Олег Яцкевич:
Мой приятель, пианист доморощенный, играл с музыкантами. И он где-то достал пластинку, и мы пошли к девушкам с этой пластинкой. Пластинка – натуральная американская. С одной стороны – Билли Мэй, трубач, он исполнял “My Darling Suzette”– “Моя дорогая Сюзетт”, а что с другой, уже не помню. И вот в разгар нашей вечеринки – там какое-то винцо, музыка играет – входит папа девушки. Такой богатый еврей, артельщик. Он послушал и говорит: “Сколько стоит эта пластинка?”– “Это очень дорогая пластинка. Мне ее дали просто на вечер”.– “Ну, сколько она стоит?”– “Двести пятьдесят рублей”.– “О чем вы говорите?” Вынимает деньги – и дочке: “Это тебе, козочка”. Мы обалдели: чтобы за пластинку – двести пятьдесят рублей? Причем если бы там было что-то действительно такое. А тут – Билли Мэй, хороший музыкант, но не более того: мы уже могли отделить Эллу Фицджералд от Билли Мэя. Нам это казалось заоблачно. Мы выходим, и я говорю: вот это жизнь. Взять и купить пластинку за двести пятьдесят рублей.
Не было еще магнитофонов. А записи на “костях” были ужасающего качества. Это не музыка, это пародия на музыку. Сейчас, если я что-то включаю, мне сын по слуху говорит: убери низкие частоты, пожалуйста. А там – ни низких, ни высоких, идет такая мешанина, с трудом различаешь.
Борис Дышленко:
Первое время были пластинки на рентгеновских снимках, а потом все обзавелись магнитофонами. Такие огромные тяжелые штуки – “Днепр-11”. Они были не очень удобными, потому что в них был такой пассик – резиновая штучка от одного колесика к другому, он быстро растягивался, и музыка начинала плыть. Записывали музыку и с “глушилок”, но старались, конечно, записать с привезенных пластинок. Кто-то развивался и начинал собирать настоящий хороший джаз. А кто-то ограничивался довольно примитивной музыкой.
Борис Павлинов:
Пока не придумали магнитофоны, пластинки на “костях” были единственным средством распространения музыкальной культуры. А магнитофоны практически убили “ребра”. Магнитофоны очень быстро заполонили молодежную среду, поскольку они были долговечнее – пока пленка не порвется, играй сколько угодно, взад-вперед перематывай. Включил, нажал на кнопочку – и уже сорок пять минут не подходи к магнитофону, песни друг за другом идут. А пластинку ведь каждый раз надо ставить (речь идет о старых пластинках, где на одной стороне была записана одна композиция.– Г.Л.). Магнитофоны были удобнее, они постепенно вытеснили из обращения “рентгеновскую запись”. И она уступила место следующей технике.
“Радиодиверсия”
В ситуации, когда джаз был практически запрещен, еще одной – кроме пластинок на “костях”– возможностью его услышать были “вражеские голоса”– иностранные радиостанции, передававшие в эфир джазовые программы. Естественно, советские власти пытались с этим бороться: передачи Би-би-си и“Голоса Америки” глушились. В начале пятидесятых вСССР было прекращено производство радиоприемников с диапазоном коротких волн меньше 25 метров, и в результате станции, вещающие на волнах 19, 16 и13 метров, практически не глушили. Благодаря этому счастливые обладатели выпущенных раньше приемников имели возможность, например, слушать передачи Би-би-си – “Rhythm is our Business”, “Like Music of Forces Favorites”, “Listeners’ Choice”.
В несколько привилегированном положении находились и те, кто хоть в какой-то степени понимал английский язык: например, музыкальную передачу “Голоса Америки” “Music USA” на английском языке, как вспоминает Алексей Козлов, по-настоящему не глушили, только иногда “подглушивали”.
“Голос Америки” (“Voice of America”)– радиостанция, организованная правительством США в рамках Агентства военной информации в1942 году,– с началом холодной войны превратилась в пропагандистский инструмент в войне двух миров: коммунистического и капиталистического. С1947 года “Голос Америки” стал вещать на русском, а через два года советские власти начали применять “глушилки”.
Для стиляг и всех, кто интересовался джазом, самыми ценными на “Голосе Америки” были именно музыкальные программы. В1955 году начинает выходить в эфир программа “Music USA” (другое название“Час джаза” – “Jazz Hour”). Несколько десятилетий бессменным ведущим программы был Уиллис Коновер. Несмотря на сопротивление Конгресса, который поначалу возражал против того, чтобы на государственной радиостанции выходила передача о “фривольной” музыке, “Час джаза” все-таки вышел в эфир. В начале каждого выпуска звучала мелодия Дюка Эллингтона “Take ATrain”. Когда программа была на пике своей популярности, ее аудитория доходила до 30 миллионов человек, большинство из которых находились за пределами США, так как по закону “Голос Америки” мог вещать только на другие страны. И какая-то – пусть и небольшая – часть этой аудитории приходилась на Советский Союз.
Ведущего программы, выходившей шесть раз в неделю, Уиллиса Коновера (1920–1996) позже назовут “человеком, выигравшим холодную войну с помощью музыки”, и какая-то доля истины в этих словах, наверное, есть. Недаром люди на огромной территории от Восточной Германии до Владивостока спешили к своим приемникам, чтобы услышать первые аккорды “Take A Train” и произнесенные приятным баритоном слова: “Это Уиллис Коновер из Вашингтона, передача „Час джаза“ на „Голосе Америки“”. Этот высокий угловатый мужчина в роговых очках избегал говорить о политике в своих передачах, но называл джаз музыкой свободы, и для слушавших его передачу советских стиляг джаз действительно был символом той свободы, которой в своей стране у них не было.
Борис Алексеев:
Основной источник, конечно, был Уиллис Коновер, великий просветитель джаза. Чтобы его слушать, надо было немного понимать английский, но он специально говорил медленно: смысл не поймешь, но понятно, кто играет, кто поет, какой оркестр. Многие мои друзья его каждый вечер слушали и в тетрадку записывали: в понедельник игралось то-то и то-то, во вторник – то-то и то-то. А остальные передачи всех глушили – Би-би-си и прочих. Еще из Швейцарии была джазовая передача, но она была как нынче на “Свободе”– пятнадцать минут. А что такое пятнадцать минут? “Здравствуйте, до свиданья, вы слушали джаз”.
Олег Яцкевич:
А у нас же не было телевидения, приемник был у одного из двадцати – такой приемник, на котором что-то можно было поймать. Мы в воскресенье бежали к кому-нибудь, чтобы послушать получасовую передачу, “Рейкьявик” называлась. Полчаса джазовой музыки. И там Сара Вонг, иАрмстронг, иДиззи Гилепси.
Георгий Ковенчук:
У меня были друзья-музыканты, которые меня приучили к джазу. Раньше для меня джаз был как будто на один мотив – ведь для людей, не интересующихся симфонической музыкой, все симфонии на один мотив, и они не любят их слушать: “Опять завели эту симфонию!– говорят.– Выключите!” Я уже тогда был стилягой, но джаз не воспринимал и очень удивлялся, когда мои приятели, зная, когда на коротких волнах или на средних будет передача, бежали домой, чтобы слушать. Они говорили: “О, вот это – Стэн Кэнтон, или Бенни Гудмен, или Эллингтон”. Я думал, что они просто на меня хотят произвести впечатление, потому что не видел разницы. А потом я тоже стал отличать и тоже торопился домой к приемнику. Помню, из Хельсинки были получасовые джазовые передачи – в воскресенье в двенадцать тридцать. Тогда я впервые услышал “Стамбул-Константинополь”– на меня композиция произвела большое впечатление.
Виктор Лебедев:
Наши приемники ловили часовую передачу из Финляндии. Она ретранслировала новинки американской джазовой музыки. И когда я услышал Джорджа Шеринга – он исполнял песню “Lullaby”,– я тут же подобрал ее, выскочил на Невский в выпученными глазами и всем объявил: я тут бибоп Шеринга слышал потрясающий! И это было таким событием для Невского проспекта!
Ближе к концу пятидесятых часть стиляг перешли с джаза на более модный тогда на Западе рок-н-ролл. Популярными вСССР были композиции Билла Хейли (в особенности ставшая классикой рок-н-ролла “Rock around the clock”), Элвиса Пресли, Чака Берри, Литтл Ричарда, Бадди Холли.
Официальные же власти рок-н-ролл не устраивал так же, как и джаз, и они вместе с представителями официальной культуры время от времени сокрушались состоянием современной музыки вСССР.
“У нас еще слабо осуществляется контроль над музыкой, звучащей в клубах, кинотеатрах и других общественных местах,– возмущался композитор Фэре на совещании работников искусств вКуйбышеве в1958 году.– А чего стоит пытка пошлейшими пластинками в домах отдыха, санаториях, целиком отданных на откуп культурникам! А сколько у нас нарушителей общественной тишины, с которыми не ведется борьбы, выставляющих в окнах своих квартир ревущие на всю улицу радиолы. Плохо обстоит дело с продажей долгоиграющих пластинок. Чувствуется, что пластинки с серьезной музыкой директора магазинов рассматривают как принудительный ассортимент. Их мало, и их ассортимент не пополняется годами. Отдавая должное легкой танцевальной музыке, мы не можем мириться с нередко наблюдаемым среди нашей молодежи равнодушием к серьезной, оперной, симфонической музыке”.
В июне того же года вышло Постановление ЦК КПСС “О крупных недостатках в репертуаре и распространении граммофонных пластинок”, в котором говорилось, что “значительную часть выпускаемых в стране пластинок составляют записи слабых в художественном отношении музыкальных сочинений, а нередко и проникнутых чуждыми настроениями”.
Но запретительными мерами и тотальным контролем желаемой цели добиться не удавалось: в стране все большее распространение получали катушечные магнитофоны, и советские меломаны переписывали друг у друга интересующую их музыку.
Главные музыканты стиляг
Луи Армстронг (1901–1971)
Наряду сДюком Эллингтоном, Чарли Паркером, Майлзом Дэвисом иДжоном Колтрейном, Луи Дэниел “Сэтчмо” Армстронг (Louis Daniel “Satchmo” Armstrong) оказал наибольшее влияние на развитие джаза и его популяризацию во всем мире.
Луи родился в бедном негритянском районе Нового Орлеана, рос в неблагополучной семье: мать была прачкой, подрабатывавшей проституцией, а отец – чернорабочим, который к тому же рано ушел из семьи. Луи с детства работал: развозил уголь, продавал газеты.
Армстронг в очень юном возрасте начал петь в уличном вокальном ансамбле, позже играл на барабанах. Но первое свое музыкальное образование будущий классик джаза получил в исправительном лагере, куда попал в1913 году за “новогодний салют” из пистолета, украденного у полицейского. В лагере Армстронг присоединился к духовому оркестру, где освоил тамбурин и альтгорн, а затем и корнет. Но все же основным инструментом для Армстронга должна была стать труба. Выйдя на свободу, Луи стал играть в клубах, не имея даже своих инструментов: их приходилось одалживать у других музыкантов.
Скоро на него обратил внимание Кинг Оливер, в то время лучший корнетист Нового Орлеана, ставший для Армстронга настоящим учителем. После отъезда Оливера вЧикаго в1918 году Армстронга взял в свой ансамбль тромбонист Кид Ори. Молодой музыкант играл и с другими коллективами, включая “Jazz-E-Sazz Band” Фэтса Мэрейбла, у которого научился нотной грамоте. В те годы Армстронг получил прозвище “Сэтчмо”– сокращение от английского Satchel Mouth (рот-кошелка).
Поиграв уОливера в чикагском “Creole Jazz Band”, Армстронг переехал вНью-Йорк, где поступил в оркестр Флетчера Хендерсона. Там кАрмстронгу пришла первая настоящая известность: многие слушатели специально приходили на концерты оркестра, чтобы услышать соло Армстронга. Тогда же сформировался стиль музыканта: яркий и импровизационный.
В 1929 году Луи Армстронг окончательно перебрался вНью-Йорк. Следующее десятилетие стало эрой биг-бендов, иАрмстронг тоже занимался в основном популярной тогда танцевальной музыкой “свит” (“sweet music”). Но и в танцевальную музыку он привнес свою яркую индивидуальную манеру, свойственную хот-джазу.
Именно в тридцатые годы талант “Сэтчмо” достиг расцвета. На протяжении десятилетия Армстронг много гастролировал, выступая со знаменитыми биг-бендами Луиса Расселла иДюка Эллингтона, затем – с оркестром Леона Элкинса иЛеса Хайта, а также участвовал в киносъемках вГолливуде. Благодаря нескольким гастролям вЕвропе – вАнглии, Скандинавии, Франции, Голландии – и в Северной Африке известность музыканта вышла далеко за пределы Северной Америки.
Но одновременно уАрмстронга начались и проблемы со здоровьем: он перенес несколько операций, связанных с травмой верхней губы, а также операцию на голосовых связках: кстати, с ее помощью Армстронг пытался избавиться от хриплого тембра голоса, ценность которого для собственной исполнительской манеры он осознал лишь позже.
В 1947 году менеджер Армстронга Джо Глейзер собрал для него ансамбль “All Stars” (“Все звезды”)– супергруппу, ориентированную на исполнение в стиле диксиленд. В ансамбль входили Эрл Хайнс (фортепиано), Джек Тигарден (тромбон), Барни Бигард (кларнет), Бад Фримен (тенор-саксофон), Сид Кэтлетт (ударные) и другие известные мастера джаза.
К середине пятидесятых годов Армстронг стал одним из самых знаменитых в мире музыкантов. Госдепартамент США присвоил ему неофициальный титул Посол джаза и неоднократно финансировал его мировые турне. Планировалась и поездка вСоветский Союз, и в середине пятидесятых госдепартамент был готов ее спонсировать, но Армстронг отказался, сказав: “Люди спросили бы меня там, что делается у меня в стране. Что я бы мог им ответить? У меня прекрасная жизнь в музыке, но чувствую я себя как любой другой негр…” Позже обсуждались и другие варианты гастролей Армстронга вСССР, но все планы так и остались нереализованными.
В 1959 году Армстронг перенес инфаркт, и после этого состояние здоровья уже не позволяло ему вести такую обширную концертную деятельность, как раньше. Но музыкант никогда не прекращал концертные выступления. В шестидесятых годах Армстронг чаще выступал в качестве вокалиста, записывая как новые версии традиционных композиций в стиле госпел (например, “Go Down Moses”), так и новые песни. Вместе сБарброй Стрейзанд он принял участие в мюзикле “Привет, Долли!”, а выпущенная на сингле песня “Hello, Dolly!” в его исполнении дошла до первого места в американском хит-параде. Последним хитом Армстронга стала жизнеутверждающая песня “What a Wonderful World” (первое место вВеликобритании).
В конце шестидесятых здоровье артиста стало резко ухудшаться, но он продолжал работать. 10 февраля 1971 года он в последний раз играл и пел в телешоу со своим старым партнером по сцене Бингом Кросби. В марте “Сэтчмо” и его “All Stars” еще две недели выступали в“Уолдорф Астория” вНью-Йорке. Очередной сердечный приступ вновь заставил его лечь в больницу, где он пробыл два месяца. 5июля 1971 года Армстронг просит собрать его оркестр для репетиции, а6 июля 1971 года величайший джазмен ушел из жизни.
Избранная дискография
1924– Louis Armstrong And The Blues Singers
1928– Louis Armstrong And His Orchestra
1930– Louis Armstrong & His Orchestra
1931– Stardust
1932– The Fabulous Louis Armstrong
1933– More Greatest Hits
1934– Paris Session
1935– Rhythm saved The World
1936– Jazz Heritage: Satchmo’s Discoveries
1937– New Discoveries
1938– On The Sunny Side Of The Street
1939– Louis Armstrong In The Thirties, vol.1
1940– New Orleans Jazz
1947– Satchmo Sings
1947– Satchmo At Symphony Hall (live)
1947– Satchmo At Symphony Hall, vol.2 (live)
1950– New Orleans Days
1950– Jazz Concert (live)
1950– New Orleans Nights
1950– Satchmo On Stage (live)
1950– Satchmo Serenades
1950– New Orleans To New York
1954– Louis Armstrong Plays W.C.Handy
1954– Latter Day Louis
1954– Louis Armstrong Sings The Blues
1955– Satch Plays Fats: The Music Of Fats Waller
1955– Satchmo The Great (live)
1955– Ambassador Satch
1956– Ella and Louis
1957– Louis Under The Stars
1957– Porgy and Bess
1957– Louis Armstrong Meets Oscar Peterson
1957– Louis and the Angels
1959– Satchmo In Style
1960– Louis & the Dukes Of Dixieland
1960– Happy Birthday, Louis! (live)
1960– Paris Blues
1961– Louis Armstrong and Duke Ellington
1961– Armstrong/Ellington: Together For The First
1961– Together For The First Time
1964– Satchmo
1964– Louis
1967– I Will Wait For You
1968– The Satchmo Way
Бенни Гудмен (1909–1986)
Выдающийся джазовый кларнетист и дирижер Бенджамин Дэвид Гудмен (Benjamin David Goodman), которого называли “королем свинга”, “патриархом кларнета” и“профессором”, родился в семье иммигрантов из России Давида Гутмана иДоры Резинской-Гутман.
Дэвид начал играть на кларнете в десять лет, а уже через два года участвовал в первом концерте. В четырнадцать лет Гудмен бросил школу, решив посвятить жизнь музыке. Два года спустя, в1925 году, он начал играть в оркестре Бена Поллака, с которым в ближайшие годы сделал несколько записей. Первые записи Гудмена под его собственным именем появились в начале 1928 года.
В 1929-м Гудмен перебрался вНью-Йорк и стал свободным музыкантом. Он записывался на радио, играл в оркестрах бродвейских театров, писал собственные композиции и исполнял их, привлекая различных музыкантов. Первой композицией Гудмена, которая стала известна широкой публике, была “Он не стоит твоих слез” (“He’s Not Worth Your Tears”), записанная в1931 году с участием певицы Скрэппи Ламберт. Двумя годами позже Гудмен подписал контракт со звукозаписывающей компанией “Коламбия рекордс”, и уже в начале 1934 года его композиции “Разве она не счастлива?” (“Ain’t Cha Glad?”, пел Джек Тигарден), “Шотландский рифф” (“Riffin’ the Scotch”, вокал – Билли Холидей) и“Папаша” (“Ol’ Pappy”, пела Милдред Бэйли) попали в десятку самых популярных композиций.
Успех этих и других композиторских опытов, а также предложение выступить в мюзик-холле Билли Роуза вдохновили Гудмена на создание собственного джаз-оркестра, первое представление которого состоялось 1 июня 1934 года. Уже месяц спустя инструментальная композиция Гудмена “Лунный свет” (“Moon Glow”) оказалась на вершинах хит-парадов. Успех “Лунного света” повторили композиции “Верь мне” (“Take My Word”) и“Труба зовет танцевать рэгтайм” (“Bugle Call Rag”). После окончания контракта с мюзик-холлом Гудмен был приглашен на радио NBC вести субботнее ночное шоу “Потанцуем!” (“Let’s Dance!”). За полгода работы Гудмена на радио его записи еще одиннадцать раз попадали в десятку лучших, в том числе и после того, как Гудмен стал работать со звукозаписывающей компанией “RCA Victor”.
Летом 1935 года Гудмен отправился в тур по США. Особенно успешными были концерты на Западном побережье, а его выступление в“Palomar Ballroom” вЛос-Анджелесе 21 августа 1935 года считают началом эры свинга.
Удачным оказывается творческий союз Гудмена с певицей Хелен Уорд: вместе они создают несколько песен, попавших на первые строчки хит-парадов, в том числе “Это было так давно” (“It’s Been So Long”), “Хороший парень” (“Goody-Goody”), “Слава любви” (“The Glory of Love”), “Эти мелочи напоминают мне о тебе” (“These Foolish Things Remind Me of You”) и“Ты против меня с моим же оружием” (“You Turned the Tables on Me”). Кроме Уорд, песни Гудмена исполняли в те годы Элла Фицджералд иМаргарет МакКрэй.
Пик карьеры Гудмена в1930-е годы пришелся на 16 января 1938 года, когда он дал концерт вКарнеги-холле вНью-Йорке: впервые в истории этого зала в нем звучала джазовая музыка. В том же году композиции Гудмена 14 раз входили в десятку лучших, в том числе – “Пусть мое сердце поет” (“I Let a Song Go out of My Heart”) в исполнении Марты Тилтон, “Не будь такой” (“Don’t Be That Way”) и“Пой, пой, пой, но не забудь и про свинг” (“Sing, Sing, Sing (With a Swing)”).
Во второй половине сороковых на смену свингу приходит бибоп, и оркестр Гудмена записал несколько сочинений в этом стиле. Но в декабре 1949 года Гудмен навсегда покидает свой оркестр, в дальнейшем он собирал лишь небольшие группы на временной основе из пяти-шести музыкантов только на время концертов и записей. К началу 1950-х годов Гудмен прекратил композиторскую деятельность, почти полностью сосредоточившись на исполнении и записях.
В последующие десятилетия Гудмен совершил ряд гастрольных поездок по миру и в 1962 году посетил Советский Союз. Под впечатлением от этой поездки был записан альбом “Бенни Гудмен вМоскве”.
В 1963 году на студии “RCA Victor” состоялось воссоединение легендарного квартета Бенни Гудмена образца 1930-х годов (сам Гудмен, Джин Крупа, Тедди Уилсон иЛайонел Хэмптон), и год спустя пластинка, записанная ими под названием “Снова вместе”, стала одним из популярнейших альбомов. В последующие годы Гудмен почти не записывался, а одной из последних его крупных работ стал альбом “Бенни Гудмен сегодня”, записанный в1971 году вСтокгольме. Гудмен умер 13 июня 1986 года вНью-Йорке от сердечного приступа.
Избранная дискография
1935 – Original Benny Goodman Trio and Quartet Sessions, Vol. 1: After You’ve Gone
1935 – Stomping at the Savoy
1936 – Air Play
1938 – From Spirituals to Swing
1938 – Carnegie Hall Jazz Concert
1938 – Carnegie Hall Concert Vols. 1, 2, & 3
1939 – Ciribiribin (Live)
1939 – Swingin’ Down the Lane (Live)
1939 – Featuring Charlie Christian
1940 – Eddie Sauter Arrangements
1941 – Swing Into Spring
1947 – Undercurrent Blues
1948 – Swedish Pastry
1950 – Sextet
1954 – BG in Hi-fi
1957 – Peggy Lee Sings with Benny Goodman
1958 – Benny in Brussels Vols. 1 & 2
1959 – In Stockholm 1959
1959 – The Benny Goodman Treasure Chest
Дюк Эллингтон (1899–1974)
Выдающийся пианист и композитор Дюк Эллингтон (полное имя – Эдвард Кеннеди Эллингтон (Edward Kennedy Ellington), родился в семье дворецкого. Детство Эллингтона прошло вВашингтоне, где его отец некоторое время служил вБелом доме, а потом стал копировщиком в военно-морских силах США. Прозвище Дюк (Duke)– “герцог”– он получил от друзей за пристрастие к щегольской одежде в двадцатые годы.
Мать будущего музыканта хорошо играла на пианино и с раннего детства учила сына игре на этом инструменте. С семи лет Эллингтон занимался с учителем музыки, а с одиннадцати лет начал сам сочинять музыку. В пятнадцать лет он написал свою первую композицию в стиле рэгтайм, “Soda Fountain Rag”. Но, несмотря на музыкальные успехи, Эллингтон собирался стать профессиональным художником и учился в специальной школе, рисовал плакаты. И лишь в возрасте восемнадцати лет интерес Эллингтона к музыке наконец возобладал.
В 1919 году Дюк познакомился сСонни Гриром, ставшим барабанщиком его первых составов. С одним из них Эллингтон тремя годами позже ездил вНью-Йорк на краткий ангажемент. Ансамбль Эллингтона назывался “Вашингтонцы” (“Washingtonians”) и продолжал выступать вНью-Йорке – в клубе “У Бэррона” вГарлеме, а затем на Тайм-сквер в“Hollywood Club” (позднее – “Kentucky Club”). Постепенно состав расширился с квинтета до оркестра из десяти человек и с конца 1927 года закрепился в престижном гарлемском клубе “Cotton Club”. К тому периоду относятся такие известные композиции Эллингтона, как “Зов креольской любви” (“Creole Love Call”) и“Черно-смуглая фантазия” (“Black & Tan Fantasy”). Регулярные радиотрансляции из “Cotton Club” сделали Эллингтона и его оркестр известными на всю страну.
В 1931 году оркестр отправился в свой первый концертный тур по США, и в том же году инструментальная версия песни “Настроение индиго” (“Mood Indigo”) стала национальным хитом. В1931–1933 годах стали популярными его пьесы “Limehouse Blues” и“It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing)” с вокалом Айви Андерсон (Ivie Anderson). За три года до “официального” начала эпохи свинга Эллингтон фактически заложил фундамент нового стиля.
В середине тридцатых группа продолжала гастролировать, в том числе по Южной Америке, и репертуар в основном составляли композиции Эллингтона. Тогда же свинговый стандарт “Caravan”, написанный в соавторстве с тромбонистом Хуаном Тизолем, обошел весь мир.
В годы Второй мировой войны Эллингтон написал ряд больших инструментальных пьес. 23 января 1943 года он выступил вКарнеги-холле, где впервые исполнил джазовую сюиту “Black, Brown and Beige”, и весь сбор от концерта был направлен в помощь Красной армии. После войны, несмотря на закат эпохи биг-бендов, Эллингтон продолжал активно гастролировать.
Начало следующего десятилетия стало самым драматичный периодом в жизни эллингтоновского бенда. Чувствуя падение интереса публики к джазу, оркестр один за другим покинули ключевые музыканты, и на несколько лет Эллингтон ушел в тень. Но уже летом 1956 года состоялось его триумфальное возвращение на большую сцену на джазовом фестивале вНьюпорте. Композитор снова оказался в центре внимания, его фотография появилась на обложке журнала “Time”, и он подписал новый контракт с“Columbia Records”.
Дюк Эллингтон вновь становится востребованным концертным исполнителем. Маршруты его гастролей расширились, и осенью 1958 года артист объехал Европу с большим концертным туром. Активная гастрольная деятельность продолжилась и в следующие десятилетия. В1971 году он посетил с концертами СССР, выступив вМоскве, Ленинграде, Минске, Киеве иРостове-на-Дону. Советские гастроли музыканта оказались исключительно успешными: билеты на его концерты были полностью проданы. На каждом из трех концертов Эллингтона вКиеве присутствовало десять тысяч человек, а московские выступления посетило более двенадцати тысяч человек.
Даже официальная газета “Правда” была очень щедрой на похвалы Эллингтону и его музыкантам: автор статьи был поражен “их бесценным чувством легкости. Они выходили на сцену без каких-либо особых церемоний, просто один за другим, как друзья обычно собираются на джем-сешн”. Позже Эллингтон вспоминал о гастролях вСССР: “Знаете ли вы, что некоторые из наших концертов продолжались там по четыре часа? Да, и никто не жаловался – ни публика, ни работники сцены, ни даже оркестранты. Русские приходили слушать нашу музыку, а не по какой-либо другой причине. По десять-двенадцать раз они вызывали нас на бис”.
До последних месяцев жизни Дюк Эллингтон много ездил и концертировал. В1973 году врачи диагностировали у него рак легких, а годом позже великий музыкант умер.
Избранная дискография
1940– The Okeh Ellington
1944– Black, Brown & Beige
1952– This Is Duke Ellington And His Orchestra
1953– Duke Ellington Plays The Blues
1953– Piano Reflections
1954– The Duke Plays Ellington
1955– Ellington ‘55
1955– Blue Light
1956– Blue Rose Rosemary
1956– Ellington At Newport ‘56
1957– In A Mellotone
1958– Newport 1958
1958– Blues In Orbit
1959– Anatomy Of A Murder
1959– Duke Ellington “Festival Session”
1959– Jazz Party
1959– Lotus Blossom
1959– Johnny Hodges & Duke Ellington “Side By Side”
1959– Johnny Hodges & Duke Ellington “Back To Back”
1959– The Nutcracker Suite
1961– The Best Of Duke Ellington
1961– First Time!
1961– Louis Armstrong & Duke Ellington
1961– Duke Ellington “Piano in the foreground”
1962– Money Jungle (с Чарльзом Мингусом иМаксом Роучем)
1962– Duke Ellington And John Coltrane
1962– Duke Ellington featuring Paul Gonsalves
1963– Duke Ellington Meets Coleman Hawkins
1963– Duke Ellington “Arfo Bossa & Concert In The Virgin Islands”
1964– The Great London Concerts
1964– One O’Clock Jump
1966– Ella At Duke’s Place
1966– The Ellington Greatest Hits
1966– Soul Call
1966– Stokholm Concert
1967– Far East Suite
1968– Duke Ellington “Latin American Suite”
1968– And Mother Called Him Bill
1968– Second Sacred Concert
1972– Duke Ellington “Live At The Whitney”
1972– The Ellington Suites
Гленн Миллер (1904–1944)
Гленн Миллер (Alton Glenn Miller)– американский тромбонист, аранжировщик, руководитель одного из лучших свинговых оркестров конца 1930-х – начала 1940-х годов – Оркестра Гленна Миллера. ВСССР этот оркестр стал известен прежде всего благодаря фильму “Серенада Солнечной долины” и песне из него – “Поезд на Чаттанугу” (“Chattanooga Choo Choo”). Другие известные композиции в исполнении оркестра Гленна Миллера – “In the Mood”, “Tuxedo Junction”, “Moonlight Serenade”, “Little Brown Jug”, “Pennsylvania 6-5000”.
Миллер родился вКларинде, штат Айова. В1915 году его семья переехала вГрант-Сити, штат Миссури. Примерно в то же время Гленну купили первый тромбон, и он начал играть на нем в городском оркестре. Скоро семья переехала снова – вФорт-Могран, штат Колорадо, где Гленн и окончил школу. Учась в выпускном классе, он по-настоящему увлекся музыкой, которую оркестры играли на танцах, и решил стать профессиональным музыкантом.
Миллер проучился некоторое время в университете штата Колорадо, но вылетел из-за того, что гораздо больше внимания уделял выступлениям с разными группами, чем учебе. Позже он брал уроки у композитора, иммигранта из России Иосифа Шиллингера и под его руководством сочинил мелодию, которая стала для него знаковой: “Серенаду лунного света”. Миллер несколько лет зарабатывал на жизнь, играя сессионным тромбонистом в разных ансамблях, причем его, как правило, считали вполне заурядным музыкантом. При этом в конце 1929 года Миллер участвовал в записях композиций, которые стали классикой джаза – “Hello, Lola” и“If I Could Be With You One Hour Tonight”.
В середине тридцатых Миллер был тромбонистом и аранжировщиком в оркестре братьев Дорси, потом занимался набором американского состава для британского музыканта Рэя Ноубла и уже тогда пришел к идее создания оркестра с солирующим кларнетом и четырьмя саксофонами, который станет для него классическим.
Первый свой оркестр Миллер собрал в1937 году, и он, ничем не выделяясь среди огромного количества подобных составов, просуществовал недолго. Бенни Гудмен позже вспоминал: “В конце 1937-го, до того, как его оркестр стал популярным, мы вместе играли вДалласе. Гленн был в депрессии и пришел ко мне. Он спрашивал: “Как ты это делаешь? Как тебе удается?” Я ответил: “Не знаю. Просто делаю, и все”.
В 1938 году уМиллера уже был новый состав вНью-Йорке, и в сентябре того же года он выпустил первую запись. Несколько месяцев спустя благодаря концертам вСидар Грув, штат Нью Джерси, иНью-Рошел, штат Нью-Йорк, популярность оркестра резко пошла в гору. В1939 году журнал “Time” писал, что из количества от 12 до 24 пластинок в каждом из 300 тысяч музыкальных автоматов США от двух до шести были пластинками с записями оркестра Гленна Миллера. В течение нескольких лет популярность оркестра вСША была огромной. Много позже Герман “Триггер” Элперт, игравший в оркестре на контрабасе, вспоминал: “Миллер нащупал музыкальный пульс Америки… Он знал, что нравится слушателям”. Популярность оркестра во многом объяснялась тем, что Миллер смог создать коммерческую, эстрадную версию джаза. На волне популярности оркестр принял участие в голливудских фильмах “Серенада Солнечной долины” и“Жены оркестра”, причем Миллер всегда настаивал на “реалистичности” сценария и на том, что оркестр должен с самого начала присутствовать в истории, а не притягиваться к ней искусственно.
В 1942 году Миллер решил, что сможет лучше послужить своей стране, если отправится на войну. Ему тогда было уже 38 лет, и он не подлежал призыву в армию. Он хотел пойти добровольцем на флот, но получил ответ, что в его услугах не нуждаются. После письма к бригадному генералу Чарльзу Янгу Миллер наконец получил звание капитана, должность младшего офицера по специальным поручениям и стал играть на тромбоне в военном оркестре. В1943 году он начал вести радиопередачу, а потом получил разрешение собрать военный оркестр из 50 музыкантов, с которыми летом 1944-го он отправился вАнглию и дал там 800 концертов.
В декабре 1944 года Миллер летел из Великобритании вПариж, чтобы выступить перед солдатами, только что освободившими город от гитлеровских войск, и самолет, в котором он находился, пропал без вести. Несколько десятилетий спустя стало известно, что он был сбит над проливом Ла-Манш своей же авиацией.
Из музыкантов оркестра Гленна Миллера успешную карьеру сделал трубач Билл Мэй, ставший аранжировщиком и руководителем студийных оркестров. Он работал сФрэнком Синатрой, Розмэри Клуни, Анитой О’Дэй, Бингом Кросби.
Избранная дискография
Moonlight Serenade
Wishing (Will Make It So)
Sunrise Serenade
Runnin’ Wild
Stairway to the Stars
Moon Love
Pennsylvania 6-5000
(I’ve Got a Gal In) Kalamazoo
Tuxedo Junction
String of Pearls
Over the Rainbow
My Isle of Golden Dreams
In the Mood
Indian Summer
Gaucho Serenade
When You Wish Upon a Star
Say “Si Si” (Para Vigo Me Voy)
Stardust
Fools Rush In
Danny Boy
Imagination
Элвис Пресли (1935–1977)
Несмотря на три десятилетия, прошедшие с его смерти, “король рок-н-ролла” Элвис Пресли (полное имя – Элвис Аарон Пресли (Elvis Aaron Presley)) продолжает оставаться одним из самых успешных исполнителей поп-музыки, и некоторые его рекорды в области звукозаписи до сих пор не побиты.
Элвис родился вТьюпело (штат Миссисипи) в довольно бедной семье, положение которой усугубилось, когда отец будущего певца попал на два года в тюрьму по обвинению в подделке чеков. Элвис с детства рос в окружении музыки и религии: непременным было посещение церкви и участие в церковном хоре. На свой одиннадцатый день рождения Пресли получил в подарок гитару, а за несколько месяцев до этого – приз на ярмарке за исполнение народной песни “Old Shep”.
В 1948 году семья Пресли переехала вМемфис (штат Теннесси): там было больше возможностей для отца Пресли найти работу. Мемфис стал для Элвиса своего рода “университетом” современной музыки: по радио он слушал кантри, традиционную эстраду, буги-вуги и ритм-энд-блюз, а в районе Биль-стрит живьем слушал черных блюзменов (например, Би Би Кинга). Но о профессиональных занятиях музыкой речи пока не шло, и, окончив школу летом 1953 года, восемнадцатилетний Пресли начал работать водителем грузовика.
Но еще в том же году произошла легендарная история, с которой, можно сказать, началась карьера “короля рок-н-ролла”. Пресли пришел в звукозаписывающую студию, принадлежавшую Сэму Филлипсу, и, заплатив восемь долларов, записал под гитару две песни: “My Happiness” и“That’s When My Heartache Begins”. Отпечатанная в одном экземпляре пластинка должна была стать подарком к прошедшему дню рождения его матери. Молодой певец показался интересным секретарю студии, и она записала его данные. А годом позже, когда Сэм Филлипс решил записать несколько песен для лейбла “Sun Records” с гитаристом Скотти Муром и контрабасистом Биллом Блэком, секретарь в качестве вокалиста порекомендовала ему Элвиса Пресли.
Из нескольких недель репетиций трио родился сингл, на первой стороне которого была версия блюзовой композиции Артура Крудапа “That’s All Right (Mama)” с несколько измененным ритмом, а на второй – блюграссовый хит Билла Монро “Blue Moon Of Kentucky”. Вышедший в июле 1954 года сингл разошелся в количестве двадцати тысяч экземпляров – во многом благодаря почти непрерывной ротации на радиостанциях Мемфиса. В следующие месяцы были записаны и выпущены на синглах еще несколько песен, ставших впоследствии классикой рок-н-ролла: “Good Rockin’ Tonight / I Don’t Care If The Sun Don’t Shine”, “Milkcow Blues Boogie / You’re A Heartbreaker”, “Baby, Let’s Play House / I’m Left, You’re Right She’s Gone”, “I Forgot To Remember To Forget / Mystery Train”.
Кстати, термин “рок-н-ролл” тогда еще не применялся, и эти песни обозначали как новую разновидность кантри. С лета 1954 года начались и концертные выступления Пресли, Мура иБлэка под именем “Blue Moon Boys”. Характерным для группы было смешение элементов “черной” и“белой” музыки, а также поведение Пресли на сцене: раскачивание бедер в сочетании с эмоциональными движениями рук и тела.
Первым настоящим успехом Пресли стало попадание сингла “I Forgot To Remember To Forget” на первое место в категории “кантри” в хит-параде журнала “Биллборд” летом 1955 года, а в ноябре того же года крупная звукозаписывающая компания “RCA Records” “подписала” певца. Следующий год стал поворотным в судьбе Элвиса Пресли, принеся ему не только национальную, но и мировую славу. Первый же сингл Пресли на “RCA”– блюзовая композиция “Heartbreak Hotel”, имевшая мало общего с его записями на “Sun Records”,– поднялся на первое место в национальном хит-параде и разошелся тиражом более миллиона экземпляров. Следом вышли “Blue Suede Shoes” и“I Want You, I Need You, I Love You”, а также первый долгоиграющий альбом (“Elvis Presley”), продажи которого впервые в истории звукозаписи тоже превысили миллионную отметку. Тогда же последовали первые телевыступления, вызвавшие мгновенную любовь тысяч американских подростков и волну возмущения со стороны старшего поколения, видевшего вПресли лишь вульгарность и бездарность. Осенью вышли второй альбом “Elvis”, добравшийся до первого места, и пластинки за рубежом. Тогда же американский журнал “Variety” назвал Пресли королем рок-н-ролла.
Успех Элвиса Пресли в поп-музыке открыл ему путь вГолливуд. Первый фильм с участием Пресли назывался “Люби меня нежно” (1956); внем Пресли играл второстепенную роль и исполнил четыре короткие песни. Но участие сверхпопулярного певца привлекло в кинотеатры миллионы зрителей. В следующем году вышли еще два фильма – “Любить тебя” и“Тюремный рок”,мгновенно ставшие кассовыми хитами. Четвертый фильм Пресли – “Кинг Креол” (1958)– считается наиболее успешной работой Пресли в кино. Кстати, изначально его роль предназначалась для Джеймса Дина, погибшего в1955 году.
В марте 1958 года Элвис Пресли был призван в армию США. Известие об уходе Пресли в армию вызвало протесты в стране среди молодежи: в адрес армии и президента шли письма с требованиями отменить службу для певца. Но его самого уход в армию не смутил, более того, помог повысить его популярность среди более широких слоев населения: он не “король”, а обычный парень, такой как все. Правда, служба, которая проходила вЗападной Германии, была далеко не типичной: в свободное время Пресли посещал кабаре Парижа, ездил вИталию, покупал автомобили и лишь однажды, в июне 1958 года, записался в студии.
В 1960 году Пресли демобилизовался и вернулся вАмерику. Сразу же началась запись нового альбома – “Элвис вернулся!” (“Elvis Is Back!”),который в итоге дошел до второго места в американском хит-параде. В новых песнях певца был заметен акцент в сторону более традиционной эстрады: отныне его творчество адресовалось не столько любителям рок-н-ролла, сколько обычным слушателям популярной музыки. Одновременно Элвис продолжил и карьеру в кино, но практически не давал концертов для широкой публики.
Во второй половине шестидесятых популярность “короля” неизбежно упала: к тому моменту рок-музыка изменилась до неузнаваемости, десятки групп “британского вторжения” сами сочиняли, играли и пели свои песни, которые теперь задавали тон всей индустрии. В этой связи важным коммерческим ходом было шоу на NBC в1968 году, где одетый в черную кожу, идеально подходящую для имиджа “короля рок-н-ролла”, певец исполнил свои старые хиты “Heartbreak Hotel”, “Blue Suede Shoes”, “All Shook Up” и новые композиции, такие как “Guitar Man”, “Big Boss Man”, “Memories”. Шоу, показанное в декабре 1968 года, вернуло кЭлвису интерес широкой публики, которая уже практически поставила на нем крест. 31 июля 1969 года певец дал свой первый за 8 лет концерт в гостинице “Интернациональ” вЛас-Вегасе. Выступления вЛас-Вегасе стали регулярными и продолжались несколько сезонов.
Но как раз в это время у певца начались проблемы со здоровьем. Уже на протяжении многих лет Пресли был зависим от официально прописываемых лекарств – как успокоительных, так и помогающих поддерживать себя в форме при напряженном гастрольно-съемочном графике. К началу семидесятых организм певца уже не мог выдерживать подобной медицины, кроме того, уПресли обнаружились глаукома левого глаза, вынудившая певца носить темные очки, и проблемы с желудком. Из-за болезни певца все чаще стали отменяться концерты. Но, несмотря на это, Пресли с1969 по 1977 год дал вСША более тысячи концертов.
В апреле 1977 года выступления прервались из-за вынужденной госпитализации. Выписавшись из мемфисской больницы, Пресли продолжил концертную деятельность. 16 августа 1977 певец был обнаружен мертвым в своем доме. Сначала было объявлено о смерти от сердечной недостаточности, но вскрытие показало, что причиной остановки сердца стала чрезмерная доза медикаментов. Существует множество других версий смерти Пресли, в том числе популярная легенда о том, что певец до сих пор жив.
Дискография (студийные альбомы)
Elvis Presley (1956)
Elvis (1956)
Elvis’ Christmas Album (1957)
Elvis Is Back! (1960)
His Hand in Mine (1960)
Something for Everybody (1961)
Pot Luck (1962)
How Great Thou Art (1967)
From Elvis in Memphis (1969)
From Memphis to Vegas/From Vegas to Memphis (1969)
Back In Memphis (1970)
Elvis Country (I’m 10,000 Years Old) (1971)
Love Letters from Elvis (1971)
Elvis Sings The Wonderful World of Christmas (1971)
Elvis Now (1972)
He Touched Me (1972)
Elvis (“Fool” album) (1973)
Raised on Rock/For Ol’ Times Sake (1973)
Good Times (1974)
Promised Land (1975)
Today (1975)
From Elvis Presley Boulevard, Memphis, Tennessee (1976)
Moody Blue (1977)
Билл Хейли (1925–1981)
Билл Хейли известен как один из первых американских музыкантов, исполнявших рок-н-ролл, а песня “Rock Around the Clock”, записанная Хейли с группой “Comets”, считается чуть ли не первой композицией в этом стиле.
Вильям Джон Клифтон Хейли (William John Clifton Haley) родился в городе Хайленд Парк (штат Мичиган), а вырос вБутс Корнер (штат Пенсильвания). В результате неудачно сделанной в детстве операции Хейли ослеп на один глаз и потом прикрывал его своей “фирменной” челкой, которая станет важным элементом стиля первых рок-н-ролльщиков пятидесятых годов.
Во второй половине сороковых Хейли стал участником первой профессиональной музыкальной группы – “Down Homers”, игравшей свинг и выпустившей несколько синглов. Уйдя из группы, Хейли сам собрал несколько составов, в том числе “Range Drifters” и“Four Aces of Western Swing”, а потом работал музыкальным директором на радио WPWA. Следующая группа Хейли, “The Saddlemen”, выпустила сингл на “Atlantic Records”– это была первая сессия звукозаписи Хейли на звукозаписывающей компании национального уровня.
В 1951 году на Хейли обратил внимание продюсер Дэйв Миллер из звукозаписывающей компании “Holiday Records”, и он записал на ней песню “Rocket 88” (изначально исполненную группой “Jackie Brenston and His Delta Cats”). Именно в те годы начал формироваться стиль Хейли, который тогда еще не имел названия: гибрид кантри и ритм-энд-блюза. Относительно неплохие продажи пластинок, записанных на “Holiday Records”, показали, что он может иметь коммерческий успех. Тогда же появилось и окончательное название группы – “Билл Хейли иЕго кометы” (“Bill Haley & His Comets”), навеянное кометой Галлея.
В 1953 году для Хейли была написана песня “Rock Around the Clock”, записанная только год спустя. Поначалу она не произвела впечатления ни на слушателей, ни на продюсеров, но когда она прозвучала на титрах фильма “Blackboard Jungle”, сингл с этой песней поднялся на вершину хит-парада “Биллборд”, где оставался восемь недель и ознаменовал собой настоящую музыкальную революцию.
“Rock Around the Clock” стал первым синглом, проданным в количестве свыше миллиона копий вБритании иГермании, а в 1957 году Хейли стал первым исполнителем рок-музыки, совершившим гастрольный тур по Европе. Хейли продолжал записывать хиты на протяжении всех пятидесятых годов, в том числе, например, “See You Later, Alligator”. Он также сыграл роли в первых рок-н-ролльных фильмах “Rock Around the Clock” и“Don’t Knock the Rock”. Пребывание Хейли на вершине рок-н-ролльной славы оказалось недолгим: скоро ему на смену пришли другие звезды, такие как более молодой и сексуальный Элвис Пресли. Но Хейли оставался очень популярным вЕвропе и странах Латинской Америки на протяжении шестидесятых годов.
Подобно многим своим “коллегам по цеху”, Хейли не избежал проблем “рок-н-ролльного образа жизни”. Много лет он страдал от алкоголизма и публично признался в этом в1974 году. Несмотря на это, группа продолжала вести активную деятельность все семидесятые годы и начало восьмидесятых. В1980-м уХейли была обнаружена опухоль мозга, а годом позже один из первых рок-н-ролльщиков умер в возрасте пятидесяти шести лет.
Избранная дискография
1956– Rock ‘n’ Roll Stage Show
1957– Rockin’ the Oldies
1958– Rockin’ Around the World
1959– Bill Haley’s Chicks
1959– Strictly Instrumental
1960– Bill Haley and His Comets
1960– Haley’s Juke Box
1961– Twist
1961– Bikini Twist
1962– Twist Vol. 2
1962– Twist en Mexico
1963– Bill Haley & His Comets
1963– Rock Around the Clock King
1963– Madison
1963– Carnaval de Ritmos Modernos (Orfeon 12340)
1966– Bill Haley a Go-Go (Dimsa 8381)
1968– Biggest Hits
1970– Bill Haley Scrapbook
1971– Rock Around the Country
1973– Just Rock ‘n’ Roll Music
1974– Live in London ‘74
1975– Golden Favorites
1976– R-O-C-K
1979– Everyone Can Rock and Roll