Визуальные триггеры
ЧАСТЬ, В КОТОРОЙ МЫ ОСОЗНАЕМ ЦЕННОСТЬ ПРОСТРАНСТВА, ДАЮЩЕГО НАМ РЕСУРСЫ, И НАУЧИМСЯ СУБЛИМИРОВАТЬ ОСОЗНАННО
Большую часть информации о мире мы получаем посредством зрения. Оно помогает нам оценивать окружающую обстановку и других людей. Безусловно, визуальные образы способны оказывать на нас сильное воздействие. Но вот какое?
Глава 1Во власти искусства
Начнем с такой обширной сферы визуальных триггеров, как искусство. Различные исследования доказывают, что оно улучшает работу нашего мозга и способствует излечению от травм и некоторых заболеваний. Так, наверное, многие люди согласятся с тем, что поход в художественную галерею порой снимает стресс, наполняет нас энергией или приводит к катарсису…
Психографика и нейроэстетика
Люди научились рисовать еще в глубокой древности: в наскальных изображениях они отражали сцены из своей немудреной жизни – охоту, домашний быт… С течением времени образы становились все более сложными, объемными, все полнее отображали реальную действительность.
Московский художник Юрий Лушниченко вводит термин «психографика» и определяет его как «науку об историческом фиксировании человеком процесса своего социального становления через изображение реальности, графическое „отчерчивание“ как чувственных, так и понятийных форм отражения субъективной реальности».
Лушниченко считает, что первобытные художники в своей живописи фиксировали подсознательные образы архетипического характера. Моделируя эти образы, можно гармонизировать отношения человека с природой и окружающим миром и таким образом «кодировать» себя на здоровье, удачу и т. д. Для этого можно использовать специальные матрицы – интегральные проекции визуальных архетипов, созданные компьютерными программами… А кто не слышал о «лечебных» и «проклятых» картинах, иные из которых нарисованы знаменитыми художниками?
Около 15 лет назад сотрудник лондонского Университетского колледжа Семир Зеки заложил основы новой научной дисциплины – нейроэстетики. Ее цель в том, чтобы разобраться в нейрофизиологических механизмах нашего восприятия произведений искусства. Например, выяснить, почему одни люди любят художников Возрождения, другие – импрессионистов, третьи – реалистов, а четвертые – абстрактную живопись.
Так, сотрудница Бостонского колледжа Анджелина Холи-Долан провела эксперимент, в ходе которого участникам предлагалось рассмотреть картины, написанные художниками-абстракционистами, художниками-любителями, а также детские рисунки и мазню из красок, оставленную на бумаге животными, скажем, шимпанзе, и высказать свои предпочтения… При этом только две трети произведений были снабжены табличками с надписями, а некоторые подписи были нарочито ложными. Допустим, шедевры знаменитых художников в стиле абстракционизма выдавались за творения обезьян…
Однако выяснилось, что добровольцы выбирали по большей части именно произведения известных живописцев, даже если те были подписаны неверно. Правда, объяснить причину своего выбора они не могли. Так что, вопреки распространенному мнению, абстрактные шедевры не являются просто мазней: в хаотичном, на первый взгляд, нагромождении образов, безусловно, заключен некий смысл, подсознательно улавливаемый нашим мозгом…
Кроме того, зрители опознавали в «размазанных» образах конкретные формы. Когда же в порядке эксперимента им демонстрировали изображения, составленные из элементов разных картин, наряду с оригиналами, то оригиналы пользовались большей популярностью, даже если испытуемые не были знакомы с творчеством этих художников.
Исследователи также обнаружили во многих произведениях корифеев живописи элементы так называемых фрактальных узоров, т. е. одних и тех же мотивов, повторяющихся на полотне в различных масштабах. По-видимому, они призваны воздействовать на мозг, усиливая степень восприятия заложенной в картину информации…
Недавно появился проект StyleGAN2, представляющий собой виртуальную нейронную сеть, способную самостоятельно создавать произведения живописи. Изначально она предназначалась для генерации человеческих лиц, которые были бы неотличимы от настоящих. Но позже в экспериментальных целях ее обучили генерировать изображения, относящиеся к разным художественным стилям: в частности, экспрессионизму, сюрреализму, абстракционизму, кубизму и т. д. Хотя для примера брались уже известные картины, в итоге сеть научилась создавать уже новые уникальные произведения в указанных жанрах. Была создана целая виртуальная галерея таких картин, которую курирует еще одна нейросеть, отвечающая за поиск по словам в «Яндекс. Картинках». С ее помощью удалось отобрать для экспозиции из сотен тысяч сгенерированных изображений те, что наиболее соответствуют заданным темам. Всего были отобраны четыре масштабные темы: «Люди», «Природа», «Город» и «Настроение». Кстати, названия напрямую указывают на происхождение этих образов: «Нейровесна», «Нейротуман над рекой», «Нейроархитектура», «Нейролюди в парке», «Нейроодиночество» и даже «Нейрокарантин».
У композиции свои законы
Нельзя сбрасывать со счетов и композицию. Ведь восприятие картины во многом зависит от того, как она «построена».
Основные законы художественной композиции были некогда сформулированы известным советским художником-графиком и педагогом Е. А. Кибриком.
Закон целостности. Вкратце он подразумевает нахождение художником так называемой конструктивной идеи, способной объединить все компоненты произведения в единое целое, причем все они должны сочетаться между собой и должен присутствовать некий центральный элемент, которому подчиняются второстепенные детали (сюжетно-композиционный центр).
Закон контрастов. Изображенные объекты не должны сливаться с фоном, они могут выделяться тоном, цветом, линиями, формой, размером и т. п. Допустимы контрасты, связанные с идеями, сюжетами. Леонардо да Винчи в своем «Трактате о живописи» писал о контрастах величин (например, сочетании высокого и низкого, толстого и тонкого), а также о контрастах характеров, фактур, материалов. В свою очередь, Микеланджело уделял значительное внимание контрастам объема и плоскости. Фигуры на его творениях смотрятся более объемными за счет плоскости. Многие художники добивались контрастности, изображая светлые фигуры на темном фоне, или наоборот. Такой прием использовал Рембрандт в своей картине «Возвращение блудного сына». А у Валентина Серова смуглолицая «Девочка с персиками» изображена на фоне светлого окна.
Закон новизны. Это попытка по-новому взглянуть на обычные, казалось бы, предметы и явления, увидеть в них некие скрытые смыслы. Новизна может относиться и к теме произведения, и к художественным средствам, и к композиционным решениям. Это, собственно, все то, чем занимается современное искусство, в котором поиск новизны часто становится самоцелью и основным критерием.
Закон подчиненности всех средств композиции идейному замыслу. Он требует, чтобы все части и детали произведения подчинялись идейному содержанию. Это относится и к соотношению форм, размеров и объемов, и к цветовым и световым решениям, и к передаче ритма, пластики, движения или состояния покоя, а также к симметрии или асимметрии композиции. Считается, что в соответствии с этим законом выстроены такие известные художественные произведения, как «Свобода, ведущая народ» Э. Делакруа, «Арест пропагандиста» И. Е. Репина, «Тачанка» М. Б. Грекова, «Оборона Севастополя» А. А. Дейнеки.
Магия «золотого сечения»
Мы знаем, что в древности практически любой объект в области искусства, скульптуры, архитектуры создавался по принципам так называемого «золотого сечения». Так называется соотношение двух величин, при котором большая величина относится к меньшей так же, как сумма величин к большей. То есть большая величина a относится к меньшей величине b так же, как сумма величин a+b относится к большей величине a. Не будем загружать читателя математическими подробностями, отметим лишь, что традиционно под «золотым сечением» понимают деление какой-либо величины в соотношении 62 % на 38 %. Обычно это число обозначается прописной греческой буквой Φ (фи) – в честь древнегреческого скульптора и архитектора Фидия, который также использовал в своих работах эти пропорции. Мы встречаем их также в строении древнеегипетской пирамиды Хеопса, различных храмов, барельефов, гробниц.
Эта традиция «перекочевала» и в более поздние эпохи. Пропорции «золотого сечения» активно применяли художники Возрождения начиная с Леонардо да Винчи. А его современник и друг Лука Пачоли усматривал в таком соотношении «Божественную суть», выражающую триединство Бога Отца, Сына и Святого Духа.
Но откуда вообще взялась эта пропорция, что в ней такого особенного?
По мнению некоторых исследователей, изначально пропорциям «золотого сечения» соответствовали параметры живых систем: например, строение тела человека и животных. Хотя в процессе эволюции «архитектура» организмов несколько изменилась. Также эти соотношения встречаются в спиральных структурах и параметрах биоритмов.
В античных источниках мы впервые читаем о таком способе деления отрезка у Евклида в «Началах» (ок. 300 лет до нашей эры.), где древнегреческий математик этот прием использует для построения правильного пятиугольника. Однако сам термин «золотое сечение» появился, по-видимому, значительно позднее. Некоторые исследователи приписывают его Леонардо да Винчи (XV век) или относят его к XVI веку. Но самое раннее документальное упоминание зафиксировано в 1835 году в примечании ко второму изданию книги Мартина Ома «Чистая элементарная математика». Правда, автор утверждает, что термин Goldener Schnitt придумали до него. Исследователь Марио Ливио полагает, что выражение «золотое сечение» получило популярность в устной традиции где-то в году в 1830-м.
Можно прийти к заключению, что «золотое сечение» – это некий эталон мировой гармонии. Возможно, мы с восхищением отмечаем и считаем шедеврами именно те работы, которые созданы в соответствии с этим принципом. Если же такие пропорции не соблюдаются, мы можем бессознательно это чувствовать. И это может влиять на восприятие нами тех или иных визуальных объектов.