десь мастерские витража, текстильного и переплетного дела, создаст несколько теоретических работ, которые выйдут в серии «Книги Баухауса» и вырастит несколько поколений художников-ремесленников, у которых от Клее будет одно важное умение: не повторять слепо своего учителя, а иметь мужество быть свободными.
Когда Пауль Клее отправился в Тунис, ему было 35 лет, он интересовался кубизмом, увлекался графикой, был членом художественного объединения «Синий всадник». Вместе с ним в Африку поехали двое друзей-художников Август Маке и Луи Муайе. И спустя несколько десятилетий искусствоведы назовут это африканское путешествие началом модернизма.
«Цвет овладел мной. Мне не нужно больше гнаться за ним. Я и цвет – одно. Я художник», – записал в дневнике Клее, стоя у ворот исламского квартала города Кайруана. И он не преувеличивал. Африка звучит, а музыкант Клее слушает: шум голосов, крики животных, мелодии местных напевов. Африка пахнет, а Клее вдыхает: запахи пряностей, тканей, раскаленных камней, моря, города. Африка сияет на солнце, а Клее смотрит: на узорчатые окна, двери, купола Хаммамета, на кактусы и камыши, на буйные сады. Здесь он понимает, как писать объекты, не прибегая к передаче их формы. И понимает, что должен писать запахи, цвета и звуки – чувства, испытанные в Африке, а не пейзажи и местных жителей.
Из этой двухнедельной поездки он привозит 35 акварелей, 13 рисунков и новое понимание живописи. Всю жизнь он будет возвращаться к африканским впечатлениям и напишет больше 20 картин, связанных с Тунисом. Эти воспоминания не меркнут – они становятся частью его художнического озарения, бесконечным топливом для новых открытий. Фигуры и объекты превращаются на картинах Клее в новую африканскую тайну, новое иероглифическое письмо, новые знаки, новый Розеттский камень живописи, который никто не расшифрует. Даже гениальный лингвист.
Вряд ли Пауль Клее предполагал и формулировал все те смыслы, которыми обросла за несколько десятков лет его картина «Ангелус Новус». И вряд ли еще какая-либо из картин Клее получила такой глубокий философский и культурологический фидбек сразу от нескольких своих обладателей. В этом весь Клее – из одной точки на холсте он запускает жить целый мир, который в дальнейшем больше не нуждается в его руководстве и фантазии, а живет сам по себе, по внутренним, заложенным в него законам. То, что произошло дальше, Паулю Клее понравилось бы.
Говорят, что Вальтер Беньямин, немецкий еврей и философ, никогда не расставался с этой акварелью, которую купил у художника в 1921 году, сразу же после создания. После 12 лет ежедневного созерцания он написал об этой картине мистическое произведение «Агесилаус Сантандер» и постоянно держал ее перед глазами как ключевой образ для размышлений и ориентир в духовных поисках. Это Беньямин назвал когтистолапого ангела Клее Ангелом истории и в одной из своих главных книг описал его движение через страшные и сильнейшие метафоры: «У Клее есть картина под названием Angelus Novus. На ней изображен ангел, выглядящий так, словно он готовится расстаться с чем-то, на что пристально смотрит. Глаза его широко раскрыты, рот округлен, а крылья расправлены. Так должен выглядеть Ангел истории. Его лик обращен к прошлому. Там, где для нас – цепочка предстоящих событий, там он видит сплошную катастрофу, непрестанно громоздящую руины над руинами и сваливающую все это к его ногам. Он бы и остался, чтобы поднять мертвых и слепить обломки. Но шквальный ветер, несущийся из рая, наполняет его крылья с такой силой, что он уже не может их сложить. Ветер неудержимо несет его в будущее, к которому он обращен спиной, в то время как гора обломков перед ним поднимается к небу. То, что мы называем прогрессом, и есть этот шквал».
После того как в 1940 году Вальтер Беньямин покончил с собой в небольшом отеле, получив отказ в пересечении границы и потеряв надежду эмигрировать из оккупированной фашистами Франции, его Angelus Novus нашел другой дом, но еще пока не известность. Новым владельцем картины стал друг Беньямина Теодор Адорно, а позже – еще один его друг, один из самых известных евреев-философов, исследователь Каббалы и почетный доктор многих университетов мира Гершом Шолем. До самой смерти Шолема в 1982 году, целых 62 года после создания, картину не мог видеть практически никто.
Пауль Клее практически никогда не писал чистые абстракции. Ему важно было раскрутить даже самое условное и декоративное изображение до метафизических смыслов. Название было его дополнительным художественным приемом. Ученики вспоминали, что уже написанные картины могли месяцами стоять в мастерской Клее, расставленные у стен, пока для них не находилось ассоциация, точная эмоция, пока не случалась вспышка озарения нужными словами – и тогда появлялось название. Только после этого картину можно было считать законченной.
Музыканта Клее захватывала архитектура, в ней он чувствовал и слышал ритм, он наверняка смог бы сыграть на скрипке самые любимые свои здания. И именно ритм рождает эту сетчатую, строгую технику заполнения квадратов разными красками. По признанию самого Клее, этот художественный метод – очередной творческий квест и головоломка, какими он любил развлекаться: «…я пытался добиться максимально возможного движения с наименьшими средствами (экономия средств, полученных повторением ограниченного числа простых структурных единиц)».
Клее расколдовывает архитектуру, она уже больше не застывшая музыка – она движется и поет. Картины Клее – это ощущение города, ощущение улицы. Это категорическая противоположность пленэрной живописи, изучающей тонкости пейзажа, это впечатление от движения сквозь улицу, когда не смотришь специально на особенности архитектуры, световые потоки или детали. Ты сам – часть этого городского пейзажа, ты сам уловитель светового потока. И поэтому можешь даже посмотреть на все сразу с нескольких точек зрения. Например, увидеть дом изнутри и снаружи, а улицы – сверху и сбоку.
Все ранние коллекционеры Клее, покупавшие картины у художника, были слегка одержимыми. Кто чем. И совсем не удивительно, что Richard Doetsch-Benziger до того, как начать собирать Клее, коллекционировал старинные книги. Он наверняка почувствовал в художнике летописца чего-то ужасно далекого, то ли прошлого, то ли будущего.
В 2011 году картина «Городской замок» стала самой дорогой работой Клее, проданной с аукциона в частную коллекцию. Ее стоимость составила 4 млн 252 тыс. долларов.
В начале 1930-х Пауль Клее ушел из Баухауса, не дожидаясь его скорого закрытия. Чтобы совсем ненадолго стать профессором Дюссельдорфской академии, встретить в своей мастерской людей с оружием, которые пришли проводить обыск и в итоге изгнали опасного художника из академии, из города и из страны. В Швейцарии, куда уехал Клее, художественной жизни практически не было, его коллеги в основном эмигрировали в Америку, некоторые – в Советский Союз. У Клее не было больше собственной мастерской, но она ему никогда по большому счету и не была нужна.
Он мечтал когда-нибудь вырастить произведение искусства как растение. Он умел разговаривать со змеями, и они его слушались. Он мог, гуляя по парку, чувствовать себя частью вселенной, как лист или кошка. Он оставался человеком без земного гражданства, кораблем без якоря и получил гражданство Швейцарии только через неделю после смерти. Но тогда Клее уже был далеко от Швейцарии.
Василий Кандинский: художник, который слышал цвета
О жизни и творчестве Василия Кандинского можно снять фильм любого жанра: в ней есть все признаки детектива, мистического триллера, мелодрамы и даже комедии. Если не знать, что речь идет об одном человеке, можно подумать, будто в биографии описывается сразу несколько персонажей: исследователь, молодой юрист и доцент, начинающий художник, первооткрыватель в искусстве, чиновник в революционной России, преподаватель в школе Баухаус, французский пенсионер.
Фамилия Кандинского происходит от названия речки Конда в Тобольской губернии, где жил его прадед, который был очень колоритным человеком: грабил караваны на Великом шелковом пути, а после того как его поймали, в ссылке организовал свое дело и стал купцом первой гильдии.
На характер и мировосприятие художника повлияли разные темпераменты его родителей: мама была прибалтийской немкой, а отец – родом из Восточной Сибири, потомок того самого разбойника. С одной стороны, Василий Кандинский был жгучим скифом, с другой – истинным европейцем, который поражал своими манерами окружающих. Он относился к искусству как к религии и всегда в мастерской был одет в изящный костюм с галстуком.
Тяга к творчеству у Василия Кандинского проявилась очень рано. В 1871 году его семья из Москвы перебралась в Одессу, там будущий мастер получил начальное образование. Он учился в гимназии, брал частные уроки игры на виолончели и фортепиано, занимался живописью, и уже тогда педагогов удивляли смелые сочетания цветов в его рисунках, он утверждал, что каждый цвет имеет свой характер.
Кандинский страдал от синестезии. Хотя все же «страдал» – неподходящее слово в отношении художника, можно даже сказать, что он ею наслаждался. Синестезию определяют как «явление восприятия, при котором раздражение одного органа чувств наряду со специфическими для него ощущениями вызывает и ощущения, соответствующие другому органу чувств». Проще говоря, такие люди, как Кандинский, могут в прямом смысле слышать цвета или видеть музыку. Синестезия проявляется у одного человека из двух тысяч, и часто она «поражает» именно творческих людей, к примеру, английского художника Дэвида Хокни или музыкантов Дюка Эллингтона и Билли Джоэла.