https://www.youtube.com/watch?v=7WpBjNvIT5E
https://www.youtube.com/watch?v=lZ3qPGC8og8
Одним из самых значительных среди этих языков стал неоклассицизм. Как ни странно, этот стиль не стремился к ниспровержению традиции, а черпал вдохновение в прошлом. Однако не в недавнем романтическом прошлом, а в более далёком – эпохах классицизма (вторая половина XVIII века) или барокко (XVII и первая половина XVIII века), или даже Ренессанса (XVI век и раньше). Название стиля – «новый классицизм» – может ввести в заблуждение: он не означал прикрепление только к одной прошедшей эпохе (классицизму), но в целом – построение нового языка на «чужих», старинных моделях.
https://www.youtube.com/watch?v=PaGoBP9xgQY
Композиторы «вспомнили» про клавесины и барочные виоли – предки современных струнных – и начали создавать для них музыку. Оперное либретто могло быть написано на латыни, а опера ностальгически делилась на номера, как в итальянском XVIII веке. В произведениях зазвучали барочные фуги и сарабанды, трёхсотлетняя пыль была стряхнута с ренессансных мадригалов. Важно понимать: это вовсе не значит, что неоклассицизм изготавливал копии старинной музыкальной продукции. Подобно композиторам, анализировавшим фольклор, композиторы неоклассицизма «разучивали» не сами старинные мелодии, а способ построения музыкального сюжета и закономерности течения событий в (например) барочной музыке.
Для внимательного уха неоклассицизм звучит как сложная, интересным образом «пересобранная» старина. Это, несомненно, музыка XX века, но в ней читается, например, характерная для старинной музыки танцевальность и моторность, и можно узнать многие черты почерка конкретных композиторов прошлого.
Игорь Стравинский, Отторино Респиги, Богуслав Мартину, Пауль Хиндемит
https://www.youtube.com/watch?v=JZsv0pZsxAU
42. Авангард II
После окончания Второй мировой войны авангард, который преследовался и искоренялся гитлеровским режимом, возродился и расцвёл, став символом свободы и противодействия тоталитарному злу. На некоторое время сложилась интересная и немного абсурдная ситуация: именно авангардная, очень сложная, радикально звучащая музыка стала культурным мейнстримом. Молодых композиторов в консерваториях Европы и Америки тогда учили писать только «современно».
https://www.youtube.com/watch?v=h6v3ImiqXro
«Второй» авангард продолжал идеи «первого», но вывел их на принципиально новый уровень. Теперь серии выстраивались не только из 12 неповторяющихся по высоте звуков, но также – из разных по длине и другим характеристикам. Композиция стала чрезвычайно рациональной. Каждый звук занял логически определенное ему место – его высота, длина, инструмент, на котором он сыгран, степень акцентированности – всё высчитывалось математически. Это направление называется сериализмом. Материя таких сочинений звучит сухо и взрывчато, набором жёстких музыкальных точек.
https://www.youtube.com/watch?v=F_9eg7T6s6o
Вторая область, которую исследуют авангардисты, – контролируемый хаос, особым образом направленная импровизация. Они пишут сочинения, в которых музыкантам предоставляется свобода производить звуки, не зафиксированные в нотном тексте раз и навсегда, а подвижные внутри неких «правил игры». Эти звуки могут быть даже вообще произвольными; или немузыкальными – вроде чтения вслух или шипения радиоприёмника. Ещё одно важное направление в послевоенном авангарде – сочетание обычных инструментов с электронным звуком и синтез чистого электронного звука, не имеющего аналогов в природе.
Наконец, одним из самых впечатляющих открытий авангарда стала сонорика – большое течение, включающее множество разных техник, которые объединяет особое отношение к звуку. Прежде композитор мыслил нотами-точками; они сцеплялись в линию, и создавалась мелодия – как если бы художник рисовал наточенным карандашом. Представьте теперь, что художник откладывает карандаш и берёт валик, губку, печатку или швабру: у него получаются пятна, потёки, оттиски, кляксы. Так и сонорная музыка. Она мыслит шумовыми зонами, комплексами, звучностями, подвижными объёмами звука. Это может напоминать приземляющийся самолёт, осиный рой, прибой, игру на бокалах. У сонорных произведений нет мелодии и гармонии. Мы не можем спеть их, часто не можем даже определить высоту звуков, входящих в сонорные блоки: это поток изменчивого звукокрасочного звучания.
https://www.youtube.com/watch?v=8xbs0RzVqpY&list=PLN5n5Zv0myxyH6FTHYJUrNveiQVtVxZXH
Кстати: слово «сонорика» происходит от лат. sonorus – «звучный», «звонкий».
https://www.youtube.com/watch?v=FMwuNjbzo9w
Сериализм – техника сочинения, при которой правила додекафонии (выстраивание серии из 12 неповторяющихся звуковых событий) применяются не только к высоте нот, но также к ритмам, способам артикуляции нот и громкости.
Сонорика – большое направление в музыке второй половины XX века, где на первом плане – мышление звукошумовыми блоками, красочными звучностями, а не отдельными нотами.
Карлхайнц Штокхаузен, Пьер Булез, Бруно Мадерна, Лучано Берио
43. Электронная музыка
Послевоенный авангард увлекался ещё и электроникой. Композиторы стремились не только изобретать новые способы обращения с существующими тембрами и звуками, но подняться уровнем выше: изобретать сам звук. Они хотели добиться красок, которых не существует в физическом мире, выйти за пределы понятия «нота».
https://www.youtube.com/watch?v=mS6tv50YGWg
Первопроходцем электронной музыки считается немецкий авангардист Карлхайнц Штокхаузен (1928–2007). Первые его эксперименты в этой области состоялись в начале 1950- х годов, когда электронный звук ещё не был частью популярной культуры.
Сейчас мы привыкли видеть синтезаторы и контроллеры на рок- и поп-концертах и воспринимаем электронную музыку как часть клубной танцевальной эстетики. Однако началась она именно с авангардного эксперимента в рамках интеллектуальной академической музыки. Так, пионеры электронного звука в поп-культуре единогласно называли Штокхаузена одним из своих учителей.
В электронной академической музыке есть несколько направлений. Так называемая tape music – «музыка для электронной плёнки» – подразумевает манипуляцию с музыкальными звуками или с теми, что искусственно созданы с помощью шумогенератора. В первом случае мы говорим о сэмплировании – работе с краткими предзаписанными фрагментами. А во втором – о синтезировании звуков. Их микшируют, накладывают коллажем, искажают фильтрами и изменением скорости, «нарезают» и закольцовывают. Произведение в результате представляет собой некое звучащее панно, артефакт, хранящийся на электронном носителе, но может и воспроизводиться вживую на сцене.
https://www.youtube.com/watch?v=RpSO3UHKy_g
Существует область tape music, называющаяся по-французски «musique concrete» (мюзик конкрет или «конкретная музыка»). Musique concrete подразумевает работу с записью немузыкальных звуков физического мира – голосов людей, механических и природных шумов.
Очевидно, что в случае с «музыкой для плёнки» мы имеем дело не с произведением, которое играется по нотам, но с неким тотальным звуковым состоянием, в которое окунается слушатель. Из-за этого частью композиторского замысла может быть также пространство, где воспроизводится плёнка, и то, как в нём расположены динамики. Здесь tape music смыкается с искусством звуковой инсталляции и саунд-дизайном.
Другой вид электроники подразумевает одновременное звучание живых инструментов и магнитофонной плёнки. Это могут быть «космические» искусственные звуки или предварительно записанный звук того же инструмента, на котором играет живой музыкант – так получается красивый и жутковатый эффект удвоения-утроения-учетверения исполнителя.
https://www.youtube.com/watch?v=4bHnGorNTT0
Ключевое имя в академической электронике – греческий гений Янис Ксенакис (1922–2001). Ещё с античных времён в просвещенном мире обсуждалась тесная связь музыки с математической наукой. Через две с половиной тысячи лет Ксенакис выступил продолжателем своего соотечественника, Пифагора, который говорил о вычислимости музыкальных явлений. Ксенакис работал в области компьютерного синтеза звука, разрабатывал интерфейсы – то есть способы общения компьютера и пользователя. Он сделал основным инструментом композитора компьютер с графическим планшетом, который преобразовывал графическую информацию в звуковую (иными словами, символы и рисунки превращал в звуки).
Совсем другая работа с электроникой – у авангардистов в США. Американские композиторы тоже генерировали искусственный звук. Но гораздо интереснее им было ставить электронные эксперименты с природными и рукотворными пространствами, исследовать звуковые качества предметов и объектов физического мира. Им нравилось с помощью электроники управлять акустикой помещения, эффектом эхо, резонансом, отзвуками, а также тем, как разные предметы проводят звук. Послушайте медитативные аудиоинсталляции Полины Оливерос (1932–2016) или музыку Элвина Люсье (р. 1931) – и вы узнаете, как звучат комната, чайник или фортепианная струна, натянутая между стенами.
https://www.youtube.com/watch?v=WFJZUaeqOsc
Tape music – область электронной музыки, в которой произведение представляет собой коллаж из предварительно записанных и синтезированных искусственно звуков. С ними проделывают различные манипуляции: нарезают на петли, проигрывают на разной скорости и др.
Musique concrete – область электронной музыки, в которой используются записанные на плёнку звуки окружающего мира.
Сэмплирование – использование кратких, записанных на плёнку «образцов» (сэмплов) какого-то звука.
Синтезирование – создание искусственных звуков машинным способом.