Однако прежде, чем мы с вами отправимся анализировать искусство ХХ века, стоит подробнее познакомиться с его предшественниками и разобраться, как трансформировалась роль художника, подход к искусству, а также его образы и тенденции, начиная с 1860-х годов.
Импрессионизм
Импрессионисты – это одни из первых художников, которые стали «писать в стол». Другими словами, прежде всего выражать свое творческое я и реализовывать свои идеи, а уже только после задумываться о том, как реализоваться и заработать на своем искусстве (хотя изначально идея их объединения была прямо противоположной). Кроме того, они изучали несовершенства нашего восприятия и достижения современной оптики, чтобы обращаться к зрительной памяти наблюдателя и приглашать его к сотворчеству. По сути, работы импрессионистов – это первая живопись, которая не существует без зрителя, а момент ее становления происходит в процессе наблюдения. Их произведения довольно условны и упрощены, и если мы с вами не видели тех или иных событий, изображенных на работе, в реальности, мы могли бы их и не узнать.
Возьмем, к примеру, «ВПЕЧАТЛЕНИЕ. ВОСХОД СОЛНЦА» (1872) КЛОДА МОНЕ. Если воспринимать картину непредвзято и освободиться от желания узнать в движениях кисти художника знакомые объекты, на полотне можно увидеть оранжевый круг, серо-синие диагональные, вертикальные и горизонтальные полосы, а также темно-синее пятно, напоминающее очертания людей в лодке. Но наше воспоминание о хотя бы однажды увиденном восходе солнца «достраивает» картину в нашем воображении и позволяет увидеть восход солнца в упрощенном видении художника. Иными словами, если бы мы не обогатили данное полотно собственным опытом созерцания восхода солнца, оно бы осталось чередой серо-синих мазков и оранжевым кругом. Кажется, если мы покажем эту работу человеку, который ни разу не видел восход солнца, он, возможно, и вовсе его не распознает. Импрессионизм всегда отсылает к нашему опыту и визуальным впечатлениям, которые мы получили в течение жизни. Иначе мы не сможем разделить удовольствие художника, которое он испытывает, наслаждаясь тем или иным моментом.
К. Моне
Впечатление. Восход солнца, 1872
К. Моне
Маки, 1873
Кроме того, каждый из импрессионистов так или иначе реализовывал собственный подход. Например, К. Моне в начале своего творчества – это художник, который старается передать воздух и световоздушную среду (в работах «Впечатление. Восход солнца» (1872), «МАКИ» (1873) и других), а Моне в 1890-е годы – это художник, который старается запечатлеть течение времени (что на самом деле не может быть выражено в живописи, так как это не темпоральное искусство, это больше присуще кино и музыке, то есть тем видам искусства, которые развиваются во времени). Например, он делает это в серии «РУАНСКИЙ СОБОР» (1890-е) и то, как свет меняется в течение дня. Огюст Ренуар[51], напротив, художник света и радости, который любой изображаемый мотив превращал в переизобретенное им рококо – поэзию жеста, танец, наполненный счастьем настоящего момента; а Эдгар Дега в своем творчестве вдохновлялся идеей художника-корреспондента и много экспериментировал с фотографическими ракурсами и идеей случайно схваченного момента. Тем не менее все эти инновации делают их модернистскими художниками, которые более не ограничены традиционным подходом и стараются расширить границы дозволенного и возможного в искусстве.
К. Моне
Серия «Руанский собор», 1892–895
Постимпрессионизм
Постимпрессионисты – художники, которые стали создавать собственные интерпретации реальности, не полагаясь на ее привычное понимание или установленные образцы. Мир Ван Гога – мир контрастов и пастозной работы с цветом, вдохновленный японской гравюрой, мир Поля Гогена – бегство от опостылевшей ему европейской цивилизации, которая, по его впечатлению, потеряла истинные ориентиры. Гоген пытается вернуться к первоначальному состоянию культуры и искусства через образы жителей Таити. Однако более всего ему удается создать символическую, пронизанную мифологическими верованиями местных жителей сказку о Таити, расцвеченную вольным отношением к цвету, который художник использовал, отталкиваясь не от природы, а от собственного желания. Наконец, к постимпрессионистам относится Поль Сезанн, которого называют отцом современного искусства, потому что он показал, насколько свободным оно может быть. Он призывал художников исследовать цвет, форму и пространство без опоры на традиционное реалистическое понимание. Изображая предметы одновременно с нескольких сторон, не используя перспективу и не показывая предметы трехмерными с помощью свето-теневой моделировки, он обнажал работу цвета, который позволяет создать своеобразную «плоскостную глубину».
Фовизм
Фовизм освободил цвет и работу художника от подражания природным цветовым схемам. Цвет в работах Анри Матисса и его соратников стал главным выразительным инструментом, который художник может модифицировать по своему усмотрению, менять для выражения разных эмоций, чувств и впечатлений от изображаемых предметов. Кроме того, цвет, начиная с работ фовистов, стал самодостаточным, «говорящим» высказыванием о природе вещей, открытой художниками, а не наукой. Слом канонов мимесиса и натурализма, которые были присущи академическому искусству, позволил художникам все активнее вовлекать зрителя в пространство произведения не физически с помощью линейной перспективы (которая создавала ощущение, будто ты находишься рядом с изображаемыми событиями и предметами), а благодаря апелляции к чувствам, опыту и силе воздействия художественного образа. Постепенное освобождение формы, цвета, способа работы, связи художника с произведением, использование все новых медиумов для передачи образов позволило живописцам почувствовать себя все более свободными творцами. Теперь рамки самовыражения были все менее ограничены предубеждениями и установленными сотни лет назад правилами. Эти сознательные нарушения предшествующих канонов в равной степени связаны как со стремительно меняющимся миром, так и с изменением роли художника в целом, который в начале ХХ века стал восприниматься как творец, который открывает правду о мире и может использовать для этого любые доступные ему способы, потому что его «звал» мир будущего.
Кубизм
Отчасти под влиянием футуризма[52], отчасти под впечатлением от знакомства с примитивами – африканскими масками, – но больше всего под влиянием Поля Сезанна, который в своих работах буквально «пересобирал» мир с помощью геометрических элементов, Пабло Пикассо и Жорж Брак[53] разработали новый метод создания работ и положили начало новому направлению в искусстве. Их подход состоял в том, чтобы показать окружающий мир с конструктивной точки зрения, обратив внимание на его устойчивые основания: все объекты в их работах состояли из геометрических фигур. Многие произведения художников даже можно назвать произвольными композициями, в которых предпринималась попытка пересоздать предмет из других, не входящих в его состав компонентов и объектов. Если попытаться вкратце раскрыть смысл кубизма, то получится примерно следующее: кубизм позволяет по-новому посмотреть на объект, заглянуть в его суть с нескольких параллельно существующих точек зрения, проанализировать его потенциальные пространственные характеристики параллельно с осознанием его не смыслового, не содержательного, а формального значения. Кубизм – это, с одной стороны, антиимпрессионизм, так как он утверждает и воплощает устойчивую природу вещей, а с другой стороны – антисимволизм, так как он постулирует отсутствие дополнительного значения, скрытого за формой. В работах кубистов форма – это самостоятельная характеристика объекта, которая выступает новым художественным языком, освобождается от доктрин прошлого и становится такой же интерпретируемой вещью, как цвет, содержание и образ. Безусловно, в этом языке и способе восприятия искусства есть свои противоречия, однако он дает большой толчок в развитии искусства и благодаря ему форма переходит в абстрактные и духовные категории.
Абстракционизм
В своем творчестве абстракционисты устанавливают главенство универсальной самодостаточной формы. Они исследуют ее воздействие на зрителя и способность стать независимым языком, который был бы понятен без перевода. Как и кубизм, абстракционизм старается стать универсальным методом диалога не только об искусстве, но и о мире и мироустройстве в целом (К. С. Малевич[54]). Кроме того, это направление использует достижения фовистов, но в минималистичном ключе, анализируя психологию цвета и света, а также его прямое воздействие на зрителя (В. В. Кандинский[55]). Абстракция – это «чистое искусство», которое не зависит от категорий реальности и натурализма, не обращается к окружающему миру за помощью в выражении мысли и раскрытии смысла работы. Это попытка создания искусства будущего, которое должно быть понятно каждому без перевода.
Абстракция – это абсолютное искусство,
которое лишено коннотаций с реальностью,
разрывает привычную связь образа и реального
мира, а также использует в своем арсенале
исключительно средства изобразительного
искусства: форму, линию, мазок, цвет,
композицию.
Отсутствие сюжета позволяет художнику полностью сконцентрироваться на выразительности формы, цвета и композиции, которые становятся самодостаточными инструментами творчества. Художник воздействует на психологию зрителя, отвергая лишнюю интеллектуализацию (В. В. Кандинский), и наполняет интеллектуальным смыслом форму, цвет и композицию, превращая их в подобие новой религии или мистического видения (К. С. Малевич). Подобное освобождение искусства от фигуративного метода и изображения окружающей реальности получит второй виток развития уже после Второй мировой войны в произведениях художников 1950–1960-х годов.