Заключение
Пожалуйста, помните, что ваша цель не просто писать и выпускать потенциальные хиты. Ваша цель – писать песни, которыми вы можете гордиться. Ну, знаете, как детьми. Слушать собственноручно написанные песни в чужом исполнении на концертах или в чартах – удовольствие, которое, на мой взгляд, мало с чем сравнится.
Я очень надеюсь, что, когда это случится, вы меня поймете. Так вот именно для того, чтобы испытывать такие эмоции, а не кринжевать каждый раз со строчки, которую «черт возьми, можно было и доработать», удостоверьтесь, что ваш «законченный текст» реально дописан и полностью вас удовлетворяет.
Прямо сейчас внимательно посмотрите на каждую строчку вашей последней песни и задайте себе следующие вопросы:
1. Могу ли я выразить идею, эмоцию или чувство, которые я передаю через песню, как-то иначе, лучше?
2. Использую ли я клише?
3. Кто-то до меня уже говорил о любви точно такими же словами, как я?
(Это я считаю, что все песни – о любви, вы можете задавать себе такой вопрос по поводу мандаринов.)
4. Цепляет ли эта конкретная строчка достаточно, чтобы ваш потенциальный слушатель не переключил песню прямо сейчас?
Оставляю для вас чек-лист, сверяясь с которым вы можете проверить, все ли вы сделали для того, чтобы тексты песен перечитывали ангелы на небесах, плача от восторга. Если напротив каждого пункта вы, не задумываясь, поставили галочку, будьте уверены: вы отлично поработали.
❐ Ваша песня написана с использованием популярной песенной структуры и формы.
❐ В основу вашей песни легла интересная идея.
❐ У вашей песни интересное название.
❐ Тема, которую вы выбрали, достаточно универсальна, – большинство из тех, кто ее послушал, могут сказать: «Это про меня».
❐ В случае, если вы пишете песню на заказ, она поддерживает образ артиста и выставляет его в хорошем свете.
❐ Текст в куплетах ведет к кульминационному припеву, в котором содержится основная мысль или название песни.
❐ Песня сфокусирована на одной конкретной и понятной для большинства идее.
❐ Песня развивается по правилам сторителлинга (понятны кто, что, где, когда, как, зачем и почему).
❐ Второй куплет раскрывает и продолжает историю первого куплета.
❐ Если в вашей песне есть бридж, он меняет направление куплета.
❐ Каждая строчка логически перетекает одна в другую.
❐ В песне четко выстроена близость со слушателем.
❐ Язык (артиста или ваш) в песне и стиль, в котором вы рассказываете историю, не меняется на протяжении всего произведения.
❐ Вы точно знаете, где в вашей песне хук.
❐ Вы почувствовали себя феечкой Винкс и проверили свою песню на огонь и воду, чтобы избежать нагромождения неуместных панчей.
❐ Вы минимизировали количество клишированных рифм и очевидных метафор.
❐ Вы в целом избегаете клише.
❐ Вы помните, что рифма для вас, а не вы для рифмы.
❐ Вы использовали средства художественной выразительности.
❐ Типы и схемы использованных вами рифм совпадают с основным настроением песни и усиливают его.
❐ Вы переписывали текст, пока не удостоверились, что ваши финальные строчки – лучшая вариация из всех возможных.
❐ И последнее – вы не рассказываете в лоб, как вы или ваш артист себя чувствуете. Слушатель считывает это самостоятельно.
Музыка: как написать цепляющую мелодию и не облажаться
В этой главе вы:
• узнаете, какой должна быть мелодия, чтобы ваши слушатели запустили ее к себе в сознание на ПМЖ;
• убедитесь, что быть выпускником консерватории – необязательное условие для того, чтобы писать цепляющие мелодии;
• научитесь писать мелодии с мелодическими хуками и сможете работать абсолютно в любом жанре;
• в очередной раз поймете, почему я постоянно делаю упор на том, что ВСЕ элементы в песне взаимосвязаны.
Лучшие хуковые мелодии, которые западают вам в голову, обладают тремя основными качествами. Они:
• простые;
• быстро запоминаются;
• достаточно легко поются, чтобы им хотелось подпевать.
Основной секрет в том, что «простая» мелодия не равно «заурядная». И на любой музыкальной конференции спикеры расскажут вам об этом с удовольствием и в красках.
В студенчестве на фидбек-сессиях я достаточно часто слышала от музыкальных паблишеров и прочих уважаемых представителей индустрии фразы вроде:
«Мелодия недостаточно заводная».
«Это недостаточно цепляет».
«Мелодия просто не запоминается».
«А где здесь хук?»
Ну и прочие вариации на тему: «Привет, я работаю в индустрии, но меня никто не научил давать адекватный фидбек».
Они никогда не объясняли, как сделать мелодию «более заводной», «цепляющей» или запоминающейся (где находится хук на карте, тоже никто не показывал). Если мы обратимся к толковому словарю, «запоминающийся» – причастие от слова «запоминаться», которое определяется как «сохранить», «удержать в памяти что-либо».
Ниже вы узнаете о конкретных инструментах и техниках, которые можно (и нужно!) использовать, чтобы создавать те самые хуковые мелодии, которые точно останутся в памяти у фидбекдающих.
Поскольку я убеждена, что отсутствие высшего музыкального образования не приговор для тех, кто всерьез решил превратить сонграйтинг в дело всей жизни, этот раздел книги ориентирован на композиторов, которые, как и я, не заканчивали консерваторию.
«Но ведь ты училась музыкальному продакшну и ходила в музыкальную школу».
Да, ТАМК действительно по своей структуре и формату обучения очень похож на американский Berklee College of Music. Но:
а) это современное прикладное музыкальное образование, которое имеет очень отдаленное отношение к классическому;
б) далеко не все выпускники Berklee занимаются музыкой, окончив колледж.
Чарли Пут, один из звездных выпускников Berklee, четырежды номинант на «Грэмми», говорит, что основная прелесть музыкального колледжа – это веселье и возможность самовыражаться. Давайте повторим еще раз. Веселье. Свобода самовыражения. Классическое музыкальное образование определенно не является безусловной предпосылкой для написания потенциально хитовых мелодий.
Фактически многие известные композиторы, сонграйтеры и исполнители даже не знают нотацию. Я изучала музыкальную теорию в школе и с большой благодарностью вспоминаю то прекрасное время, когда мне не нужно было писать музыкальные диктанты. До сих пор не очень понимаю, каким образом зазубривание может привести к безусловной любви. Сложная музыкальная терминология не впитывалась и не укоренялась в моем сознании, я абсолютно не понимала, зачем мне изучать локрийский лад, если большинство популярных песен хорошо звучит в ионийском или эолийском ладах (натуральные мажор и минор соответственно). Если разбудить меня посреди ночи, я вряд ли внятно вам объясню, в чем прелесть характерных интервалов, что, впрочем, не помешало мне написать мелодии, которые, один раз услышав, вы не выкинете из головы. Полагаю, тем же можно объяснить тот факт, что мой дебютный альбом «такие дела» попал в топ-чарт на четырнадцатую позицию спустя всего сутки после релиза.
В этой главе я опишу и постараюсь максимально простым языком объяснить элементы коммерчески успешных, запоминающихся мелодий, а также поделюсь техниками, практикуя которые вы просто не сможете не прокачать свои скиллы мелодиста.
Создание мелодии без инструментального сопровождения
«А капелла» в переводе буквально означает «без инструментального сопровождения». Сочинять мелодии а капелла означает создавать их в своей голове, без сопровождения гитары или фортепиано. Для меня (и для многих моих талантливых учеников-сонграйтеров) это часто становится ключом к созданию самых сильных мелодий.
Признаюсь честно, когда я впервые посетила воркшоп по сонграйтингу, я была одной из тех, кто поднял руку, когда спикер спросил: «Кто из присутствующих пишет только тексты?».
Я окончила музыкальную школу по классу фортепиано, умела читать с листа и зазубривать партии, но понятия не имела, что для написания песен необязательно импровизировать с аккордовыми последовательностями, вполне достаточно наигрывать желаемую мелодию одним пальцем левой руки. Это подтверждает мой тезис о том, что можно быть инструменталистом-виртуозом и прекрасным исполнителем, при этом не умея писать песни. И наоборот, кто-то никогда не берет в руки гитару и не садится за клавиши, но придумывает восхитительные мелодии в голове. Не путайте способность играть на музыкальном инструменте с созданием песен – это два принципиально разных навыка.
Клево, если вы умеете играть на инструменте или потрясающе поете – естественно, вы можете только выиграть, если научитесь смотреть на навык исполнения с точки зрения сонграйтинга. Если возможность аккомпанировать себе помогает материализовывать и выражать то, что звучит у вас в голове, – просто прекрасно.
Но есть и обратная сторона медали. Среди моих учеников есть вышеупомянутые выпускники консерватории, которые могут на слух определить тональность конкретной зарисовки из сборника «ХТК» Баха, а потом с закрытыми глазами его сыграть (и я говорю об этом, чтобы подчеркнуть, насколько эти люди талантливы). Однако их знание – бремя. Они слишком хорошо осведомлены об аккордовых последовательностях, прекрасно знают, «как надо», а чего ни в коем случае делать нельзя, – и это как раз им мешает. Слишком много правил и привычка их соблюдать приводят к сужению кругозора и противоречат первому и единственному правилу клуба сонграйтеров, а именно: «можно все». Классическое музыкальное образование – иногда муштра, что может стать помехой на пути к написанию популярных мелодий. Вот, я сказала это вслух.