«Три возраста женщины». Густав Климт
Дитя, молодая мать и старая женщина – вот три персонажа картины Климта «Три возраста женщины». Младенец заснул на груди матери, которая нежно прижимает его к себе. Их фигуры обернуты прозрачной тканью с зеленовато-синим и голубым узором. Может быть, эту вуаль вместе с благоуханием цветов принес весенний ветер?
Рядом, опустив голову, одиноко стоит старуха. Экспрессионистический гротескный стиль, в котором она изображена, контрастирует с мягкостью стилизованного облика молодой женщины. Ее фигура, показанная в профиль, никак не приукрашена и ничем не прикрыта, а седые волосы, дряблая кожа и раздутый живот вызывают самые разные чувства.
Какие же эмоции мы испытываем, глядя на это полотно? Умиление или грусть, сожаление или отвращение? Климт не дал нам никаких подсказок. Он вообще никогда не раскрывал своих замыслов, не вел дневников, не писал теоретических статей. Биографы приводят его слова, объясняющие эту позицию: «Тот, кто хочет что-то узнать обо мне как о художнике, должен внимательно смотреть на мои картины и увидеть в них, кто Я и что Я хочу сказать».
«Три возраста женщины». Густав Климт. 1905 год. Национальная галерея современного искусства, Рим, Италия
Как и все картины Климта, эта – необычна и загадочна. Манера художника изображать такие метаморфозы, как превращение тела в узор, а орнамента – в плоть, достигла здесь наибольшего мастерства. Невозможно сказать, где заканчиваются фигуры и начинается фон.
Бледно-голубой цвет, окутывающий мать и прильнувшее к ней дитя, сближает ее образ с Мадонной, которую часто изображали окруженной небесной лазурью. По контрасту красно-черный мозаичный орнамент вокруг фигуры старухи напоминает вид неба после Большого взрыва, когда пустоту Вселенной заполнили вновь рожденные галактики, а ее темноту осветили миллиарды звезд и планет. Так с помощью цвета Климту удалось объединить, казалось бы, несовместимое. Юность и зрелость у него окутаны цветом, символизирующим жизнь, тогда как фигура старости скоро распадется на множество атомов и станет частью Космоса.
Цветы
«Натюрморт в стеклянной вазе». Амброзиус Босхарт Старший
В 1600‑х годах голландцы стали ведущими садоводами Европы, а цветы превратились в их национальный фетиш. Амброзиус Босхарт Старший, фламандец по происхождению, считается родоначальником жанра цветочного натюрморта в Голландии. Он был основателем династии, члены которой – три его сына (Амброзиус Младший, Абрахам, Иоганнес) и муж его дочери Бальтазар ван дер Аст – продолжили его дело, не только почетное, но и очень прибыльное. Художники-флористы в XVII веке были одними из самых высокооплачиваемых. К примеру, в 1621 году Амброзиус Босхарт получил только за один свой цветочный натюрморт тысячу гульденов.
По меркам роскошных композиций, которыми известны фламандские мастера, букет на этой картине можно считать достаточно скромным. Он состоит всего из нескольких видов цветов, но их выбор делает его особенным. В центре композиции мы видим крупный желтый крокус. Чтобы подчеркнуть его значение, Босхарт не просто поместил этот скромный цветок среди роскошных роз, тюльпанов и ирисов, но и предоставил ему видное место на первом плане. Что же такого особенного увидел художник в простом луговом цветке?
Крокус издревле был известен как лекарственное растение. Но не все знают, что у него есть и еще одно значение. Об этом рассказывает красивая легенда.
«Натюрморт в стеклянной вазе». Амброзиус Босхарт Старший. Около 1620 года. Лувр, Париж, Франция
Во времена императора Клавдия в Древнем Риме жил священник и врач по имени Валентин. Когда у Клавдия возникли проблемы с набором новых солдат в армию, он решил, что мужчины не хотят идти воевать, потому что слишком привязаны к своим семьям. Поэтому он приказал запретить свадьбы. Тогда Валентин начал тайно соединять браком влюбленные пары. Слава о его доброте и таланте целителя разнеслась между людьми. Однажды в его дверь постучал римский воин, который привел свою слепую дочь. Узнав о чудесном даре Валентина, он умолял излечить ее от слепоты, чтобы она могла выйти замуж за любимого человека. Валентин не смог отказать влюбленной девушке.
Увы, в это время до императора дошли слухи о тайных брачных церемониях, которые проводил священник. Его схватили и кинули в тюрьму, а все его лекарства уничтожили. Отец девушки хотел освободить Валентина и для этого даже стал его тюремщиком, но, увы, побег не удался. Валентина казнили в тот же день, но он успел передать своей пациентке цветок крокуса и записку, в которой была всего одна фраза «От твоего Валентина». Когда девушка взяла цветок и растерла его лепестки между ладонями, случилось чудо – она прозрела.
Так крокус стал считаться цветком – покровителем влюбленных, а в день казни священника – 14 февраля – начали отмечать День Святого Валентина.
Знал ли эту легенду Босхарт, нам неизвестно. Но крокус наверняка много для него значил, раз именно его он выбрал для одной из своих великолепных работ.
«Цветы в деревянном вазоне». Ян Брейгель Старший
В XVII веке, когда цветоводство еще только начало развиваться, живые цветы считались редкостью и ценились наравне с экзотическим фарфором или камеями. Помочь удовлетворить спрос на букеты, особенно в зимнее время, помогали живописцы, освоившие новый вид натюрмортов – цветочный. Ян Брейгель Старший, как следует из его прозвища Цветочный, был специалистом именно в этой области.
«Цветы в деревянном вазоне» – один из 16 известных нам «больших букетов», созданных художником. Он был написан по заказу губернатора Испанских Нидерландов Альбрехта VII и совмещал искусство и своего рода научное исследование, изображая 130 видов цветов и растений. Сочетание в одном букете как привычных, так и необыкновенных редких видов, было непростой задачей. Для работы художнику, жившему в Антверпене, приходилось специально ездить в ботанический сад эрцгерцогов в Брюсселе. Естественно, что писать там с натуры он мог лишь весной и летом, поэтому обычно Брейгель задумывал и начинал несколько работ одновременно.
Этот натюрморт, таким образом, тесно связан с другими цветочными композициями художника, которые могли быть созданы в то же время. В своих письмах Брейгель утверждал, что все букеты были написаны им с натуры и без помощников. Он действительно делал эскизы для многих своих картин в оранжереях сада, но также использовал в качестве моделей уже существующие цветочные натюрморты и ботанические гравюры.
«Цветы в деревянном вазоне». Ян Брейгель Старший (Бархатный, Цветочный).1607 год. Художественно-исторический музей, Вена, Австрия
Брейгель всегда стремился к ботанической точности и эстетической изысканности изображения. Благодаря своему выдающемуся техническому мастерству ему удавалась виртуозная передача оттенков цвета, нежной текстуры бархатистых и шелковистых лепестков, мельчайших деталей строения каждого цветка. Однако, несмотря на тщательную прорисовку всех элементов, эта композиция, собранная из цветов, растущих в разных регионах и цветущих в разное время, остается плодом воображения и творческой фантазии художника. В действительности она никак не могла существовать еще и потому, что не подчиняется законам гравитации: самые крупные и тяжелые цветы возвышаются над более мелкими, а их стебли часто слишком тонкие, чтобы удержать тяжелые головки. Собери мы такой букет, он бы не мог стоять вертикально. Но, по всей вероятности, ни для художника, ни для заказчика реализм не являлся определяющим.
Как и большинство голландских натюрмортов времен Реформации, этот кроме научной и эстетической ценности несет и определенное религиозное послание. Роскошный букет – это одновременно гимн разнообразию и красоте жизни и рассказ о ее недолговечности. Вот несколько цветов упали и увядают, а рядом с вазоном изображена бабочка, которая в христианской символике является аллегорией воскресения и спасения души. Картина напоминает зрителю о бренности всего живущего и в то же время дает надежду на то, что, в отличие от физического тела, душа будет жить вечно.
«Кувшинки». Клод Моне
Цикл «Кувшинки» был создан в поместье Клода Моне в деревне Живерни недалеко от Парижа. В 1883 году художник впервые посетил это место и был настолько очарован, что решил снять там дом, а в 1890 году стал его хозяином. Поселившись в Живерни, Моне занялся устройством цветника, сада и пруда, который решил украсить плавающими на его глади нимфеями или кувшинками с крупными листьями и цветами. Всеобщее увлечение Востоком повлияло на решение Моне выписать цветы из Египта, что вызвало конфликт с местными властями и соседями, которые боялись, что экзотические растения отравят воду в окрестных водоемах.
Моне обожал свой сад, бесконечно его переделывал, добиваясь все новых необыкновенных и вдохновляющих видов, создавая идеальное место для работы и размышлений. В 1899 году он построил японский мостик, который стал важной деталью ландшафта. Не без доли кокетства стареющий мэтр заявлял, что он не годен ни на что, кроме рисования и садоводства.
Цикл «Кувшинки», Клод Моне, 1897–1926 годы «Водяные лилии в розовом». Национальная галерея современного искусства, Рим, Италия
В своем поместье Моне прожил до конца жизни, запечатлев его на многочисленных картинах. В течение 30 лет он работал в разное время суток и при любых погодных условиях, создав примерно двести пятьдесят «водяных пейзажей», которые позднее были объединены в цикл «Кувшинки», или «Водяные лилии».
Цикл «Кувшинки», Клод Моне, 1897–1926 годы «Водяные лилии и японский мост». Художественный музей Принстонского университета, Принстон, Нью-Джерси, США