1504. Галерея Уффици, Флоренция
Микеланджело прославился как великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. Во всем, что он создавал, ощутима титаническая мощь. Именно к нему применимо определение «титан Возрождения». «Святое семейство» — единственная станковая работа Микеланджело. Фигуры Девы Марии, Иосифа и Младенца Христа наполнены необыкновенной пластичностью и напряженной энергией движения. Создается впечатление, что Мария поворачивается внутри стеклянного шара, и эта подвижность усиливает скульптурный объем фигурной группы.
Картина была исполнена к свадьбе Аньоло Дони, богатого флорентийского купца, с Маддаленой Строцци, герб которой вырезан на раме.
Страшный суд
Фреска. 1536–1541. Сикстинская капелла, Ватикан, Рим
Микеланджело изобразил гнев Христа на человечество, которое оказалось не таким, каким задумывалось. Даже Богоматерь — заступница людей перед Богом, отказывается помогать им, она отвернулась от грешников и не хочет слушать их просьб. Христос, вершащий суд, изображен грозным и беспощадным судией. Вскинутой правой рукой он возносит праведников, движением левой — неумолимо отправляет грешников в ад. Обилие атлетически сложенных обнаженных тел показалось папе Павлу IV «непристойным» и он велел художнику дописать одежду, но получил отказ. Фреска была дописана Даниеле да Вольтерра, учеником Микеланджело, прикрывшим наготу нескольких фигур.
Рафаэль (1483–1520)
Донна велата (дама под покрывалом)
Ок. 1516. Палаццо Питти, Флоренция
Недолгая творческая жизнь Рафаэля целиком принадлежит короткой поре Высокого Возрождения. Его творения отмечены гармонией, ясностью построения, безмятежностью. «Донна велата» (ит. Velata — покрытая покрывалом, от il velo — покрывало) — один из самых поэтичных женских образов, созданных Рафаэлем. Покрывало является знаком заму жнего положения женщины, а правая рука, прижатая к груди, — супружеской верности. Роскошное платье оттеняет красоту молодой итальянки. В ней есть то величие и одновременно сдержанность, без которых немыслим портрет эпохи Возрождения. Тщательно взвешены каждая деталь, каждая линия и цветовое соотношение, в их согласии заключен секрет счастливой гармонии и равновесия картины.
Ни в одном другом произведении у Рафаэля не раскрывалось такое тонкое дарование колориста: оттенки белого, золотисто-желтого и коричневого цветов складываются в парадную и вместе с тем мягкую цветовую гамму.
Мадонна в зелени
1506. Музей истории искусства, Вена
Неповторимость личности Рафаэля и своеобразие его творческой индивидуальности отчетливее всего проявились в произведениях, посвященных Мадонне с Младенцем. В этих работах нашли отражение свойственные художнику внутреннее изящество и утонченность, мягкость натуры и глубина чувств. Этот сюжет давал возможность выразить главную тему его творчества — всеобъемлющую гармонию в отношениях между людьми, между человеком и окружающим его миром. Мадонны Рафаэля наделены не только красотой духовной, но и физической.
Сикстинская мадонна
1514. Картинная галерея, Дрезден
«Сикстинская Мадонна» принадлежит к числу высших достижений мирового искусства. Существует предание, что этот образ Рафаэль увидел во сне — он возник как чудесное видение, и художник сумел передать то экстатическое состояние, которое пережил сам. В произведении все доведено до предельной простоты, но гений Рафаэля сделал эту простоту многозначной. Дева Мария одновременно величественна и беззащитна; она идет по облакам навстречу людям и стоит; по-матерински нежно прижимает к себе сына и отдает его людям, зная о той судьбе, которая его ожидает.
Афинская школа
Фреска. 1510–1511. Станца делла Сеньятура, Ватикан, Рим
В «Афинской школе» Рафаэль изображает философов и ученых разных эпох в процессе интеллектуальной работы. Мыслители излагают друг другу теории, совместно разрабатывают научные задачи, спорят, как, например, Платон и Аристотель, изображенные в центре композиции. Ведь только общими усилиями, только в споре, в столкновении различных точек зрения рождается истина. В пространстве фрески Рафаэль разместил 58 человек, но это не безликая толпа. Здесь каждый персонаж подчеркнуто индивидуален, ни одна поза и жест не повторяются. Для решения столь сложной задачи Рафаэль находит гениальный прием: он размещает фигуры на лестнице, так что они не заслоняют друг друга и четко обозначены.
Портрет папы Льва X с кардиналами Джулио Медичи и Луиджи Росси
1517. Галерея Уффици, Флоренция
Здесь Рафаэль добился такой иллюзии реальности, что, по словам Федерико Цуккари, начальник папской канцелярии Бальдассаре Турини однажды с величайшим почтением поднес буллу на подпись не Льву Х, а его изображению.
Лев Х, большой любитель и знаток искусств, коллекционер, изображен не только главой Церкви, но и просвещенным человеком. В руках его лупа, на столе — колокольчик редкой работы, демонстрирующий любовь папы к произведениям искусства. Рядом лежит рукописная книга. Она написана с такой виртуозной скрупулезностью, что можно с уверенностью сказать — это Библия Гамильтона.
Россо Фьорентино (1494–1540)
Снятие с креста
1521. Городская пинакотека, Вольтерра
Россо Фьорентино (Рыжий Флорентиец, так прозвали художника Джованни Баттиста ди Якопо) был одним из основоположников флорентийского маньеризма, стиля, отошедшего от стандартов классического ренессансного искусства и обратившегося к смелым экспериментам в области изобразительного языка.
Наряду с картиной Якопо Понтормо на эту же тему, данная работа стала художественным манифестом маньеризма. В ней нашли отражение все новые изобразительные приемы стиля — экзальтация мимики и жестов персонажей, цветовые диссонансы и как следствие нарушение колористического единства, отход от классического понимания композиции и пространства. Одно из важных достижений маньеристов заключалось в виртуозном мастерстве владения кистью, что порождало работы исключительной красоты.
Якопо Понтормо (1494–1557)
Снятие с креста
1525–1528. Церковь Санта-Феличита, Флоренция
Являясь одним из основоположников маньеризма, Понтормо в лучших своих произведениях выступает как смелый искатель новых путей.
В отличие от произведений Рафаэля, проникнутых возвышенно-торжественными интонациями, «Снятие с креста» отличает безудержная эмоциональность духовного облика персонажей, внутреннее напряженное беспокойство, выраженное в их движениях и жестах, и причудливый колорит, в основе которого лежит высветленная гамма холодных, резких цветов.
Аньоло Бронзино (1503–1572)
Портрет Элеоноры Толедской с сыном Джованни
1544–1545. Галерея Уффици, Флоренция
Бронзино, представитель зрелого флорентийского маньеризма, придворный художник Козимо I Медичи, стал одним из создателей маньеристического парадного портрета, в котором нашли отражение аристократическое изящество, высокомерие и пышная роскошь придворной культуры того времени.
В знаменитом портрете Элеоноры Толедской, супруги Козимо I, Бронзино великолепно выстраивает репрезентативную композицию. Он немного приподнимает фигуру Элеоноры, вводит аксессуары, подчеркивающие ее сословное положение, придает ее образу торжественную бесстрастность и чопорную элегантность и при этом — убедительное портретное сходство.
Пармиджанино (1503–1540)
Мадонна с длинной шеей
Ок. 1535. Галерея Уффици, Флоренция
Пармиджанино был одним из самых изысканных художников эпохи маньеризма — времени, когда искусство не стремилось открывать красоту в реальности, а находило ее в экстраординарном, эксцентричном.
В самой известной картине Пармиджанино, «главном произведении маньеризма» (Вазари), воплощен холод ный и отвлеченный образ неземного изящества.
Художники-маньеристы в пропорциях фигур отдавали предпочтение выразительности. Здесь главный выразительный элемент заключен в изящном удлинении фигуры Мадонны, особенно живописен лебединый изгиб ее длинной шеи. Изысканная Мария с поразительной легкостью удерживает на коленях светоносное тело Младенца. Слева ангел демонстрирует хрустальный сосуд, в котором сияет крест — символ уготованной Христу судьбы. Справа, в почти метафизическом пространстве, образованном ничего не поддерживающей колонной, художник размещает несоразмерно маленькую фигурку св. Иеронима.
Джорджоне (1477/1478–1510)
Гроза
Между 1506 и 1510. Галерея Академии, Венеция
Идиллия на лоне природы становится излюбленной темой картин Джорджоне, в его полотнах человек и природа воспринимаются как порождение единого гармоничного начала, а пейзаж получает равноправную с персонажами роль — он уже не фон, не арена действия, а главный носитель эмоциональной темы живописного произведения.
На переднем плане «Грозы» царит покой и гармония: между персонажами нет драматического действия, люди и окружающая их природа безмятежны. На заднем же плане сверкает молния — это первое в истории европейского искусства изображение подобного состояния природы. Вскоре оно станет излюбленным у венецианских живописцев средством повышения драматизма картины.
Юдифь
До 1504. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
В XVI веке Венеция становится последним оплотом ренессансной культуры. На раннем этапе Высокого Возрождения первое место среди мастеров Венеции принадлежало Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, прозванного Джорджоне. Именно с него начинается расцвет венецианской школы живописи, которая поднимается до уровня, сопоставимого по художественным достижениям с Римом и Флоренцией.