строте ему уже не до экзистенциальных рассуждений о смысле жизни, философии смерти, о том, зачем мы живем и в чем наше предназначение. Его внимание всецело занято улучшением качества жизни, материальным благополучием и погоней за модными трендами.
Поп-арт позиционирует себя как самое понятное, простое, поверхностное, легковесное и бессмысленное искусство. Вот определение, которое дают ему первые поп-артисты: «Поп-арт – это популярное, приходящее, расходное, недорогое, серийное, молодое, остроумное, сексуальное, бесполезное, гламурное, порожденное „Большим Бизнесом”. Это та точка, в которой граница между искусством и бизнесом, арт-менеджментом и предпринимательством совершенно разрушена. Между ними нет пропасти. Они все сливаются в единую комбинацию».
Первой группировкой поп-арта называют
«Независимую группу», образованную
в 1952 году. Это сообщество художников,
фотографов, скульпторов, дизайнеров,
архитекторов, писателей и критиков.
Все они – исследователи, которые пытаются осмыслить, как массовая культура будет влиять на общество и искусство в целом. Они проводят семинары, конференции, выставки, на которых изучают это взаимодействие. Они обсуждали две основные проблемы: проблему эстетического и этического в современном искусстве и вопрос взаимоотношения высокого и популярного искусства. Темы эти, если честно, совершенно не новые. Даже если мы мысленно перенесемся в XVI век, когда уже очень хорошо распространяется печатная продукция – гравюры, которые позволяют тиражировать произведения, Альбрехта Дюрера[69] или Иеронима Босха[70], – мы увидим, что есть массовая культура, то есть доступные картинки, которыми любуется простой народ, приобретает себе за гроши на ярмарке или рынке, вешает в рамочку дома, и то самое высокое искусство, которое доступно только высшему обществу. В середине ХХ века эта пропасть становится колоссальной. Простые прохожие, которые заглядывают в большие окна современных галерей, не понимают мэтров абстрактного экспрессионизма.
ЭДУАРДО ПАОЛОЦЦИ[71] – независимый художник и один из идеологов поп-арта. Он создает композицию «РЕАЛЬНОЕ ЗОЛОТО» (1949) из помады, часов, машин и мелькающих на теле- и киноэкранах звезд, показывая самые ценные вещи и образы, актуальные для его времени. Таким образом он создает манифест культуры потребления, где материальные ценности полностью заменяют духовное содержание.
Э. Паолоцци
Реальное золото, 1949
Отправной выставкой для поп-арта стала выставка 1956 года, которая называлась «ЭТО ЗАВТРА». Это был междисциплинарный проект, который представлял собой соединение дизайна, архитектуры, медиа и новых технологий. На выставке зрители имели возможность взаимодействовать с произведениями: например, можно было петь или представить себя на месте звезды. Это было настоящим новаторством и дает право называть «Это завтра» одной из первых интерактивных выставок.
Еще одно капитальное отличие поп-арта от традиционного искусства заключается в том, что это технически тиражируемое и воспроизводимое искусство, которое работает с коллажами, принтами, шелкографией, что позволяет создавать бесчисленные копии произведения. Уникальность работы художника в данном контексте уходит на дальний план. Например, каждую работу Энди Уорхола можно встретить во множестве вариантов, кроме того, художник буквально создает их при помощи печати, а не при помощи кропотливого прорисовывания всех деталей, отрисовки композиции, подбора цвета и т. д..
Э. Паолоцци
Одна из ключевых работ выставки «Это завтра» 1956. Richard Hamilton, John McHale and John Voelcker. Fun house, 1956. 1987
За разъяснениями, чем это грозит искусству и почему этот подход капитально меняет произведение, обратимся к эссе Вальтера Беньямина «Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости» (1936). В нем он рассуждает о том, что необходимо пересмотреть взаимоотношения между уникальным и серийным, а отношение к уникальной физической оболочке и пиетет перед ней, характерный для многих веков развития истории искусств, потеряли свою актуальность. Другими словами, для современности больше неактуально то, что существует лишь один уникальный вариант произведения искусства.
Беньямин замечает, что произведения
искусства всегда подвергались неоднократному
воспроизведению. Это общая тенденция,
а не примета сегодняшнего дня.
Тем не менее значение оригинала с развитием истории искусств все больше снижается, так как теперь мы можем все более успешно его копировать и заменять копиями.
Теряет ли изображение часть своего смысла, когда воспроизводится машинным способом? Вальтер Беньямин отвечает однозначно: да. И с ним сложно не согласиться, так как подлинный контакт с любым произведением искусства происходит только в том случае, если вы физически находитесь перед ним. Ведь во время этого контакта на нас влияет буквально все: помещение, в котором выставлено произведение, свет, атмосфера, размер работы, ее фактура и т. д. А значит, огромное количество воспроизведений и доступных копий все больше отдаляет нас от оригинала. Но когда художник сознательно выбирает тиражирование как главный метод в своем искусстве, заявляя, что его искусство – поверхностная и ничего не значащая часть массовой культуры, подобный подход становится оправданным. Ведь в мире, где существует только бесчисленное количество копий и воспроизведений, роль оригинала неизбежно снижается.
Подытожим наш краткий экскурс в поп-арт. Направление зарождается и утверждается в Великобритании, но наибольшее распространение получает в Нью-Йорке, столице массовой культуры и формирующегося в этот момент общества потребления, которое хочет довольства и достатка. Термин поп-арт (популярное искусство) утверждается благодаря симпозиуму в МОМА в 1962 году, но впервые он был использован критиком Лоуренсом Аллоуэйем[72] в эссе 1958 года под названием «Искусство и средства массовой информации». Это искусство, которое возникает из-за разрыва между духовным и коммерческим миром, стремится найти новый универсальный язык для выражения современной жизни с ее универмагами и магазинами, акциями, скидками и постоянным воспроизведением и копированием образов медиа.
Для поп-арта характерна эмоциональная отстраненность. При взгляде на произведения этого направления мы не увидим четкой позиции художника, потому что он заимствует образы массовой культуры и возвращает их обратно массовой культуре в своих работах. Важно отметить, что для них очень важна эстетика банальности и это мир образов эфемерного характера, но не людей и понятий. Рассмотрим эти тезисы подробнее на примере творчества Энди Уорхола.
Энди Уорхол получил дизайнерское образование в колледже Питтсбурга. После переезда в Нью-Йорк он начинает рисовать изображения для рекламы, модели туфель и занимается оформлением витрин магазинов. Его искусство отличает серийность, характерная для рекламы, промышленной продукции и печати. Эта серийность станет постоянным приемом и главной темой его работ.
Энди Уорхол
Банки с супом Кэмпбэлл, 1962
Рене Магритт
Вероломство образов, 1929
Рассмотрим самое известное произведение УОРХОЛА – «БАНКИ С СУПОМ КЭМПБЕЛЛ» (1962). О чем оно, и зачем художнику потребовалось изображать множество банок с супом? Вроде бы мы видим банку супа Кэмпбелл, как и говорит название работы. Но так ли это? Видим ли мы банку или нечто другое? Как и в случае с работой РЕНЕ МАГРИТТА[73]«ВЕРОЛОМСТВО ОБРАЗОВ» (1929) мы попадаем в ловушку восприятия: на полотне Магритта изображена курительная трубка, но комментарий на холсте заявляет, что «это не трубка», а мы ведь с самого начала знаем, что это не трубка, а лишь ее изображение. Мы можем трактовать работу Уорхола схожим образом: это тоже своеобразная обманка. Мы видим не банку супа, а только ее краешек, верхнюю блестящую крышку. Большую часть изображения занимают различные этикетки этих банок. Мы видим не сам суп и не банку, а образ, который производитель хочет нам внушить, чтобы мы купили этот товар, яркий, запоминающийся, привлекательный. Иными словами, мы видим только обложку, созданную рекламной и маркетинговой стратегией, но никак не можем сопоставить ее с внутренней стороной вопроса. Более того, скорее всего в банке нет никакого супа. Это просто этикетка, которая может совершенно не соответствовать содержанию.
Как и другие художники поп-арта, Уорхол работает
с образами массовой культуры. Он создает их
копии методом шелкографии.
До этого такая технология использовалась исключительно в тиражировании промышленной рекламы и графики. Художник создает множество одинаковых элементов и повторяющихся произведений, серийно воспроизводимых объектов, что позволяет передать то самое «мельтешение» различных образов, с которым мы сталкиваемся, когда входим в супермаркет, обращаем внимание на рекламные объявления или просто идем по улице современного города.
Самое важное, он изображает не предметы и не людей, а образы, которые остаются в массовом сознании после восприятия какого-либо объекта. С точки зрения интерпретации искусство Энди Уорхола противоречиво. Сам художник говорит, что он исключает глубину и смысл из произведения и изображения. Он заявляет: «Посмотрите, все, что вы видите – это и есть я, нет ничего скрытого „за“, я и мое искусство исключительно поверхностны».