«Подсолнухи». Ван Гог. 1888 год. Лондонская национальная галерея, Лондон, Великобритания
Гоген приехал в Арль в октябре 1888 года, а в ноябре создал портрет Ван Гога, на котором тот пишет подсолнухи. Действительно ли Ван Гог писал подсолнухи, пока Гоген работал над его портретом? Конечно, нет, это случилось гораздо раньше, еще в августе, да и где бы он взял цветущие подсолнухи зимой? Но Гогена это не смущало, он любил писать картины, используя воображение. А вот наблюдать Винсента за работой ему приходилось не раз и не два, и он точно воспроизвел его позу и душевное состояние.
«Портрет Ван Гога, рисующего Подсолнухи». Поль Гоген. 1888 год. Музей Ван Гога, Амстердам, Нидерланды
Художник изображает Винсента сосредоточенным, страстным, наэлектризованным, с головой ушедшим в творческий процесс. Гоген сдвигает его фигуру к правому краю, а холст, на котором тот пишет, и цветы – к левому, так, что ни один предмет не находится в середине картины, все раздвинуто по краям. Через центр полотна протянута лишь правая рука Ван Гога, держащая кисть. Именно эта пишущая рука – истинный герой картины, потому что перед нами не просто портрет Винсента Ван Гога, а портрет художника. Показывая Винсента, рисующего подсолнухи, Гоген прославляет своего друга и шедевры, которые он создавал.
«Маркиза де Помпадур». Франсуа Буше, Чарльз Ван Лоо
На этом, очень камерном, даже интимном, портрете Франсуа Буше изображена Жанна-Антуанетта Пуассон (1721–1764), ставшая в 1745 году официальной фавориткой короля Людовика XV – всесильной маркизой де Помпадур. Ей 29 лет, что по меркам XVIII века было не слишком юным возрастом, однако она все еще свежа и прекрасна. На картине пойман момент, когда маркиза, оторвав взгляд от зеркала, с нежной улыбкой смотрит на зрителя, под которым, конечно, подразумевался Его Величество король.
Франсуа Буше был известнейшим художником своего времени. Он являлся директором королевской гобеленовой мануфактуры, профессором Академии художеств, ему поручали росписи Версальского дворца и заслуженно называли первым живописцем короля. И хотя Буше не был портретистом, конечно, он не мог отказать всесильной фаворитке, и в течение 1750–1759 годов создал семь ее портретов.
Маркиза де Помпадур». Франсуа Буше.1750 год. Гарвардский художественный музей, Кембридж, Массачусетс, США
Прекрасный и тонкий колорист, Буше использует для этой работы свою излюбленную серебристо-перламутровую гамму. Прелестное домашнее платье и накидка маркизы прекрасно сочетаются с ее напудренными волосами, а коралловые ленты подчеркивают цвет ее губ и яркий румянец щек. Единственным предметом туалета, который выбивается из этой гаммы, является ярко-синий цветок, украшающий ее прическу. Интересно отметить, что на портрете маркизы, созданном через пять лет художником Чарльзом Ван Лоо, мы увидим те же самые цветы у нее в волосах.
«Маркиза Помпадур в образе прекрасной садовницы». Чарльз Ван Лоо 1754–1755 годы. Дворец Версаль, Версаль, Франция
Этот цветок – барвинок. Не все слышали о скромном растении, однако цветы барвинка играли важную роль в искусстве как символ вечной любви и верности. Например, в пьесе Уильяма Шекспира «Гамлет» Офелия дарит Гамлету букет цветов, в который входит барвинок, что говорит о ее безмерной и непоколебимой любовь к нему.
По легенде, эти свойства барвинок буквально выпросил у богини весны Флоры. Однажды в тиши леса Флора любовалась на свои любимые цветы – фиалки. Вдруг она услышала какой-то шум. Это плакал маленький безымянный цветок. Он обратился в Флоре и сказал: «Чем я хуже фиалки? Почему все любят ее и ищут, а меня не знают, как и назвать?» Выслушала его Флора и спросила, чего же он хочет? «Сделай меня ярче и крупнее фиалки, и пусть мои цветы не увядают, тогда как ее отцветают за несколько дней! И дай мне красивое имя!»
Исполнила богиня просьбы цветка. Его лепестки стали большими и такими синими, как небо, и цветет он с ранней весны до заморозков. А название она ему дала Pervinca или Vinca, что в переводе с латыни означает «побеждающий», и стал он символом всего прочного и вечного.
Так Франсуа Буше использовал язык цветов, чтобы король каждый раз, глядя на портрет своей возлюбленной, получал от нее признание в любви.
«Аврора и Тифон». Себастьяно Риччи
Эта картина посвящена богине Авроре, которой в древнегреческом пантеоне соответствовала Эос – богиня утренней зари, сестра Солнца-Гелиоса и Луны-Селены. В начале каждого дня она поднималась в небо и рассеивала ночную тьму. Эос-Аврора была настолько прекрасной, что ее красоту воспевали великие поэты древности Гомер и Сапфо, посвятившая ей отдельную поэму.
Считается, что Эос-Аврора являлась прототипом богини любви Афродиты. Обе красавицы отличалась любвеобильностью, и их атрибутом были розы. В гомеровской поэзии богиня зари получила эпитет rhododaktulos, что означает «розовоперстая». Поэтому, в отличие от богини любви, которая предпочитала белые цветы, излюбленным цветом Авроры был розовый.
Именно этот цвет преобладает на картине художника венецианской школы Себастьяно Риччи. Стиль Риччи находится на стыке позднего барокко и рококо. Поэтому его работы, с одной стороны, обладают энергичностью, выразительностью и резкой светотенью, унаследованными от Караваджо, а с другой – в них уже появляется чувственность, кокетство и краски, характерные для нового галантного стиля.
Тона розового, от насыщенного карминного до бледно-персикового, заливают фигуру нежно-румяной Авроры-Эос с головы до ног. Художник особенно подчеркнул ее розовые персты-пальцы, которыми она едва касается великолепного цветка, чья окраска оттенка парнасской розы олицетворяет восходящее солнце, сопровождающее богиню зари в момент, когда она плавно поднимается из-за горизонта.
«Аврора и Тифон». Себастьяно Риччи. XVII век. Национальный музей изящных искусств, Буэнос-Айрес, Аргентина
Свежая красота Авроры, которой восхищались художники всех времен, сочетается с ее чувственностью. Себастьяно Риччи на своем полотне иллюстрирует один из ее романов, который подробно описала Сапфо в поэме «Тифон и Аврора».
Однажды богиня увидела смертного юношу – троянского царевича Тифона, влюбилась в него и сделала его своим супругом. Она умоляла Зевса даровать ему бессмертие, но, увы, забыла попросить для него еще и вечную молодость, чем обрекла на бесконечную старость. Прошли годы, Тифон состарился, а Аврора оставалась все такой же молодой и прекрасной. На картине юная богиня танцует перед спящим стариком. С помощью путти она пытается разбудить Тифона, возродить его интерес к жизни. Напрасно один из путти звонит в колокольчик, а другой демонстрирует ему великолепный цветочный венок. Но Аврора не теряет надежды и приготовила для мужа особый дар – свою любимую благоухающую розу как напоминание об их пылкой любви. Она надеется, что, когда он вдохнет ее аромат, его чувства вновь оживут и страсть вспыхнет с новой силой.
«Мадонна лилий». Альфонс Муха
Изображения цветов лилии встречаются в иконографии с древнейших времен. Для мастеров разных культур, вероисповеданий и стилей они служили и украшением, и эмблемой власти, и религиозным символом.
Одной из основных особенностей стиля модерн, получившего популярность на рубеже XIX–XX веков, был культ растительных форм. Художники этого направления отдавали предпочтение изысканным цветам – лилиям, ирисам и орхидеям. При этом они часто изображали цветы условно, не следуя ботанической точности. Отступая от правдоподобности в линиях, цвете и фактуре цветов, они тем не менее сохраняли их символические значения.
«Мадонна лилий». Альфонс Муха. 1905 год. Фонд Альфонса Мухи, Прага, Чехия
Это нежное и возвышенное изображение Мадонны было создано одним из ярких представителей модерна Альфонсом Мухой для украшения церкви Девы Марии в Иерусалиме. Ее большой размер (247 см в длину и 182 см в ширину) объясняется тем, что первоначально это был эскиз фрески. В результате эта картина оказалась единственной завершенной работой, так как заказ на оформление церкви, который художник получил в 1902 году, позже был отменен.
Муха видел свою Мадонну в образе Purissima (в переводе с лат. – «чистейшая»), то есть Пречистой Девы. Именно поэтому он поместил ее среди прекрасных цветов лилий, чье древнейшее и до сих пор сохранившееся в христианской иконографии значение – чистота и целомудрие Мадонны. Каждая часть цветка является воплощением одного из ее качеств: высокий прямой стебель – это божественный ум, несколько цветков на стебле – бессмертие, белый цвет – чистота, листья – скромность.
Муха окружил Деву пышными зарослями белых лилий, которые, подобно звездам на небосводе, выступают из голубой дымки. Ее рассыпанные по плечам золотые волосы сочетаются с переливчатым зеленовато-розовым цветом платья, а выражение ее нежного лица задумчивое и отрешенное.
На этом полотне Мадонна является маленькой девочке. Прикрыв глаза, она молится за малышку и оберегает ее, окутывая ей плечи своим полупрозрачным невесомым покрывалом.
Девочка на картине застигнута видением в то время, как она плетет венок из плюща. В христианском искусстве плющ олицетворяет преданность, в также вечную жизнь. Таким образом, она посвящает свою жизнь служению Деве Марии, которая, со своей стороны, обещает бессмертие ее невинной душе.
Яблоко
«Геракл в саду Гесперид». Джованни Антонио Пеллегрини
Самыми знаменитыми яблоками в античной мифологии, без сомнения, были золотые, даровавшие вечную молодость и красоту. Богиня Гера получила их в подарок на свадьбу от богини земли Геи. Она посадила яблоню с волшебными яблоками в саду на самом краю земли, на склонах Атласских гор. Этот сад был окружен высокой стеной, его охранял огнедышащий стоглавый дракон Ладон, а ухаживали за деревом нимфы Геспериды. Туда и должен был попасть Геракл, когда царь Эврисфей приказал ему добыть для него золотые плоды.