Во второй половине этого десятилетия откровенная женственность сочеталась с выразительными геометрическими формами, часто созданными из тафты, как в этом платье-пузыре с треном от Мэгги Руфф 1958 года.
Дизайнеры: Франция
К 1950 году Кристиан Диор был самым известным дизайнером в мире. Vogue написал в том году: «Диор — это динамичный метеор-шоумен высокой моды. Во всех его коллекциях есть что-то сенсационное и — что важно — нечто, предопределяющее модный тренд»[62]. Показы Диора широко освещали в прессе, и его модели задавали тон в массовой моде. При этом сам застенчивый и склонный к уединению Диор вел тихую жизнь и не вписывался в образ экстравагантного дизайнера.
Добившийся огромного финансового успеха Диор и его бизнес составляли впечатляющий процент доходов французской модной индустрии. Соглашений о лицензировании становилось все больше, и он предлагал широкий ассортимент аксессуаров, включая линии обуви в сотрудничестве с дизайнерами Роже Вивье и Эрбером Дельманом. Меховой салон марки открылся в 1951 году. Диор развил беспрецедентную систему распространения его товаров по миру. После открытия в 1948 году бутика в Нью-Йорке Диор открыл несколько международных филиалов и салонов-ателье (с собственными дизайнерами) в таких городах, как Лондон, Каракас, Сантьяго и Сидней. Было заключено соглашение с Holt Renfrew о эксклюзивном распространении в Канаде и о правах на воспроизведение дизайнов из парижского и нью-йоркского салонов. Похожие соглашения были заключены с El Encanto в Гаване и El Palacio de Hierro в Мексике. В 1953 году японский универмаг Daimaru получил лицензию на повтор дизайнов Диора в Японии и часто шил его модели из японских тканей.
Обувь от Роже Вивье для Кристиана Диора свидетельствует о диверсификации бренда Dior, а также о роли дорогих аксессуаров в достижении совершенства с головы до ног.
К 1950-м годам Диор был в зените парижской моды и по мировым продажам превосходил всех дизайнеров до него. На этой рекламе гиганта розничной продажи Holt Renfrew знаменитая модель Довима представляет эксклюзивное распространение бренда в Канаде именно этим ретейлером.
Дом Dior был воплощением роскоши и вершиной эстетики парижской высокой моды. В его работах мастерски использовались изысканные ткани и украшения. Часто его творения открыто походили на платья известнейших модных домов конца XIX века или отсылали к нарядам пастушек Марии-Антуанетты. Тема сада не раз возвращалась в его работы, и вышитые, набивные, в виде аппликации или принта цветы, в частности ландыши, стали повторяющимся мотивом. Плетеный узор появлялся не только на шляпах в стиле пастушек, но и в обработке ткани. В работах Диора очевидны были экзотические мотивы, в частности влияние Мексики, Южной Америки и Японии. Он экспериментировал с креативной геометрией в крое и драпировке. В нескольких коллекциях модельер использовал ткани, которые драпировались от плеча к противоположному бедру, становясь частью юбки. В вечернем платье «Диорама» (1951) Диор применил полоски конского волоса в качестве декоративного элемента в верхней части юбки. Для платья «Одетта» (1952) использовался белый шелк, затканный черными гвоздиками, напоминавший творения Жана-Филиппа Ворта. Вечерний наряд «Земира» (1954) с пышной длинной юбкой, простым лифом и жакетом в тон был похож на его дневные костюмы. Ансамбль был очень популярным, можно было приобрести его лицензированную копию.
Кристиан Диор позирует фотографу Генри Кларку с моделью Рене в костюме серовато-зеленого цвета из его коллекции Н-силуэта 1954 года.
После смерти Диора в 1957 году молодой Ив Сен-Лоран взял бразды правления в модном доме в свои руки и представил в 1958 году платье-трапецию, знаменующее отход моды от предыдущих облегающих силуэтов.
В следующих коллекциях Диора появились новые силуэты: Н-силуэт в 1954 году, А-силуэт и Y-силуэт в 1955 году. Силуэт Н был прямым и узким, без подчеркивания форм, и в прессе его окрестили «французской фасолью». В силуэт А входила широкая пышная юбка с завышенной талией. Типичным примером такой модели был серый костюм из фланели (шелк с шерстью). Силуэт Y отличался широким вырезом «лодочка» и узким по всему телу кроем.
После успеха парфюмов Miss Dior и Diorama новый парфюм Diorissimo выпустили в 1956 году на основе аромата ландыша. В 1957 году Диор появился на обложке журнала Time с парой огромных портновских ножниц. После его преждевременной смерти в том же году модный дом продолжал свою деятельность под творческим руководством Ива Сен-Лорана (Yves Saint-Laurent, 1936–2008), работавшего в доме с 1954 года. Сен-Лоран представил свою первую коллекцию для Dior в 1958 году и превратил А-силуэт в «Трапецию», которую предложил в нескольких вариантах, включая дневную версию с практичными накладными карманами и коктейльную версию с юбкой-пузырем. Успех этой коллекции убедил мир моды в том, что Дом Dior продолжает жить.
Олицетворением парижского шика были коллекции Жака Фата. Этот ансамбль 1951 года на снимке Вилли Мэйволда состоит из жакета с пышной баской поверх узкой юбки.
Жак Фат добавил к своему бизнесу парфюм, аксессуары и линию прет-а-порте. Дизайнерские шарфы, галстуки и другие аксессуары, включая шляпы, муфты и чулочно-носочные изделия, можно было приобрести в бутике. Фат также создал линию бюджетного прет-а-порте Fath de Fath, которую в Америке продавали через американского производителя Joseph Halpert, выпускавшего платья с лейблом Designed in America by Jacques Fath (Создано в Америке Жаком Фатом). Кутюрье часто использовал ткани в необычных сочетаниях, например джерси, кружево и мех соболя, и добавлял эффектные декоративные детали, такие как крупные банты и букеты. Фат был особенно известен контрастами пышного и узкого в одном ансамбле: в высшей степени облегающие юбки сочетались с пальто-свингерами или жакетами с объемными длинными басками. Силуэт получался очень эффектным. Многие модели обыгрывали контраст черного и белого, и аксессуары часто были преувеличенно крупными. Фат славился своим умением устраивать праздники, а также турбулентной атмосферой в его модном доме, где дизайнер и его жена, оба отличавшиеся взрывным темпераментом, работали вместе. Жак Фат умер от лейкемии в 1954 году, и его вдова Женевьева продолжала дело до закрытия Дома в 1957 году.
Пьер Бальмен продолжал свой путь к вершинам мира моды. Он приобретал все большую мировую известность и пользовался вниманием модной прессы, особенно благодаря элегантным, парижским по духу вечерним нарядам. В 1950 году Vogue заявил, что в работе модельера практичность сочетается «с изрядной долей воображения и французской утонченностью»[63]. Бальмен был фаворитом американских светских дам, к 1952 году его бутики в США продавали линию прет-а-порте, и он получил премию Neiman Marcus в 1955 году. В работах Бальмена было четкое разделение в настроении и эстетике одежды для дня и вечера. Его дневные наряды были элегантными и уточненными, с костюмами геометрической четкости, которые он часто отделывал мехом леопарда. Для вечера он выбирал роскошь и эффектный декор. Во многих коктейльных и вечерних платьях чувствовалось влияние XVIII и XIX веков. Историзм Бальмен передавал с помощью вышивки, бантов, рюшей и юбок с намеком на панье или турнюр. Ароматы Бальмена пользовались большим успехом, особенно Jolie Madame. Он создавал костюмы для театра и кино, от нарядов Кэтрин Хепберн в бродвейском спектакле «Миллионерша» в 1952 году до платьев Брижит Бардо в фильме «В случае несчастья» (1958).
Выдающиеся таланты фотографа Хорста П. Хорста и иллюстратора Марселя Вертеса соединились, чтобы создать это изображение для редакционной статьи в Vogue (май 1953 года) с вечерним платьем с цветочным узором от Пьера Бальмена.
Участие Кристобаля Баленсиаги в «Театре моды» помогло ему оказаться в свете софитов. Стилистически Баленсиага не вписывался в концепцию, придуманную Диором, но его работы высоко ценила пресса, их ждали разборчивые клиентки. Баленсиага создавал превосходные вечерние платья и накидки, а также костюмы и верхнюю одежду для дня. Он продолжал темы 1930-х годов, черпая вдохновение в культуре своей родной Испании. Помимо платьев с завышенной талией, вдохновленных фламенко, Баленсиага предлагал вечерние и коктейльные платья, часто из тафты или газара (шелковой органзы), скроенные по прямой и собранные в сборки или складки из прямоугольных частей. Он широко использовал в работе этот прием, получая в результате длинные архитектурные платья и платья для коктейлей с юбкой-пузырем. Иногда платья были без декора, в других случаях обильные украшения вызывали в памяти стиль барокко или костюм-тореро. Он также предлагал разнообразные вечерние накидки, иногда прямоугольные, иногда скроенные как плащ тореадора. Клиентки ценили его потрясающие костюмы и пальто, которые они могли носить несколько сезонов. Они были передовыми с точки зрения моды, но при этом не устаревающими. В костюмах кутюрье экспериментировал со степенью облегания, креативным использованием швов, драпировкой и необычными рукавами. Твид был его любимой тканью. Пожалуй, Баленсиага первым отреагировал на силуэт «песочные часы» превалировавшего стиля нью лук, предложив более свободную посадку. Его костюм «кокон» или «бочонок» со свободным жакетом появился уже в 1947 году, а в 1952 году он представил силуэт «мешок». Работы Баленсиаги конца 1950-х годов — это постоянные эксперименты. Его силуэты 1958 года со свободным лифом и завышенной или заниженной талией предсказали стили 1960-х годов.
Ансамбль для коктейля от Кристобаля Баленсиаги 1951 года иллюстрирует его мастерскую работу с объемом для достижения геометрического эффекта.
В иллюстрации Констанс Вибаут для журнала Elseviers Weekblad (февраль 1955 года) экспериментальные силуэты Баленсиаги соединились с авангардным стилем модной иллюстрации.