, но предпочитал Львова за его душевность.

4. ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО

В 80—90-х гг. реалистическое направление в русской живописи в отличие от Запада приобрело господствующее положение. По мнению многих художников того времени, живопись должна была отражать действительность со всеми её недостатками и достоинствами. В этом направлении творили И. М. Крамской, В. Г. Перов, И. И. Шишкин и др. Чтобы поддерживать друг друга, организовывать выставки, художники создавали различные общества и кружки.

Художественные организации

Одной из таких организаций стал Абрамцевский (Мамонтовский) художественный кружок представителей творческой интеллигенции, по преимуществу московской, объединившихся вокруг известного предпринимателя и мецената С. И. Мамонтова. Кружок существовал в 1878-1893 гг., при этом он никогда не был официальным обществом или художественной группировкой. Встречи и собрания художников и любителей живописи происходили в доме Мамонтова на Спасской-Садовой улице в Москве, а летом — в подмосковном имении Абрамцево близ Сергиева Посада. Мамонтов материально помогал художникам, поддерживал многие их творческие начинания. В Абрамцево художники нередко приезжали на всё лето с семьями. Здесь они могли работать и общаться. В Абрамцевском кружке изучение русской истории и культуры сочеталось со стремлением оживить традиции народного творчества. В имении были организованы мастерские по возрождению старинных художественных ремёсел (резьба по дереву, майолика, шитьё). В парке Абрамцево были возведены постройки в русском стиле — «Терем» (по проекту И. П. Ропета, 1873 г.), церковь и «Избушка на курьих ножках» (по проектам В. М. Васнецова, 1881-1883 гг.). Одним из самых известных начинаний Мамонтовского кружка стали любительские спектакли. С 1871 г. они ставились каждый сезон: зимой — в особняке на Спасской-Садовой улице, летом — в Абрамцеве. Декорации, костюмы, афиши и программы к ним создавали сами художники, они же зачастую были и исполнителями ролей. Наиболее удачной постановкой Мамонтовского кружка считается «Снегурочка» А. Н. Островского, показанная в 1882 г. Эти спектакли во многом способствовали появлению 1890-х гг. Московской частной русской оперы. В Абрамцевский кружок входили М. М. Антокольский, А. М. и В. М. Васнецовы, М. А. Врубель, К. А. и С. А. Коровины, И. И. Левитан, М. В. Нестеров, И. С. Остроухое, В. Д. и Е. Д. Поленовы, Н. А. Римский-Корсаков, В. А. Серов, К. С. Станиславский, М. В. Якунчикова и др.

Другим подобным объединением стало Московское общество любителей художеств (МОЛХ) — объединение художников, меценатов, коллекционеров, издателей, основанное в 1860 г. любителями искусства М. Е. Криштафовичем и братьями С. И. и П. И. Миллерами, с 1858 г. еженедельно собиравшими у себя кружок художников и коллекционеров. В МОЛХ входили почётные члены (в разные годы — П. М. Третьяков, Д. П. Боткин, вел. кн. Сергей Александрович, московский генерал-губернатор кн. В. А. Долгоруков, Л. Н. Толстой, В. М. Васнецов, В. Д. Поленов, И. Е. Репин, В. И. Суриков, и др.), члены-любители (А. А. Бахрушин, И. Н. Кнебель, И. А. и С. Т. Морозовы и др.), члены-художники (И. К. Айвазовский, С. М. Волнухин, Н. Н. Ге, А. С. Голубкина, И. Н. Крамской, И. С. Остроухое, Л. О. Пастернак, В. Г. Перов, А. К. Саврасов, И. И. Шишкин, В. П. Верещагин, Н. А. Касаткин и др.). С 1867 г. общество находилось под августейшим покровительством великой княгини (с 1881 г. императрицы) Марии Фёдоровны. Первым председателем до 1863 г. стал С. И. Миллер, в дальнейшем МОЛХ возглавляли Уваров, Д. П. Боткин, С. М. Третьяков, К. М. Быковский, И. Е. Телешов, кн. В. Д. Голицын. В задачи МОЛХ входила поддержка молодых художников, обеспечение их заказами, а главное — создание доступной для публики национальной художественной галереи. Такой галереей и стала постоянно действующая выставка МОЛХ (существовала до 1893 г.). На ней, в частности, были впервые показаны картины «Явление Христа народу» А. А. Иванова и «Тайная вечеря» Н. Н. Ге, вызвавшие в своё время широкий общественный резонанс. Кроме того, общество устраивало и периодические выставки картин, рисунков и акварелей; занималось организацией тематических и персональных временных экспозиций. Так, общество познакомило москвичей с экспозициями русских отделов лондонской (1862) и парижской (1867) всемирных выставок. В 1880-1913 гг. оно устраивало периодические «Рождественские» выставки, персональные экспозиции К. А. Трутовского (1893), К. П. Брюллова (1899), Левитана (1911). Именно МОЛХ было инициатором и организатором Первого съезда русских художников, состоявшегося в Москве в 1894 г., приуроченного к передаче в дар городу галереи Третьяковых. С начала своего существования общество оказывало и материальную поддержку молодым художникам. Оно проводило художественные конкурсы, за победу в которых присуждались специальные премии (имени В. П. Боткина, Л. Н. Панина, И. Е. Репина и др.). Молодые талантливые мастера могли совершить заграничную поездку за счёт МОЛХ. Был создан специальный «Фонд для вспомоществования бедным и престарелым художникам и их семьям». С 1870 г. работали рисовальные классы при МОЛХ (среди преподавателей — В. О. Шервуд, В. Г. Перов, И. М. Прянишников), действовала библиотека для художников. В 1910 г. общество учредило ряд стипендий для учащихся Московского училища живописи, ваяния и зодчества. В 1900-х гг. общество насчитывало около 300 участников. В 1900-1910 гг. значение общества в художественной жизни Москвы заметно уменьшилось. Оно занималось главным образом устройством различных благотворительных мероприятий. В 1918 г. общество прекратило существование.

В 1881 г. в Петербурге по инициативе Е. И. Мюссара возникло общество «Мюссаровские понедельники» (первоначальное название — Общество для вспомоществования сиротам и семействам художников, требующих призрения). Оно объединяло профессиональных художников, меценатов, коллекционеров. Деятельность общества носила клубный характер. Еженедельные собрания проводились по понедельникам в особняке на Английской набережной, д. 6. После смерти Мюссара в 1896 г. общество получило название «Мюссаровские понедельники». Собрания включали в себя совместные рисования, концертную часть и товарищеский ужин. Исполненные художниками работы продавались, а вырученные средства использовались на благотворительные цели. С 1914 г. общество организовывало выставки своих старейших членов. Участниками «Мюссаровских понедельников» в разные годы были А. К. Беггров, Я. Я. Бельзен, В. А. Бобров, Ф. Ф. Бухгольц, П. К. Вениг, В. В. Верещагин, А. К. Денисов-Уральский, Н. Н. Каразин, И. Е. Крачковский, Л. Ф. Лагорио, В. В. Матэ, Л. О. Премацци, Н. К. Рерих, М. В. Рундальцов и др. Весной 1917 г. общество художников «Мюссаровские понедельники» вошло в Союз деятелей искусств.

В 1877 г. в Париже было основано «Общество взаимного вспоможения и благотворительности русских художников в Париже». Учредителями его стали художники М. М. Антокольский, А. К. Беггров, А. П. Боголюбов, Ю. Я. Леман, а также другие влиятельные лица: писатель И. С. Тургенев, банкир Г. О. Гинцбург, коллекционер О. Ф. Онегин. В 1878 г. был утверждён устав общества. Цели общества: знакомить парижскую публику с русским искусством; оказывать денежную помощь русским художникам и их семьям в Париже, помогать художникам в получении образования, а также в получении заказов и продаже произведений. В общество влилась созданная ранее «Русская касса взаимного вспоможения в Париже». Общество выдавало ссуды и денежную помощь художникам и учащимся, проводило рисовальные вечера, концерты, литературные чтения и т. п. Кроме того, оно предоставляло мастерскую нуждающимся в ней художникам. Все мероприятия проходили в клубе общества, где также действовала библиотека. В деятельности общества принимали участие многие деятели русской культуры. Общество проводило в Париже периодические выставки, много сделало для увековечения памяти И. С. Тургенева (собрало средства на надгробный памятник писателю, учредило стипендию его имени и т. п.). С 1896 г. называлось «Обществом русских художников в Париже». С 1887 г. общество получало ежегодное пособие от русских властей. К концу XIX в. постепенно утратило своё влияние, прекратило деятельность в 1917 г.

В 1880 г. в Петербурге по инициативе Э. С. Вилье де Лиль Адана, преподавателя рисовальной школы при ОПХ, основано творческое объединение художников, работающих в технике акварели, — «Общество русских акварелистов» («Императорское акварельное общество», до 1887 г. — «Кружок русских акварелистов») для организации акварельных выставок. В 1887 г. кружок получил официальный статус «Общества русских акварелистов» со своим уставом. Действительными членами общества могли стать «художники, живущие в России и уже достойно заявившие о себе своими работами, преимущественно на выставках общества в качестве экспонентов». Как правило, число действительных членов составляло около 20, многие из них одновременно являлись членами других объединений. Первым главой общества был Альберт Н. Бенуа. Выставки общества устраивались ежегодно (до 1895 г. — в залах ОПХ, позже — в Академии художеств и Пассаже). Параллельно было организовано 12 выставок в Москве, выставки в Риге (1888), Гельсингфорсе (1893) и Мюнхене (1908). По инициативе А. Н. Бенуа прошли графические выставки Blanc et Noir («Белое и чёрное») в залах ОПХ (1890, 1892, 1895). В 1891 г. акварелисты участвовали в Международной выставке в Риме. Кроме того, были организованы посмертные выставки работ С. И. Ендогурова, К. О. Хис, А. А. Писемского. В 1880—90-х гг. на выставках преобладали работы традиционного, академического направления. Позже появилось разнообразие художественных стилей, включая русский стиль и модерн. С начала 1892 г. общество проводило в Академии художеств еженедельные «акварельные пятницы», которые постепенно трансформировались в популярные литературно-художественные и музыкальные вечера. «Пятницы» посещали члены царствующей династии. В 1900-х гг. деятельность общества постепенно угасала, что прежде всего было связано с падением интереса к технике акварели и, соответственно, снижением уровня профессионального мастерства. Последняя, 38-я выставка, прошла в 1918 г. и после неё общество прекратило своё существование.

С 1882 по 1917 г. существовало «Императорское общество поощрения художеств». Основано оно было в Петербурге в 1820 г. как «Общество поощрения художеств» (ОПХ) по инициативе меценатов И. А. Гагарина, П. А. Кикина, Ф. Ф. Шуберта и художников-любителей А. И. Дмитриева-Мамонова и Л. И. Киля. Главными целями ОПХ были помощь одарённым художникам и способствование распространению всех изящных искусств. В 1870 г. при ОПХ был основан художественно-промышленный музей, основой которого стала коллекция прикладного искусства, пожалованная Александром II, а также подаренный обществу фарфор производства Императорского завода. С 1917-го по 1929 г. вышеназванная организация была преобразована во Всероссийское общество поощрения художеств.

Одним из наиболее деятельных и известных нам явилось Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ) — объединение, созданное в 1870 г. передовыми художниками Петербурга и Москвы в процессе борьбы за демократические идеалы и в противовес официальному центру искусства — Петербургской академии художеств. В числе её членов-учредителей — Н. Н. Ге, И. Н. Крамской, Г. Г. Мясоедов, В. Г. Перов, А К. Саврасов и др.

В принятом уставе товарищества, утверждённым министром внутренних дел 2 ноября 1870 г., говорилось: «Товарищество имеет целью устройство, с надлежащего разрешения передвижных художественных выставок, в видах: а) доставления возможностей желающим знакомиться с русским искусством и следить за его успехами; б) развития любви к искусству в обществе; в) облегчения для художников сбыта их произведений». Примечательно, что на первом месте стояли задачи просвещать и прививать любовь к русскому искусству, а на втором — коммерческая сторона дела. Поставленным высоким целям товарищество было верно на протяжении всего времени своего существования.

Освободившись от регламентации и опеки Академии художеств в создании, показе и реализации своих произведений, они организовали внутреннюю жизнь товарищества на кооперативных началах и развернули просветительскую деятельность. Немощным академическим выставкам противостояли широко популярные, имевшие большое общественное значение выставки Товарищества передвижных художественных выставок. ТПХВ имело отделения в Москве и Петербурге.

Непосредственно организацией выставок занималось правление товарищества. Первая выставка состоялась в 1871 г. в Петербургской академии художеств, затем она была показана в Москве, Киеве и Харькове. В состав выставки входили такие известные полотна, как «Пётр I допрашивает царевича Алексея» Н. Н. Ге, «Охотники на привале» В. Г. Перова, «Грачи прилетели» A. К. Саврасова. Выставка имела не только большой общественный резонанс, но и серьёзный коммерческий успех. В дальнейшем географические рамки передвижных выставок расширились: Астрахань, Варшава, Вильно, Воронеж, Казань, Киев, Одесса, Рига, Ярославль и другие города. Выставки в провинции регулярно показывались до 1909 г. С 1884 г. выставки ТПХВ сопровождались иллюстрированными каталогами. Всего товарищество устроило 48 передвижных выставок.

В разные годы в ТПХВ входили такие видные художники, как А. К. Беггров, А. П. Боголюбов, А. М. и В. М. Васнецовы, Н. Н. Ге, К. Ф. Гун, Н. П. Дубовской, С. Ю. Жуковский, Н. А. Касаткин, А. И. Корзухин, И. Н. Крамской, К. В. Лемох, B. Е., К. Е. и Н. Е. Маковские, Г. Г. Мясоедов, В. М. Максимов, Я. Д. Минченков, А. А. Мурашенко, Н. В. Неврев, В. Д. Поленов, В. Г. Перов, И. М. Прянишников, И. Е. Репин, А. К. Саврасов, В. И. Суриков, И. И. Шишкин, В. И. Якоби, Н. А. Ярошенко и др. В 1870—80-е гг. роль ТПХВ в русской художественной культуре была необычайно велика. В товариществе собрались лучшие художественные силы, они сумели выработать новую эстетическую программу, противопоставив себя Академии художеств, соперничество с которой продолжалось до начала 1890-х гг., когда после академической реформы многие передвижники были приглашены возглавить мастерские в Академии художеств. На первых выставках товарищества лидировали жанровые картины, в которых поднимался широкий круг проблем, волновавших русское общество. Передвижники ставили своей задачей изображение «правды жизни», то есть критику пороков и воспевание того прекрасного, что есть в обществе.

С деятельностью ТПХВ В. В. Стасов связывал становление подлинно национальной школы живописи. «От картин передвижников, — отмечал Репин, — веяло такой свежестью, новизной и, главное, подлинной правдой русской жизни». Огромную помощь передвижникам оказал П. М. Третьяков, покупавший все их лучшие произведения. Своё собрание картин, ставшее сокровищницей национального искусства, и особняк Третьяков в августе 1892 г. подарил Москве. К тому времени в коллекции насчитывалось 1287 живописных и 518 графических произведений русской школы, 75 картин и 8 рисунков западно-европейской школы, 15 скульптур и коллекции икон. 15 августа 1893 г. состоялось официальное открытие музея под названием «Городская художественная галерея Павла и Сергея Третьяковых» (ныне Третьяковская галерея). Приобретение картины для Третьяковской галереи было фактом общественного признания её большой художественной ценности. В 1890-х гг. её посещали до 150 тыс. человек ежегодно. Также передвижникам помогал меценат С. И. Мамонтов. Он превратил свою усадьбу Абрамцево, как говорилось выше, в своеобразный центр русского национального искусства. Приглашал к себе художников и даже выстроил для них студию. Представление о значении Абрамцева в русской культуре дают хотя бы следующие факты: Репин в Абрамцеве писал «Крестный ход», сделал первые эскизы картин «Иван Грозный и сын его Иван», «Запорожцы»; Васнецов писал здесь «Трёх богатырей» и «Алёнушку», Серов — «Девочку с персиками» (это портрет Веры, дочери С. И. Мамонтова).

К 25-летию существования товарищества члены его создали свыше трёх с половиной тысяч картин. Ужесточение уставных требований в 1890 г. привело к оттоку из ТПХВ ряда художников и во многом обусловило кризис товарищества. Многие экспоненты передвижных выставок вошли впоследствии в другие художественные объединения «36 художников», «Союз русских художников». В 1900-х гг. товарищество окончательно утратило былое влияние, хотя выставки продолжались до 1920-х гг.

Художники и основные темы их творчества

Главным идеологом и выдающимся организатором движения передвижников был художник мыслитель, критик и педагог И. Н. Крамской (1837-1887). В основе его эстетической программы лежали принципы реализма, идейности и народности, создания национального искусства и служения художника обществу. «Ведь художник есть критик общественных явлений: какую бы картину он не представил, — говорил он, — в ней ясно отразится его миросозерцание, его симпатии, антипатии и главное — та неуловимая идея, которая будет освещать его картину». Он оказал очень сильное влияние на поколение художников 60—80-х гг. «Вся деятельность Крамского, — писал А. Бенуа, — сводится к призыву: «Вперёд без оглядки» к жизни, подальше от мертвенных формул». Крамской прославился как автор реалистических портретов, отмеченных глубиной социальной и психологической характеристик, составивших галерею образов крупнейших деятелей русской истории и культуры, композиций на морально-философские темы, своим огромным искусством передачи внутреннего мира человека и сложнейших душевных переживаний: «И. И. Шишкин» (1880), «А. С. Суворин», «В. В. Самойлов» (1881), «Мина Моисеев» (1882), «Неизвестная» (1883), «Неутешное горе» (1884), «Вл. С. Соловьёв» (1885) и др. В картине «Неутешное горе» Крамской с большой силой передал трагедию матери, потерявшей ребёнка. Это произведение живописи несёт отчасти автобиографический характер, на нём изображена жена художника. Картина «Неизвестная» вызвала много споров. В ней изображена красивая, изысканно одетая молодая женщина с высокомерным выражением лица в коляске посреди Невского проспекта, против Аничкова дворца. В картине усматривали обличительный смысл, портрет общественной нравственности. Критики назвали её «одним из исчадий больших городов, которые выпускают на улицу женщин презренных под их нарядами, купленными ценою женского целомудрия».

Крамской занимался также гравированием на меди крепкою водкой. Из его офортов лучшие — портреты императора Александра III (в бытность его наследником), Петра Великого и Т. Шевченко. Иван Николаевич был автором ряда художественно-критических статей, оставил большое эпистолярное наследие. Полотна духовного воспитанника Крамского И. Е. Репина (1844-1930 гг.) явились вершиной передвижничества. Таковы остросоциальные и исторические картины «Бурлаки на Волге» (1870-1873, написанная для великого кн. Владимира Александровича), «Крестный ход в Курской губернии» (1880-1883), «Иван Грозный и сын его Иван» (1885), «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» (1871-1891), «Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года» (1901-1903, с учениками Б. М. Кустодиевым и И. С. Куликовым). Характерная черта Репина — постоянное стремление найти и запечатлеть активное начало в русском народе, начало протеста и борьбы за свободу. Ряд картин он посвятил историко-революционной теме: «Отказ от исповеди» (1879-1885), «Арест пропагандиста» (1880-1892), «Не ждали» (1884-1888) и др. Многие произведения Репина были крупными общественными событиями. Репин создал также ряд замечательных портретов («А. Ф. Писемский», 1880; «М. П. Мусоргский», 1881; «П. А. Стрепетова», 1882; «В. В. Стасов», 1883; «Л. Н. Толстой», 1887) и др., принадлежащих к числу самых совершенных образцов этого рода живописи.

Величайшим историческим живописцем XIX в. по праву считается В. И. Суриков (1848-1916). С 1881 г. он член ТВПХ. Живопись для него была средством изображения народной жизни. «Я не понимаю, — заявлял он, — действия исторических личностей без народа, без толпы». Художник создал изумительные по силе и правдивости эпические, монументальные картины прошлого русского народа: «Утро стрелецкой казни» (1881), «Меншиков в Берёзове» (1883), «Боярыня Морозова» (1887), «Покорение Сибири Ермаком» (1895), «Переход Суворова через Альпы» (1899), «Степан Разин» (1903-1910) и др. В произведениях Сурикова русская история предстаёт в подлинном своём величии и драматических конфликтах, в которых раскрываются могучие народные характеры, прекрасные качества русского человека. Высокой патриотической целью его искусства было прославление народа, его стойкости, твёрдой веры в добро и справедливость.

С начала 1880-х гг. к историческим, сказочным и былинным темам обращается член ТПХВ В. М. Васнецов (1848-1926), создавая свои своеобразные поэтические, глубоко национальные композиции: «После побоища Игоря Святославовича с половцами» (1880), «Алёнушка» (1881), «Богатыри» (1881-1898) и другие. По заказу Мамонтова художник написал картины «Ковёр-самолёт», «Битва русских со скифами», «Три царевны подземного царства» (1880-1881). В 1883-1885 гг. выполнил монументальное панно «Каменный век» для Исторического музея в Москве, в 1885-1896 гг. — большую часть росписей Владимирского собора в Киеве. По рисункам Васнецова сооружены церковь и сказочная «Избушка на курьих ножках» в Абрамцеве (1883) и выстроен фасад Третьяковской галереи (1902).

Одним из крупнейших мастеров пейзажа 70-х — 90-х гг. является И. И. Шишкин (1832-1898), член-учредитель ТПХВ. Его лучшие полотна достигают подлинного эпического звучания, русская природа предстаёт такой, какой воспел её народ в своих песнях. Наиболее известные его картины — «Рожь» (1878), «Среди долины ровныя…» (1883), «Лесные дали» (1884), «Дубовая роща» (1887), «Утро в сосновом лесу» (1889, медведи написаны К. А. Савицким).

Наряду с Шишкиным крупным мастером эпического пейзажа был А. И. Куинджи (1841-1910). В картинах художник старается передать одухотворённость природы, задать определённый эмоциональный настрой. Это, например, «Лунная ночь на Днепре» (1880), «Берёзовая роща», «Днепр утром» (1881), «Эльбрус. Лунная ночь» (1890-1895). В его пейзажах важную роль играют эффекты освещения, повышенные светотеневые контрасты, обобщённая трактовка форм.

Реалистический переворот в батальной живописи осуществил В. В. Верещагин (1842-1904), по духу своего творчества близкий к передвижникам. Пытаясь наиболее полно отобразить исторические события, он объединял свои картины в тематические серии: «Туркестанская» серия (1871-1874), «Балканская» серия (1877-1878 и 1880-е), цикл на тему Отечественной войны 1812 г. (1887-1904) и др. Отвергнув ложную героизацию, условности и парадности академической батальной живописи, художник одним из первых дал правдивое изображение войн, колониальных экспедиций, кровавых расправ над мирным населением, жестоких и кровавых будней солдат: «Перед атакой. Под Плевной», «После атаки. Перевязочный пункт под Плевной» (1881), «Подавление индийского восстания англичанами» (ок. 1884). Картины Верещагина воспринимались и в России и в Западной Европе, как сильный и убедительный протест против милитаризма. Один прусский генерал даже советовал Александру III сжечь все военные картины Верещагина, «как имеющие самое пагубное влияние». Вместе с тем Верещагин умел изображать народную войну против иноземных захватчиков. Такова его знаменитая серия картин о войне 1812 г., мастерски запечатлевшая богатырский дух русского народа, отстаивающего национальную независимость, мужество и самоотверженность наших воинов — «Не замай — дай подойти!» (1887-1895). Выставки картин Верещагина одно время сделали его самым популярным лицом не только в России, но и во всём мире, заставили «волноваться и горячиться до одурения не только Петербург и Москву, но и Берлин, Париж, Лондон и Америку». В 1903 г. Василий Васильевич отправился в Японию. Чувствуя приближение новой войны, он убедился, что эта страна подготовлена к ней лучше. Верещагин написал даже несколько писем Николаю II, в которых высказал свои впечатления о японской армии и некоторые советы. Вскоре после начала Русско-японской войны он был на Дальнем Востоке, где и погиб. Произошло это 31 марта 1904 г. Во время возвращения в Порт-Артур после боевого похода он стоял рядом с вице-адмиралом С. О. Макаровым на мостике флагманского броненосца «Петропавловск» с альбомом в руках и делал карандашом очередной набросок. В 9 часов 40 минут утра неподалёку от входа в порт-артурскую гавань палуба корабля содрогнулась от взрыва чудовищной силы. Через две минуты огромный броненосец, подорвавшийся на японской мине, исчез в волнах Жёлтого моря на глазах гарнизона крепости. Из семисот с лишним человек спасли только семерых офицеров и пятьдесят двух матросов. Верещагина среди них не обнаружили. Удалось спасти великого князя Кирилла Владимировича, единственного из тех, кто находился с адмиралом в момент взрыва.

Скульптура

Достижения, хотя, в общем, меньшие по сравнению с живописью, имела скульптура. И в скульптуре с успехом велась борьба за преодоление академических канонов, за реалистическое национальное искусство.

Выдающимся скульптором вошёл в историю XIX в. М. О. Микешин (1836-1896). Это был художник, окончивший Академию художеств по классу батальной живописи, но посвятивший себя главным образом работам в области монументальной скульптуры. В 1859 г. он участвовал в конкурсе проектов памятника «Тысячелетие России». Из представленных более 50 проектов был принят к исполнению проект тогда 23-летнего Микешина. Ему пришлось изучить скульптурную технику под руководством И. Н. Шредера, чтобы руководить работами специалистов, приглашённых для осуществления его проекта, и самому участвовать в их работе. Над моделью и самим бронзовым памятником, открытым в Новгороде в 1862 г., под руководством Микешина трудилась целая группа архитекторов и скульпторов, среди которых были отец и сын Лаверецкие, а также А. М. Опекушин и М. А. Чижов, тогда ещё ученики Академии художеств. Памятник тысячелетия России создал Микешину репутацию выдающегося русского ваятеля. По проекту Микешина выполнен памятник Екатерине II в 1873 г. в Петербурге на площади Александринского театра.

В 1870 г. во время поездки в Николаев, где Микешин ставил, при участии Опекушина и А. Р. Бока, бронзовый монумент адмиралу Грейгу, он был приглашён в Киев для переговоров о памятнике Богдану Хмельницкому. Увлечённый этой задачей, Микешин за одну ночь в Киеве нарисовал эскиз, лёгший почти целиком в основу памятника, поставленного 23 июня 1888 г. на Софийской площади (ныне площадь Богдана Хмельницкого). По проекту Микешина памятник лепили П. А. Велионский и А. Л. Обер.

Композиция предварительного проекта памятника включала фигуру гетмана на коне, полного внутреннего благородства и величия. Внизу под выступом скалы, располагалась группа из нескольких фигур. Вокруг кобзаря, в котором автор пытался воплотить образ Т. Г. Шевченко, изображены фигуры украинца, русского и белоруса, символизирующие единство славянских народов, С другой стороны, фигуры поверженных врагов украинского народа. Барельефы на постаменте воссоздавали битву под Збаражем, въезд казацкого войска в Киев, Переяславскую раду. Первоначальный проект памятника воплощён в модели, представленной в Русском музее (1869, бронза). Из-за недостатка средств в Петербурге на заводе Берга была отлита только фигура всадника, который был установлен на гранитном постаменте (архитектор В. Н. Николаев) в центре площади.

Микешин создал проекты памятников «победам Черноморского флота» и матросу Игнатию Шевченко — в Николаеве; адмиралам В. А. Корнилову, П. С. Нахимову и В. И. Истомину — в Севастополе, императору Александру II — в Ростове-на-Дону; Ермаку — в Новочеркасске; императрице Екатерине II — в Екатеринодаре; К. 3. Минину — в Нижнем Новгороде и многие другие. Важно отметить, что искусство Микешина ценилось очень высоко. Ему заказывали памятники не только на родине. Известны его проекты памятников португальскому королю Педро IV, в честь португальской конституции для Лиссабона, сербскому князю Михаилу Обреновичу, Мицкевичу для Варшавы, Линкольну для Вашингтона и др.

Одним из самых талантливых мастеров в области монументальной скульптуры второй половины XIX в. был А. М. Опекушин (1838-1923). В первую пору своей деятельности он произвёл немало орнаментальных лепных работ для петербургских зданий и был одним из главных сотрудников М. О. Микешина по осуществлению его памятника Екатерине II. В 1875 г. Опекушин победил в конкурсе на проект памятника А. С. Пушкину, представив несколько вариантов. Жюри отдало предпочтение одному из этих вариантов, как соединяющему в себе простоту, непринуждённость и спокойствие позы — «тип, наиболее подходящий к характеру наружности поэта». Памятник был установлен 6 июня 1880 г. на Тверском бульваре (на нынешнее место, изначально выбранное самим автором, перенесён в 1950 г.). В Петербурге на Николаевской (ныне Пушкинской) улице был установлен вариант статуи Пушкина, оказавшийся менее значительным, хотя и ему свойственна выразительная простота. Опекушин интенсивно работал в декоративной скульптуре, заведовал фигурным отделением скульптурной мастерской А. С. Козлова в Москве, изготавливавшей статуэтки из терракоты, портландского цемента, алебастра и папье-маше. Для Всероссийской промышленной выставки в Москве (1882) совместно с Микешиным и архитектором Д. Н. Чичаговым создал две парные композиции «Волга» и «Нефть».

В 1886 г. Опекушин вылепил памятник знаменитому русскому естествоиспытателю Карлу Бэру, установленный на родине учёного в городе Тарту. Проект памятника был удостоен первой премии на Всемирном конкурсе. Скульптор успешно использовал здесь традиции классицизма. В 1889 г. он создал памятник М. Ю. Лермонтову в Пятигорске. В 1891 г. в Хабаровске, на берегу Амура, воздвигнут памятник его работы графу Н. Н. Муравьёву-Амурскому.

Более поздние работы Опекушина — памятники Александру II (торжественно открыт в Кремле 18 августа 1898 г.) и памятник Александру III (открыт 30 мая 1912 г.) у храма Христа Спасителя. Оба эти памятника были снесены в 1918 г.

Видную роль в скульптуре второй половины XIX в. сыграл М. М. Антокольский (1843-1902). Творчество его формировалось под влиянием Стасова, Крамского, идей передвижников. Антокольскому в русском искусстве было дорого то, что оно «старается понять человеческую душу, дух народа, его радости и горе, его настроение и стремление». В 1871 г. Антокольский создаёт скульптуру «Иван Грозный» (бронза; Петербург, Русский музей), которую Тургенев тогда же назвал шедевром по историческому проникновению, психологии и выполнению. По словам автора, он создал царя «мучителя и мученика». Скульптура эта открыла серию произведений Антокольского на темы из русской истории: «Пётр Великий» (1872), «Нестор-летописец», «Ярослав Мудрый» (1889), «Ермак Тимофеевич» (1891). Объясняя идейный смысл этих произведений, Антокольский говорил, что в них он воспевал будущность России. Вдохновенно Антокольский работал и над другим циклом — морально-философским, над образами тех, в ком видел мучеников «за светлые идеи, за любовь к человечеству»: «Христос перед судом народа» (1876), «Смерть Сократа» (1875-1877), «Спиноза» (1882).

Высокую оценку современников получила деятельность И. Н. Шредера (1835—?), который создал несколько произведений монументальной скульптуры. В числе их памятники Петру I в Петрозаводске (1873), мореплавателям И. Ф. Крузенштерну в Петербурге (1874), Ф. Ф. Беллинсгаузену в Кронштадте (1873) и др. В 1890-1900 гг. Шредер выполнил по эскизам А. А. Бильдерлинга (1846-1912) памятники Пржевальскому в Петербурге и на могиле путешественника возле озёра Иссык-Куль, а также героям обороны Севастополя Корнилову, Нахимову и Тотлебену, установленные в городе в 1890-1900 гг. Им же выполнены памятники принца П. Г. Ольденбургского в Петербурге, Петра Великого в Петрозаводске, императора Александра II там же, графа А. А. Бобринского в Киеве, а также большое число портретных бюстов для московского исторического музея и др.

Вместе со скульпторами-монументалистами весомый вклад в развитие скульптуры 80—90-х гг. внесли жанристы М. А. Чижов, Л. В. Позен и анималисты А. Л. Обер и Е. А. Лансере.

В целом надо признать, что в рассматриваемый нами период обильное результатами реалистическое направление в изобразительном искусстве — живописи и скульптуре, графике — сблизило искусство с обществом, сильно расширило круг интересующихся искусством.

Архитектура

Архитектура — тоже летопись мира: она говорит тогда, когда уже молчат и песни, и предания…

Н. В. Гоголь

Я позволю себе напомнить, что архитектура является искусством проектировать и строить объекты, оформляющие пространственную среду для жизни и деятельности человека в соответствии с назначением, современными техническими возможностями и эстетическими воззрениями общества. Произведения архитектуры — это здания, ансамбли, а также сооружения, организующие открытые пространства (монументы, террасы, набережные и т. д.). Планировка и застройка городов и населённых мест составляют особую область строительного искусства — градостроительство.

Основы общей теории архитектуры сложились к середине XIX в. Трудами А. К. Красовского, М. Д. Быковского, И. И. Свиязева и других архитекторов создаётся весьма стройная система знаний о законах исторического развития архитектуры (с использованием французской рационалистической теории конца XVIII — начала XIX в.). В частности, был сформулирован, закон зависимости архитектуры от физических и духовных условий её создания. К первым отнесены климат, строительные материалы, экономические ресурсы, ко вторым — мировоззрение, обычаи, религия народа. Было также доказано, что зодчество изменяется в соответствии с периодами подъёма или упадка культуры созидающего народа, его творческим началом и уровнем знаний.

Укрепление капитализма в России 80—90-х гг., промышленное освоение Сибири и юга России, вовлечение в хозяйственную жизнь Бессарабии, Закавказья, Средней Азии и Дальнего Востока стимулировали быстрый рост городов, возникновение новых типов производственных, торговых, транспортных и других сооружений. Местоположение железнодорожных вокзалов вносило серьёзные коррективы в расположение фабрично-заводского и связанного с ним жилищного строительства, крытых рынков, универсальных магазинов, выставочных павильонов, конторских зданий, банков, бирж и т. д. В то же время строительство объектов индустрии, не сдержанное серьёзной градостроительной регламентацией приводило к тому, что исторические центры Петербурга, Москвы, уральских, сибирских, приволжских городов оказались в промышленном кольце, что и в настоящее время является препятствием для нормализации их градостроительного развития и причиной экологических конфликтов.

Наряду с частными особняками строились многоэтажные «доходные» жилые дома, с квартирами, сдающимися в наём, бараки и казармы для рабочих. Рост строительства и требования рентабельности определяли методы, обеспечивающие сокращение времени на производство работ, экономию труда и материалов. В этих целях использовались достижения промышленной техники. Широкое применение находят металл и стекло, а в конце века и железобетон. Развивается стандартизация строительных материалов. Создаются новые конструктивные системы для перекрытия больших пролётов и каркасные конструкции многоэтажных зданий. Архитектура получила возможности для совершенствования функциональных, технических и художественных качеств в создании новых конструктивных систем и принципов архитектоники (строительного искусства).

Типичным направлением архитектуры второй половины XIX в. становится эклектика. Зодчие этого направления использовали приёмы различных эпох, создавая здания и сооружения в стиле неоклассицизма, неоренессанса, русско-византийском и др. Представителями эклектизма в России были К. А. Тон, А. И. Штакеншнейдер, Л. Н. Бенуа, М. М. Перетяткович и другие известные архитекторы конца XIX — начала XX вв. Следует заметить, что своеобразным манифестом архитектуры эпохи эклектизма стала статья Н. В. Гоголя «Об архитектуре нынешнего времени», написанная им ещё в 1831 г. «Город должен состоять из разнообразных масс, если хотим, чтобы он доставлял удовольствие взорам, — уверял он. — Пусть в нём совокупится более различных вкусов. Пусть в одной и той же улице возвышается и мрачное готическое, и обременённое роскошью украшений восточное, и колоссальное египетское, и проникнутое стройным размером греческое… Пусть как можно реже дома сливаются в одну ровную однообразную стену, но клонятся то вверх, то вниз. Пусть разных родов башни как можно чаще разнообразят улицы…» (142, с. 429—430).

В рассматриваемый нами период активная архитектурная жизнь в основном была сосредоточена в Петербурге и Москве. В 1870-е гг. в столицах работают соответственно 300 и 200 архитекторов, в Киеве — 7, в Пскове — 8 и т. д. Однако на всей территории страны и во всех сферах архитектуры сказывается влияние общих процессов; относительно замедленные в провинции, активные в центре, они приводят к радикальному преобразованию архитектурной среды.

Кроме государственного заказа, сооружение ряда уникальных зданий связано с деятельностью различных объединений. Например, торговые сообщества возводят выставочные комплексы, научные общества строят свои клубы и музеи, дачные товарищества ведут строительство и благоустройство дачных посёлков и т. д. Важным стимулом архитектурного развития становится личная инициатива, поддержанная личными средствами. Знакомясь с произведениями архитектуры, мы должны помнить о сотнях и тысячах безымянных мастеров-строителей, самоотверженный труд которых позволял зодчим и инженерам осуществлять их творческие замыслы. Всякое архитектурное сооружение, и тем более архитектурный ансамбль являются результатом напряжённого коллективного труда.

В 1880-1890-х гг. ежегодно в Северной Пальмире строилось в среднем 280 каменных домов, да ещё надстраивалось около 300. А в 1897 г. «строительная горячка» стала особенно бурной, было построено 498 каменных домов и надстроено около 400 домов.

Многоквартирные многоэтажные доходные дома стали основными элементами застройки города. Они строились, как правило, пятиэтажными, а в самом конце века попадались и семиэтажные. Действовали старинные запрещения — не строить жилой дом выше Зимнего дворца (11 саженей) и не строить дом, высотой превышающий ширину улицы. Эти запрещения часто незначительно нарушались за счёт устройства мансард. В плотной застройке пышного города образовывались однообразные коридоры улиц, замкнутые дворы-колодцы. Вместе с рабочими казармами и ночлежками они стали жилищами бедноты, где в основном обитали мелкие чиновники, ремесленники, фабричные пролетарии. Неупорядоченность капиталистического строительства приводила также и к тому, что на окраинах города образовывались глухие производственные зоны, препятствующие выходам из центральных районов на залив, на Неву. Капиталистическое строительство было сумбурным, но плодотворным. Именно в этот период существенно увеличились площадь и население города. В 1869 г. оно составляло 667’900, а к 1900 г. Достигло 1’439’600 человек. Прокладывались новые улицы, рушились старые постройки, устраивались сады и бульвары. Возводились торговые, банковские, зрелищные, учебные, больничные здания и комплексы. Сооружались постоянные мосты через Неву и её рукава. Внедрялись разнообразные инженерно-технические новшества — металлические конструкции, оригинальные способы монтажа. Прозаические инженерные сооружения художники пытались превращать в произведения искусства с помощью изящных фонарей и чугунного кружева перил.

Соревновательность была главным принципом. Банк соревновался с банком, дом с домом, богач с богачом, архитектор с архитектором. Поэтому в архитектуре этого периода проявилось стремление к подчёркнутой представительности форм, к наибольшей насыщенности декора, к использованию дорогих материалов.

Люди постепенно отвыкали от однородной системности времён барокко и классицизма. Петербург XVIII в. можно было себе представить выстроенным по какому-то эталону. Но спустя сто лет, когда город стал в пять-шесть раз больше, когда загудели фабричные и паровозные гудки, улицы запестрели витринами и рекламой, появились сооружения и корпуса неизвестного доселе назначения, об однородности и единоначалии пришлось забыть. Зодчие, художники стали пробовать на одном здании разные стили. Это был путь к новым средствам выразительности. Так, на фасаде сложного и пышного декоративного оформления здания Общества взаимного кредита на Екатерининском канале архитектора П. Ю. Сюзора (1888-1890) можно видеть элементы стилей Возрождения, барокко и классицизма, на здании Певческой капеллы (1887-1889) — стилей Возрождения и эпохи Людовика XVI и др.

Одним из крупных градостроительных преобразований в этот период было устройство Адмиралтейской набережной. В начале 1870-х гг. Адмиралтейскую верфь закрыли, канал засыпали. В середине 1870-х гг. берег Невы был укреплён гранитной подпорной стенкой, устроен проезд и бульвар, территория, расположенная между крыльями Адмиралтейства, была разделена на семь участков и продана частным владельцам. В 1880 г. завершилось строительство первого дома с западной стороны (архитекторы А. К. Кракау и Л. И. Бенуа). Строительство всех домов было закончено в 1890-х гг.

Одним из самых известных петербургских памятников архитектуры тех лет является храм Воскресения Христова. Заложен он был 6 октября 1883 г. на берегу канала Грибоедова (бывшего Екатерининского). Ему предстояло подняться на месте, где революционеры убили императора Александра II. Поэтому и храм вскоре стали называть Спас на крови.

Конкурсы 1881-1882 гг., собравшие много именитых участников, показали, что «русско-византийский стиль» не проходит. Александр III рекомендовал обратиться к русским образцам XVII столетия и к архитектуре Ярославля и Москвы, построить храм «в чисто русском стиле». Среди многих видных архитекторов, участвовавших в конкурсах (Л. Н. Бенуа, А. И. Резанов, В. А. Шретер, Р. И. Кузьмин, А. М. Павлинов), получил одобрение проект И. В. Малышева и А. А. Парланда в краснокирпичном московско-ярославском стиле с использованием композиционных приёмов и форм храма Василия Блаженного в Москве и Владимирского собора в Киеве. В нишах цоколя установлены двадцать гранитных досок с высеченными на них надписями о выдающихся событиях царствования Александра II. Во внутренней отделке применены итальянские разноцветные мраморы и русские самоцветы. Над мозаикой и живописью работали художники В. М. Васнецов, М. В. Нестеров, А. П. Рябушкин, Н. А. Бруни и др. Храм был завершён в 1907 г. Он стал единственным в стране своеобразным музеем русского мозаичного искусства.

А. А. Парланд писал: «Задача состояла не только в изучении и разборе богатого материала, дошедшего до нас в памятниках старины, но, главным образом, в удачном выборе только тех приёмов и деталей, тех типично русских оттенков, представляющих собой как бы последний фазис развития стиля XVII в. Но этим ещё не исчерпывается задача зодчего, стремящегося соорудить постройку, которая производила бы впечатление естественного, нормального продолжения прерванного национально-художественного развития. Одно повторение, воспроизведение, хотя бы с величайшей верностью и точностью подходящих к задачам приёмов и деталей, было бы здесь не вполне уместным. Необходимо, чтобы чувствовалось, созерцалось, так сказать, это продолжение развития в художественно-национальном направлении, что может быть достигнуто лишь одним путём, а именно: дальнейшей разработкой избранных приёмов и деталей, стараясь приблизить их к идеалу совершенства». А. А. Парланд в определённой мере создавал собирательный образ русского храма.

Собор привлекает многочисленностью декора — фигурными наличниками, кокошниками, заполненными мозаичными вставками, поясками, изразцами, разноцветной черепицей. Особый интерес представляет покрытие пяти глав собора ювелирной эмалью площадью 1’000 квадратных метров. Применение эмали в таком объёме в истории русского зодчества уникально. Впервые широко применялось и наружное декорирование зданий мозаикой.

К зданию с западной стороны примыкает двухъярусная колокольня, которую от цоколя до карниза оформляют мозаичные гербы городов и губерний Российской империи. Завершает колокольню купол на высоком барабане.

С северо-запада и юго-запада к колокольне примыкают крыльца, оформляющие вход в храм. Крыльца идентичны, имеют шатровый верх, увенчанный двуглавым орлом. У подножия шатра — три яруса округлых кокошников с мозаичными тимпанами. Шатры и скаты покрыты разноцветной черепицей. По гребню скатов установлена медная позолочённая решётка с растительным орнаментом.

В целом декоративное убранство собора включает в себя черты, близкие к стилевым приёмам эклектики: повышенная декоративность, обилие и заметная измельчённость деталей, не связанные с конструктивной основой элементы композиции.

Разнообразие силуэта, игра живописных форм здания невольно выделяет его из классического ансамбля центра города, внося оживление в строгие, стройные, математически выверенные архитектурные формы классицизма.

В период царствования Александра III продолжались работы по преобразованию центра Москвы. Место площади постепенно заняла улица, система улиц и площадей. Вновь, как в классицизме, большое внимание уделяется ансамблю центра. В «русском стиле» реконструировалась система площадей, опоясывающих Кремль и Китай-город. Этапным событием в русской культуре явилось завершение строительства Исторического музея. Перед архитектором ставилась задача создать такое сооружение, которое бы образно выразило идею национальной самобытности русской культуры. Кроме того, само место, выделенное под строительство, вынуждало использовать в декоре мотивы стоящего напротив храма Василия Блаженного, что гармонировало бы с ансамблем Красной площади. Конкурс проектов выиграли архитектор В. О. Шервуд и инженер А. А Семёнов. 20 августа 1875 г. состоялась торжественная закладка здания Исторического музея, который открылся в 1883 г. В оформлении залов принимали участие въедающиеся русские художники В. М. Васнецов, И. К. Айвазовский и другие. Образ здания построен на идее воплощения исторической памяти, соблюдении принципов средневекового зодчества, созвучии силуэта и пластики стенам и башням Кремля.

К коронации Александра III в Москве 15 мая 1883 г. были реставрированы соборы Кремля и расписана стенною живописью Грановитая палата (1881), в том виде как она выглядела встарь при царе Алексее Михайловиче.

Принимается решение соорудить на Красной площади Верхние торговые ряды и Средние торговые ряды на месте прежних, перестроенных О. И. Бове после 1812 г. На проект Верхних торговых рядов был объявлен конкурс. Из 23 поданных предложений предпочтение было отдано проекту архитектора А. Н. Померанцева и инженера В. Г. Шухова, которые начали строительство в 1889 г. Совершенное для своего периода сооружение сочетало конструкцию из железа и стекла (перекрытия-дебаркадеры). Став неотъемлемой частью ансамбля Красной площади, здание развёрнуто параллельно Кремлёвской стене. Занимающие целый квартал ряды состоят из 3 протяжённых пассажей, в которых разместилось более тысячи магазинов.

Обе стороны каждой галереи на уровне второго этажа связывают лёгкие бетонные мостики. Новые материалы — бетон и металлические конструкции позволили возвести строение, во много раз превосходящее своими размерами петербургский Пассаж. Но, чтобы не нарушать ансамбль древней площади, фасад Торговых рядов также выполнили в русском стиле, основанном на мотивах зданий XVI—XVII столетий. Декоративная отделка напоминала старинные постройки Ростова Великого. Над центральной частью размещены 2 башни, повторяющие завершение здания Исторического музея. И это решение также было оправдано близостью ансамбля Кремля. Строительство было завершено в 1893 г. После 1917 г. в рядах размещались различные учреждения. По окончании реставрации в 1953 г. в здании открылся Государственный универсальный магазин (ныне АО ГУМ). Средние торговые ряды были возведены в 1889-1893 гг. по проекту архитектора Р. И. Клейна на месте старых, созданных О. И. Бове в 1815 г. и в целом повторяют их план. Выстроенное в форме каре здание расположено по периметру целого квартала (Москворецкий пр., улицы Варварка и Ильинка, Хрустальный пр.). Внутри каре размещаются 4 отдельных небольших корпуса. Протяжённые ряды по главному фасаду состоят из 2 как бы самостоятельных разновысоких зданий, что подчёркивает характер рельефа, сильно падающего к Москве. Более высокий корпус повторяет композицию Верхних торговых рядов — его средняя и боковые части выделены высокими кровлями. Объём низкого корпуса нейтрален и служит как бы фоном для стоящего напротив собора Василия Блаженного. В Средних торговых рядах находилось крупнейшее в России оптовое торговое заведение, отличавшееся высокой технической оснащённостью. После 1917 г. в помещениях Средних торговых рядов размещались различные учреждения.

Рядом с Историческим музеем в 1890-1892 гг. для размещения городской думы было сооружено здание в русском стиле по проекту архитектора Д. Н. Чичагова (276, т. 6, с. 247). В убранстве фасадов здесь широко использованы декоративные детали московского зодчества XVII в. С 1930-х гг. в здании размещался Музей В. И. Ленина. В настоящее время оно передано Историческому музею.

При Александре III московское купечество на свои пожертвования выстроило целый ряд университетских клиник на Девичьем поле. Тогда же в Белокаменной возводится множество уникальных зданий на частные средства. П. М. Третьяков, В. А. Бахрушин, С. И. Мамонтов, С. Т. Морозов — крупные меценаты, которым многим обязана русская культура конца XIX — начала XX в. На средства братьев Бахрушиных в городе построены и оборудованы Бахрушинская больница (открыта в 1887 г.), Дом призрения для неизлечимых больных в 1892 г., Дом бесплатных квартир для нуждающихся вдов и учащихся девиц в 1898 г., ремесленное училище для мальчиков и школа рукоделия для девочек. На принадлежавшей Бахрушиным земле в Москве построен театр Корша. Всего в 1892-1912 гг. Бахрушины пожертвовали городу 4 млн руб. Одним из оригинальнейших московских особняков считается дом А. А. Морозова на Воздвиженке, построенный в 1894-1899 гг. архитектором В. А. Мазыриным. Путешествуя по Португалии заказчик А. А. Морозов был покорён средневековым замком в Синтре. По возвращении в Москву он построил дом в испано-мавританском стиле. Выходящая на улицу часть украшена двумя башенками с затейлевой каменной резьбой, а к стенам прилепились высеченные из камня раковины. Сейчас в этом здании расположен Дом дружбы с народами зарубежных стран.

* * *

Облик многих городов России в то время стремительно менялся. Доходные дома занимали центральные улицы, вытесняя особняки. Театры, музеи, банки, пассажи (универсальные магазины) и вокзалы соперничали по размерам и обилию украшений с храмами и дворцами. Среди значимых построек 80—90-х гг. являются здания вокзалов в ряде городов, Театр оперы и балета в Одессе (1884-1887 гг., архитекторы Ф. Фельнер и Г. Гельмер) и Оперный театр в Киеве (архитектор В. А. Шретер).

Со временем критики стали осуждать эклектизм за его чрезмерное потакание вкусам заказчиков. «Архитектура, копирующая со старых образцов, — писал русский архитектор В. П. Стасов, —… архитектура ловких людей, навострившихся в классах и… отпускающих товар на аршин и фунт… Угодно — вот вам пять аршин «греческого классицизма», а нет — вот три с четвертью итальянского «ренессанса»… а не то хороший ломтик романского, шесть золотников готики, а то вот целый пуд русского».

Дальнейшие этапы развития архитектуры в России будут связаны с постепенным отказом от образного строя эклектики; однако завоевания профессионализма этой эпохи сохранят свою ценность и значение в деятельности архитекторов следующих поколений.

Эклектизм с его свободой выбора разнообразных архитектурных и орнаментальных мотивов оказал значительное влияние на становление изысканного, рафинированного модерна — стиля целостного, но черпающего из самых разных источников.

Глава двадцать третья ПОСЛЕДНИЕ ГОДЫ ЖИЗНИ АЛЕКСАНДРА III